Una narrativa sobre el auge y caída de un gigante tecnológico, tiene una cuidada selección de música que acompaña a la perfección cada momento del film.
Seguramente muchos de los que leamos este post, habremos usado hace unos años el teléfono Blackberry, que fue el primero que ofreció conexión a internet, telefonía, email y mensajería en un solo dispositivo. Con ingenio e innovación lograron desplazar a otros fabricantes que no lograban superar los desafíos y limitaciones de la tecnología en ese momento. Recientemente salió una película que cuenta la historia de los emprendedores canadieneses, con toques de ficción y un ritmo frénetico, la película no tiene un momento de distracción . Y la música hace lo suyo, los momentos claves son acompañados por canciones que calzan perfectamente en la escenas. Rescaté tres de ellas: "Someday" es una de los temas más conocidos de la banda The Strokes, y fue compuesta por el líder de la banda Julian Casablancas donde habla de la amistad en la infancia, sabiendo que es muy posible que terminen separandose por los destinos de la vida. Cuenta la historia que el baterista de la banda luego de una noche de resaca, al levantarse escuchó como Julian cantaba algo mientras se duchaba. Así nació la canción. "Connection" es una canción del grupo Elastica, una banda inglesa, que irrumpió en pleno brit-pop en los noventa, aunque no tuvo la llegada de Oasis o Blur por esos años. Sin embargo esta canción fue la más difundida del grupo. La banda tenía admiración por un grupo llamado Wire, y usaron el riff de una de sus canciones , en la introducción del tema, luego le agregaron la letra y el resto. Como era de esperar tuvieron una disputa legal, y parte de las ganancias del disco fueron a parar a Wire. "Waterloo Sunset" es el tema elegido por los realizadores para cerrar la película, mientras aparecen títulos finales y el destino en la vida real de cada personaje. La canción compuesta a fines de los sesenta por el grupo The Kinks , hace referencia a un conocido puente de Londres, el cantante de la banda solía cruzarlo todos los días cuando iba al colegio. La canción hace referencia a una persona que ve el encuentro de una pareja sobre el puente. Ray Davies, el compositor antes de grabarla fue al puente al atardecer para asegurarse que la canción tuviera la melodía acorde a la atmósfera que el sentía en ese momento. Para quienes no vieron el film, seguramente cuando lo hagan reconocerán estas canciones.
La canción escrita en un sótano, y el disco que hicieron de una banda de New Jersey, una de las más exitosas y mundialmente famosas,
A principio de los ochenta un jóven con un apellido italiano, tenía claro que quería ser cantante y formar una banda. De adolescente formó un grupo y unos años mas tarde su primo era dueño de uno de los estudios de grabación más demandados llamado Power Station, le ofreció trabajar de portero. El muchacho llamado John Francis Bongiovi Jr, tomó el trabajo como una forma de estar cerca de lo que que gustaba, y en los ratos libres pasaba muchas horas grabando demos y cantando. Uno de esos demos llegó a una radio y dio el origen a una banda que se llamó Bon Jovi. Sus primeros dos discos, con un estilo hard rock, los acercaron a bandas consagradas como Kiss, y fueron teloneros de ellos durante una gira. Mientras estaban armando su tercer disco, Paul Stanley de Kiss, le dio el teléfono de un compositor que había trabajado con ellos y fue el autor de uno de sus mas grandes hits. Jon Bon Jovi , y el guitarrista Richie Sambora se reunieron con este compositor llamado Desmond Child y comenaron a escribir nuevas canciones. En el sótano de la casa de Richie compusieron una canción inspirada en dos personas de clase obrera de New Jersey, un trabajador del puerto y una moza de un restaurant que trabajan duro para conseguir sus sueños. Durante los ochenta muchas canciones hacían referencia al sueño americano y las oportunidades para los que trabajaban esforzandose. El tema "Livin' On The Prayer" , fue pensado para que fuera un himno en los estadios, y para que fuera un éxito desde el primer momento. Y así fue. El disco "Sleepery When Wet" fue el punto de quiebre para Bon Jovi que vendió solo en Estados Unidos nueve millones de discos, y los catapultó a ser mundialmente famosos. Reproducida en comerciales de tvs, películas y series, y mundialmente conocida, votada como la mejor canción de la década en la Mtv. Una vez le preguntaron a Jon si no estaba cansado de cantarla y dijo "No cuando veo el avión con mi nombre".
Una artista que tuvo su gran momento en otra época donde no existían las redes sociales ni los medios digitales, se convierte en tendencia y es descubierta por nuevas generaciones.
A fines de los ochenta una muchacha de origen humilde nacida en Ohio, que estudiaba en una Universidad de Massachusetts, en sus ratos libres cantaba en los cafés y bares de esa comunidad. Sola con su guitarra y con letras que hablaban de los problemas de la gente común y de los más necesitados y desamparados de la sociedad americana, llamó la atención de un estudiante cuyo padre trabajaba en la industria de la música. Tracy Chapman, luego de unos meses aceptó la oferta, llevó sus demos y sus canciones, firmó un contrato y pusieron un productor a trabajar con ella. Tracy le mostró una de las canciones que no estaba en los demos que llamó mucho la atención al productor . La canción se llamaba "Fast Car" y no tenía nada que ver con los autos, sino como la misma Tracy dijo "representa el mundo que vi cuando crecí en mi ciudad, viniendo de una clase trabajadora criada por una madre soltera , en una comunidad con desafíos y gente luchando con sus problemas" Cuando el disco que llevó el mismo nombre, fue muy bien recibido por la crítica, pero el gran suceso se dio cuando fue invitada a tocar en el concierto de Nelson Mandela, en sus setenta años donde millones de personas en todo el mundo pudieron escucharla. Al año siguiente Tracy ganó los premios Grammy de Mejor Artista Femenina, Mejor Artista Nueva y Mejor Album de Folk . Mientras Tracy gozaba de su éxito y se codeaba con los grandes de la música, un niño nacido en North Caroline, escuchaba una música que su padre adoraba, y era el disco de Tracy Chapman, y se había encariñado con una de ellas: "Fast Car". Luke Combs se convirtió en músico de música Country, con fusiones de R&B, logrando una trascendencia importante. Luke solía cantar en sus shows una versión de "Fast Car" y se daba cuenta de la excelente recepción en el público. En su último disco, incluyó esta versión y el año pasado fue premiada canción del año en los Country Music Association Awards, y fue la primera vez que una artista afroamericana recibía este premio. Hace unas semanas en la entrega de los premios Grammy, Luke estaba nominado para el premio mejor interpretación solista, Country, y mismo que no ganó, subió al escenario a tocar "Fast Car" acompañado por su autora e inspiradora. Fue uno de los mejores momentos de esta entrega, donde la artista recibió el reconocimiento del público y sobre todo a partir de ese momento las reproducciones en las plataformas digitales y en streaming la convirtieron en tendencia, y desde la aparición de la versión de Luke, su canción sumó mas de un millón y medio de reproducciones adicionales. Todo esto a treinta y seis años de su aparición, un regreso triunfal a los primeros planos que permite a nuevas generaciones conocer a esta gran artista.
Un desastre natural deriva en un cambio en su vida y un futuro exitosísimo para un músico distinto.
Cuando tenía cinco años un chico llamado Christopher Edwin Breaux se instala con su familia en la ciudad de New Orleans donde creció y comenzó a estudiar en la universidad. Sus aspiraciones tenían que ver con la música, comenzó a escribir y a grabar algunas canciones en su habitación en la residencia universitaria, donde había montado un equipo de grabación. El huracan Katrina que asotó a esa ciudad, se llevó puesto la residencia, y todos sus equipos de grabación, como si sus sueños se hubieran hundido en el agua. Frank convencido de su vocación, se mudó a Los Angeles, rearmó sus instrumentos musicales y de grabación , comprando equipamiento usado en las calles de esa ciudad. Comenzó a componer y relacionarse con otros músicos, y poco a poco se convirtió en lo que se llama "gosthwriter", escribiendo letras para otros músicos, Asi fue que sus letras llegaron a músicos como John Legend. Christopher decidió cambiar su nombre, su admiración por Frank Sinatra y por la película Ocean 11, hizo que adoptara el nombre de Frank Ocean. Comenzó a colaborar con un grupo de hip-hop llamado Odd Future, quienes lo alentaron a que lanzara sus canciones. Frank, lanzó una mezcla de canciones que llamó "Nostalgia Ultra" y lo subió a la plataforma Tumblr, y tuvo amplia repercusión y miles de descargas. Jazz-Z, Beyonce , Kanye West lo convocaron para grabar con ellos y a fines del año dos mil once, el mixtape "Nostalgia Ultra" fue reconocido como uno de los sucesos del año. Frank, estuvo casi nueve meses lo que sería su próximo disco, y en tres semanas grabó "Channel Orange", que primero se adelantó en el sitio de la discográfica para descarga y luego en CD que recibió el reconocimiento del público y la crítica. Ese año, de su disco debut, estuvo nominado a cuatro Grammy , y finalmente ganó el de Mejor Artista Contemporaneo. Frank sacó dos discos más luego , y en los últimos años ha publicado singles y compuesto canciones para series o películas, como el caso de Moon River, de la serie "Asesinato en el fin del mundo".
Un músico que tiene en mente una melodía y se deja ayudar por su buen amigo y su hermana, y como resultado un número uno.
A principio de los setenta, una de las bandas de rock más conocidas en Estados Unidos , cambia de cantante ya que el original tenía problemas de salud. El grupo californiano The Doobie Brothers, con su nuevo miembro se vuelca mas al soul y al R&B . Michael Mc Donald, el nuevo cantante, se encontraba trabajando en una nueva canción, y compartió algunos fragmentos con el productor quien lo alentó a continuarla , sin embargo hubo un momento donde no podía lograr lo que buscaba y el bajista de la banda le sugirió que buscara a su amigo y guitarrista Kenny Loggins para que entre los dos la terminaran de componer. Michael lo llamó y le comentó de la idea y lo convocó a su casa. Mientras esperaba su arribo le hizo escuchar a su hermana parte de la canción y el estribillo para tener su opinión, pero este estribillo estaba incompleto, le faltaba lo que se llama el puente. Kenny mientras estaba estacionando el auto escuchó la canción y cuando se dirigía a la puerta se imaginó y comenzó a tararear la continuación del estribillo , junto con el puente que le faltaba a ese tema. Cuando se abrió la puerta, inmediatamente le cantó la parte que faltaba y el principal problema estaba resuelto. Al otro día terminaron la canción por teléfono. "What A Fool Believes" hablar de el encuentro en un café de dos personas que tuvieron un romance en la juventud, el hombre convencido de que era lo mejor que le había pasado, y para la mujer fue solo algo divertido sólo para esa época y durante la conversación el hombre hace de ridículo todo el tiempo. Con el acuerdo de ambos Kenny sacó en su disco solista sacó la canción cinco meses antes que The Doobie Brothers, sin embargo la versión de la banda , que salió primero como single tuvo un éxito enorme , llegó a ser número uno con un dato particular, es la canción número quinientos en la era del rock que logró esa posición. Ganó el premio Grammy a canción y grabación del año . Ha sido parte de numerosas películas y series. Kenny Loggins tuvo muchos grandes éxitos durante los ochenta con canciones como "Footloose" , "Danger Zone" y varias mas. The Dobbie Brothers se separaron a principio de los ochenta , en su carrera tuvieron dos canciones número uno y se volvieron a juntar en varias oportunidades.
Luego de seis años de silencio, con una batalla legal con su anterior discográfica, un talentoso músico ingles irrumpe con una delicia de funk-dance.
Protagonista indiscutido de los ochenta, primer con el efectivo dúo "Wham" , George Michael consiguió en un corto tiempo el reconocimiento de la crítica y sobre todo de sus pares. En su segundo disco solista harto de las presiones de la discográfica Sony en cuanto al estilo tanto artístico como musical , George fue a juicio, y en el tema "Freedom'90" el clama por esa libertad de irse de esa compañia. Luego del juicio y varios millones, mas allá de presentaciones en vivo y colaboraciones, George pasó un largo tiempo sin grabar . Ya con nueva discográfica, y ganas se sumergió en los estudios para armar su tercer disco. Como muchas veces sucede, grabó un un demo de una de las canciones a la que quería darle un estilo bossa-nova, sobre su voz se agregó la base, pero esa cinta se arruinó, si embargo la cinta con la voz de George estaba intacta y el ingeniero de sonido le agrego un arreglo totalmente distinto sumando un saxofone. La canción llamada "Fastlove", habla de el mismo, genuinamente de una epoca muy particular. y como el mismo decía "se trata de curar y convertir el dolor con amor rápido". Sin embargo la canción lejos de ser lenta, tenía un ritmo dance-pop-funk, que sumado a la voz de Michael la llevaron a estar en los puestos mas altos de los charts en todo el mundo. Fue muy recibida y valorada por la crítica y el público. El video fue nominado a múltiples premios, con una estética muy particular , donde lo ambiguo está presente siempre. También un mensaje a sus anteriores amigos de "Sony", los auriculares de uno de los actores dice "Fony" Fastlove" fue el último número uno que tuvo George en su carrera, y el comentó que "era la mejor canción de baile rápido que había grabado". La canción incluye un sample de la canción "Forget Me Nots" de la cantante Patrice Rushen. Es el segundo tema del disco "Older" y fue parte de su disco MTV Unplugged. Un músico inglés, se inspira en un evento personal a horas de llegar a su casa para la Navidad. Muchísimas canciones se han escrito en conmemoración de la Navidad, la mayoría son alegres, algunas remiten a momentos con la familia o la ansiada vuelta a casa. El cantante y guitarrista Chris Rea, venia manejando en la autopista con el Austin Mini de su esposa, saliendo de Londres un veinticuatro de Diciembre, en pleno invierno. El tráfico estaba totalmente colapsado y el tenía por delante unas cinco horas hasta su casa natal de Middlesbrough. Entre la incertidumbre por llegar a tiempo y el caos del tránsito , hubo una melodía que le empezó a sonar a Chris, y la convirtió en canción. En su auto compuso una canción que sonaba a villancico. Pasaron muchos años hasta que grabó finalmente "Driving Home for Christmas", que salió a mediado de los ochenta , se convirtió en un clásico y fue usada en muchísimos comerciales de televisión y es una de sus canciones más conocidas.
Como ha sucedido muchísimas veces, la publicación de una canción compuesta con el estilo que el músico había pensado , es totalmente distinta debido a la presión de la discográfica o los productores. Pero siempre hay revancha.
A fines de los setenta un músico Ingles miembro de una ignota banda, cansado de esperar tener un contrato para hacer su primer disco, deja el grupo y se decide hacer su propio camino. Chris Rea, guitarrista y compositor, estaba escribiendo sus propias canciones, y una conversación con su hermana menor quien estaba muy apenada por la ruptura de su noviazgo, lo inspiró en componer algo relacionado con esa situación. Chris escribió en un papel la letra e hizo las anotaciones de cómo quería que sonara la canción, y el estilo que se era cercano al soul. La canción "Fool (If You Think It's Over)" estaba lista para ser grabada, el productor del disco había acordado con la discográfica convertir a Chris en un suceso comercial del Pop, al estilo Elton John, y modificó sustancialmente la manera en que sonaba la canción. Chris que es un muy buen guitarrista, no tocó la guitarra en ese tema. El hecho es que la canción fue el primer single de su álbum debut, que tuvo un tremendo suceso principalmente en Estados Unidos donde permaneció durante muchas semanas en los primeros lugares. Chris nunca quedó conforme con el sonido de esa canción, ya que sentía que se había hecho algo totalmente distinto a lo que el quería. En los ochenta Chris dio un cambio de dirección en su estilo y logró mantenerse fiel a su estilo , logrando el reconocimiento de la crítica , del público y aunque no es un músico masivo ha vendido mas de veinte millones de discos Como la vida siempre te da nuevas oportunidades, se dio el gusto de grabar el tema como a él le hubiera gustado hacerlo, y es tal vez la mejor de su repertorio en vivo. Disfrutemos de esta gran canción.
Un homenaje enorme para un músico extraordinario nuestro, una esquina de Manhattan se llamará Charly Garcia Corner.
El cinco de Noviembre de 1983 salía a la luz el segundo disco de Carlos Alberto Garcia Moreno, Charly , un álbum considerado por muchos el mejor del rock nacional. Charly quería tener un descanso, un rato de ocio y decidió partir para New York, instalado en un loft junto a su amigo y ex compañero de Serú Giran , Pedro Aznar, influenciado por lo que se escuchaba y la escena musical de la gran ciudad, compró algunos equipos y decidió hacer grabar un disco. y producirlo el mismo. Para esta obra eligió el Electric Lady Studios como lugar de grabación, creado por Jimi Hendrix donde grabaron desde David Bowie hasta Stevie Wonder. Junto con Pedro y un amigo se aproximaron al estudio pidiendo alquilarlo y portero del lugar no les creyó, insistieron mostrando fajos de dólares para probar que tenían el dinero para financiar el trabajo. El estudio puso a Joe Blaney , un prestigioso ingeniero de sonido que había trabajado con The Clash , a cargo del sonido y la producción integral del disco Charly quería un sonido nuevo, muy influenciado por la New Wave, convocó al guitarrista Larry Carlton (ex Steely Dan ) y a otros músicos de sesión , además de Pedro Aznar que tocó el bajo en algunos temas. La máquina de ritmo presente en varios temas sustituyó al primer baterista que había probado. Charly decía "estabamos tratando de hacer algo nuevo, algo que se basara en las canciones, en los teclados, en el ritmo pero todo armoniosamente". El disco con nueve canciones y un poco más de media hora de duración había que decidir la tapa, y para eso Charly junto a su fotógrafo Umberto Sagramoso salieron por Tribeca a hacer algunas tomas. Como el disco se iba a llamar como uno de sus temas "Nuevos Trapos" , Charly quería retratar con aerosol una pared con esas palabras pero al llegar a Walker Street y una cortada. hubo algo que le encantó : un grafity con una sombra y pintada la frase "Modern Clix" , Charly se sentó en la vereda y tomaron varias tomas. Le gustó tanto que le puso a su disco "Clics Modernos", Justamente el disco sonaba muy moderno, con algunos temas bailables, aunque al principio el público no lo entendió, al poco tiempo explotó , alabado por la crítica y por el público, el disco tiene plena vigencia y como dice Charly , no le cambiaria nada. El Lunes seis de Noviembre la esquina Walker Street y Cortland Alley se llamará Charly Garcia Corner, gracias a la iniciativa de un argentino que vive en New York, el apoyo de la cancillería y las autoridades locales de esa ciudad. Un excelente homenaje para esta obra.
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En breve se van a cumplir cuatro décadas del lanzamiento de uno de los mejores discos de nuestro rock, y esto me hizo reescribir este post publicado hace tiempo.
Charly Garcia, luego del éxito que había logrado con el disco Yendo de la cama al living , y del increíble show en Ferro con efectos especiales, decide instalarse unos meses en un loft en Nueva York. Tal vez influenciado por la ciudad, la música que escuchaba allá y la buena onda que había, se compra varios instrumentos y sin querer comienza a grabar un disco. Ahí conoció a un productor ,Joe Blaney, quien lo acompañaría en varios discos y juntó músicos americanos para guitarra, batería, y saxo, junto a Pedro Aznar que puso su bajo. El disco "Clics Modernos" fue un disco adelantado a su época, que el público y la crítica no lo entendieron bien cuando apareció, en un país que venía de salir de un período oscuro y recién entraba en democracia, Charly venía con un mensaje moderno, con música de baile y con cierta polémica también. No pasó mucho tiempo hasta que todos nos dimos cuenta que Clics era un disco impresionante, de punta a punta todos sus temas se han vuelto clásicos. Hay uno en particular que elegí hoy: "No soy un extraño", donde Charly comentó en un reportaje por aquel entonces que el tema habla de la predisposición al cambio, y que la alegría no está en la repetición sino en el descubrimiento. Charly decía sobre la letra " “El personaje se termina integrando. Primero dice ‘no hay que pescar dos peces con la misma red’, como diciendo ‘no puedo usar el mismo parámetro para medir dos realidades distintas’. Después termina diciendo ‘vamos a tomar un trago, vamos a transar con eso’. Es como decir ‘bueno, soy nuevo, no conozco mucho y estoy dispuesto a aceptar algo nuevo'” La canción con su base de la máquina de ritmo, la voz suave de Charly y su letra hace que sea una infaltable cuando se revisa su gran repertorio. Una gran versión interpretada en Francés por Luciano Supervielle, virtuoso músico, productor y compositor rioplatense que nació en Francia, es impecable.
Conocidos como los hijos del rock cuando emergieron siendo unos adolescentes, su quinto álbum sorprende por la producción , el sonido logrado y las letras.
Dante y Emmanuel, se conocen casi desde que nacieron, con unos pocos años de diferencia entre uno y otro, y por sus padres protagonistas de la música y la cultura ligada al rock y muy amigos, estos chicos crecieron juntos y por toda la influencia de su alrededor no podían ser otra cosa que músicos. A los once años Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur ya tenían una banda casi como un juego, y Luis Alberto Spinetta los convocó para hacer los coros en el tema "El mono tremendo" en el disco "Tester de Violencia". De ahi en mas ellos dos armaron otra banda que llamaron Illia Kuriaki and the Valderramas. Irrumpieron en la escena con un sonido distinto y reverente, introdujeron el hip-hop , el rap y las letras delirantes y contagiosas que los llevaron en poco tiempo a ser protagonistas no solo en nuestro país como también en el resto de Latinoamérica. Ellos cuentan que practicamente saqueaban la discos de sus padres , y en el primer contrato que tuvieron con una discográfica, les permitió acceder a discos que no estaban editados en país donde descubrieron un mundo de músicos desconocidos que los deslumbraron y que influyeron mucho en su estilo. Luego de su exitoso disco "Chaco" la MTV los convoca para hacer el unplugged y aprovechando la estancia en Estados Unidos se sumergen a grabar el próximo disco. Alternando estudios de grabación de California y New York, con estilo predominante de funk, soul y acid jazz, y letras más oscuras , el álbum "Versus" salió cuando la banda estaba en la cúspide de su carrera. Dante comentaba "Versus plantea la confrontación de Chaco a Versus hay un abismo de diferencia en lo que hacemos. Chaco está buenísimo, pero en Versus éramos una banda mucho más grossa, y la gente capaz no lo entendía tanto." Las presentaciones acá en nuestro país no convocaban mucha gente, entonces salieron a girar afuera donde tuvo mucha repercusión. El tiempo puso las cosas en su lugar y un año mas tarde , no solo llenaban lugares y tuvieron el reconocimiento del público sino que tuvieron dos nominaciones de MTV para este disco. Escuchemos algunas de sus canciones.
Una canción que le da el título al primer disco solista luego de la separación de la banda, con influencia de un grupo de los setenta.
Si bien Gustavo Cerati ya había incursionado en discos solistas , primero con "Colores Santos" y "Amor Amarillo", el se embarcaba en una nueva aventura luego de la separación de Soda Stereo. Compuso melodías , grabando demos y recientemente mudado a su casa de Vicente Lopez construyó un estudio que lo llamó "Casa Submarina", pasaba horas en él, junto a músicos y amigos que convocó , que aportaron ideas y también varios de ellos colaboraron en las letras. Como una forma de estar conectado con lo nuevo, la banda que armó estuvo formada por músicos más jóvenes que el donde se nutria de lo nuevo y para los músicos representaba estar al lado de alguien que admiraban y que tenía mucha experiencia Gustavo dijo "Me dediqué a gozar de ir recuperando más espacios de libertad y por ahí este disco lo que plantea, es un verdadero sentimiento de libertad o lo más cerca de ella.... hice lo que se me daba la gana". Mientras componía un tema, rescató de su colección de discos una melodía de uno de los grupos que más escuchaba en su adolescencia, llamado Focus. El tema "Eruption" fue el que inspiró a Gustavo y tomó una parte de esa canción y la incorporó en su canción. Un músico amigo le puso letra a "Bocanada", quien cuando escuchó el tema como el mismo Gustavo mencionó "se imaginó una situación de dos personas enfocando más en el humo que en ellas mismas, es un asunto muy habitual un instante detenido" El tema fue el que le dio el título al nuevo álbum y las crónicas de esos años hablaban que si algo le faltaba a Gustavo para recibirse de solista , este disco era la prueba fiel. "Bocanada" fue versionado por el mismo en el disco "11 Episodios Sinfónicos" grabado en vivo en el Teatro Avenida.
Un músico de nuestro país hace un excelente cover de un tema de uno de las mejores canciones de un consagrado , que visita nuestro país y se lleva una sorpresa , al igual que nuestro músico.
En otros post hablamos de la historia detrás de una famosa canción de David Bowie, quien a durante los setenta, harto de las giras y aburrido de la monotonía creativa londinense se fue a Alemania. Había escuchado que allí estaba la vanguardia, se había maravillado con el grupo Kraftwerk y los comentarios que venían de ese país y decidió partir. Allí alquiló un modesto departamento en Berlin, que estaba ubicado arriba de un taller mecánico. Convocó a Brian Eno para instalarse junto a él y trabajaron juntos en los próximos tres discos solistas, el primero de ellos fue Low con una mezcla de pop, e instrumental debido a la fascinación de Bowie por la música electrónica que se escuchaba en Alemania. Durante las sesiones de grabación en el estudio Hansa, situado enfrente del muro de Berlín, David veía desde su ventana diariamente a su productor que se encontraba secretamente con una cantante y corista, abajo de una caseta de vigilancia del muro. Los besos de estos dos amantes, las ganas de estar juntos y el lugar inspiraron a Bowie a componer la canción llamada "Heroes", que fue incluída en el segundo disco de esta etapa del mismo nombre. La canción se convirtió en un éxito y es uno de los temas indiscutidos en la discografía de Bowie. A mediado de los ochenta el músico Richard Coleman formó acá la banda Fricción, y en poco tiempo se convirtieron en revelación. En su segundo disco el líder de la banda incorporó un cover del tema de Bowie, cantado íntegramente en español. Elogiada y ampliamente difundida, muchos jóvenes conocieron la canción por el sin saber que era una versión de una canción del músico inglés. A principio de los noventa , David Bowie visita Argentina por primera vez como parte del Derby Rock, sesenta mil personas en esa noche esperando que el duque blanco salga en escena. Arranca con su repertorio y para cerrar la noche aparece "Heroes", el publico estalla y miles de personas la cantan, pero en español, coreando la versión de Richard. Bowie no entendía que pasaba y se puede ver en las filmaciones como hace un gesto preguntando a alguien de sus músicos que era eso. Richard se encontraba en ese show por supupesto, y le dice a un chico que estaba al lado que la cante en Inglés como corresponde y se encuentra con una respuesta increíble: "Para que si la tuya es mejor". Bowie preguntó a final de show que cantaban y alguien le contó la historia de la canción de Richard, y le acercaron el disco. La sensación de Richard de estar ahí entre miles de personas cantando su versión debe haber sido increíble.
Dos músicos con destino trágico , aunque en distintos momentos de su vida, unidos por una misma canción.
Existen muchos canciones donde los artistas han sido influenciados por los lugares donde residen o donde pasaron algunos años. La banda que emergió a principio de los noventa con el grunge, Nirvana, se había formado en la ciudad de Aberdeen en el estado de Washington , al norte de Estados Unidos. La ciudad es una de las mas nubladas de todo el país y hay pocos días de sol, por eso es una de las menos populares para vivir. La vida de Kurt se había transformado con su casamiento y el nacimiento de su hijo, algo que debería ser placentero. Sin embargo, en el disco "in Utero", que fue lanzado luego del muy exitoso "Nevermind", Kurt no reflejaba eso en sus canciones. Una de ellas se llamó "All Apollogies" , donde hablaba del aburrimiento de la vida de casado , pero también de que él era otra persona los días de sol, y las ganas de estar en otro lugar.. Kurt venía peleando con sus demonios internos, la canción fue interpretada en el famoso concierto que se dio en MTV que fue grabado como disco. Unos meses mas tarde Kurt se suicidó. Dos meses antes que el partiera, la cantante irlandesa Sinéad O'Connor sacó una versión del mismo tema cantado solo con su guitarra. Sinéad había aparecido en escena a fines de los ochenta con un disco que fue suceso mundial, pero luego su vida tanto personal como profesional tomó otros rumbos, también luchó con sus demonios, hasta su partida hace un mes. Ambos músicos con muchos días nublados. Hace una semana partió tal vez el más grande cantante que haya sido protagonista y trascendido varias generaciones tanto en el siglo pasado como en el comienzo del actual. De padres italianos calabreses que se establecieron en Queens, New York, Anthony Benedetto durante gran parte de su niñez y adolescencia padeció la pobreza y limitaciones, y también la enfermedad. De chico mostró interés por la música y el arte, siendo miembro de varios coros y orquestas . Su padre murió cuando el tenía diez años y al poco tiempo integraba coros como profesional, al punto de haber sido uno de los que cantaron cuando se inauguró un famoso puente en New York. Comenzó a trabajar como mozos que también cantan (singing waiters) para poder ayudar a su familia. Participó delel ejército en la Segunda Guerra Mundial y a su regresó empezó a dedicarse de lleno a la música. En una presentación en un club del East Village, el comediante Bob Hope lo escuchó y lo invitó a sumarse a sus presentaciones, ahí fue que nació Tony Bennet , el mismo Bob sugirió el cambio de su nombre artístico. Con enorme repercusión en su primer disco y el single "I Left My Heart in San Francisco", Tony pasó a ser una celebridad y codearse con todos los que el admiraba de jóven, acompañado por músicos prestigiosos, e incursionando por distintos estilo, aunque siempre ligado a la música para adultos. Con la "British Invasion" de los músicos de Rock británicos, las presiones de la discográfica para que cambiara de repertorio y grabara canciones que el no estaba de acuerdo hicieron Tony quedara sin contrato . Luego de algunos intentos fallidos, con un sello independiente grabó su primer disco con Bill Evans, fue su primer acercamiento al Jazz, y después hubo una segunda edición, que fueron muy valorados y reconocidos. Pasó años turbulentos de adicciones y problemas personales y en los ochenta parecía que ya no quedaba nada de él . Su hijo Danny lo ayudó a relanzar su carrera a partir de fines de los ochenta, con discos que rescataban lo mejor del American Songbook. El disco "Perfectly Frank" un homenaje a su ídolo Frank Sinatra tuvo amplia difusión y excelentes críticas. Luego vino su aparición en el Unplugged de MTV , donde convocó a jóvenes músicos como Elvis Costello y K.D:Lang y muchos jóvenes empezaron a conocer a este gran cantante, manteniendo también la fidelidad del público que ya lo conocía. El disco ganó múltiples premios incluído el Grammy a Album del Año. Todo esto fue cuando Tony se acercaba a los setenta años . Continuó sin parar durante los años del nuevo milenio, con un nuevo pianista y director de sus canciones, hizo múltiples discos, y muchos duetos, que a diferencia de otros músicos, que lo hacen de manera virtual, el siempre quería estar en el mismo estudio con el otro cantante. Podríamos decir que cantó con todos: Paul McCartney, George Michael, Elton John, Amy Winehouse, Andrea Bocelli, Diana Krall y la lista sigue. Un día Tony escuchó cantar en un concierto a Lady Gaga y la llamó porque la quería conocer, el le dijo que ella era una cantante del jazz e hicieron juntos el disco "Cheek To Cheek". Unos años mas tarde volvieron a grabar otro disco con canciones de Cole Porter. Tony tenía noventa y dos años. Dos años antes había sido diagnosticado de Alzheimer, y Tony , y ahí viene lo increíble de sus últimos años. Tony seguía grabando y haciendo presentaciones como si nada, Todos los días ensayaba y cantaba , y continuaba pintando (otra de sus pasiones) . En una conversación podía llegar a perderse, pero cuando subía al escenario es como que se conectaba nuevamente y no había rastro en absoluto de su enfermedad. Lady Gaga organizó el último concierto, para celebrar su cumpleaños número noventa y cuatro en el Radio City Hall de New York, totalmente colmado , el público aplaudió de pie y ovacionó a Tony, que tuvo una presentación impecable cantando muy cerquita del piano, Mientras salía del escenario, volvía a mirar al público como diciendo gracias por todo.
Un nuevo contrato con una discográfica y las ganas de hacer algo distinto, logran que un artista consagrado tenga su primer número uno.
A principio de los ochenta el músico británico David Bowie ya era una figura consagrada, con mas de quince discos lanzados desde fines de los sesenta, y estaba terminando su contrato con una discográfica con la que había trabajado desde los inicios. Con un nuevo acuerdo millonario, Bowie quería hacer algo distinto. Contrató al exitoso hacedor de Chic, Nile Rodgers para producir su nuevo disco, donde Bowie quería darle un toque moderno y bailable. David había compuesto una canción que se la mostró muy confiado que iba a ser un hit a Nile, comenzó a tocarla con una guitarra de doce cuerdas . El productor no estaba convencido que ese fuera un sonido que fuera atractivo ni mucho menos bailable y le hizo distintos arreglos para que sonara diferente , ahora había que grabarla. Bowie había visto a Steve Ray Vaughan en un concierto de jazz y había quedado impresionado y lo llamó para que pusiera la guitarra en este tema. Así fue que grabaron "Let's Dance", un funk que sonaba moderno y bailable , en gran parte por los aportes de Nile. En plena efervescencia de la MTV había que hacer un video que lo acompañara, y viajaron a Australia a unas tierras donde viven aborígenes , donde una pareja baila ante la extraña mirada de los lugareños. De hecho la gente del lugar no gustó de esta idea y estaba en contra de su grabación porque sentía que era una ofensa. En el video aparecen personas bailando que no eran actores, sino gente del lugar que se burlaban de la grabación. La canción "Let's Dance" , con sintentizadores, estilizada y con un estilo post-disco dance, muy new-wave fue parte del disco homónimo y fue el único número uno que tuvo David Bowie en su carrera. El disco tuvo enorme repercusión y una excelente crítica, además de haber innovado en su música, este disco influyó a muchos músicos que lanzaron canciones o discos inspirados en su creación.
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Una consagrada cantante que pasó momentos complicados de violencia conyugal, vuelve a los primeros escenarios y recibe un regalo de un compositor. Una joven que se crió en St Louis , comenzó a cantar siendo adolescente y formar parte de una banda, cuyo lider se convierte en su pareja. Con el paso del tiempo el dúo de Ike y Tina Turner eran protagonistas del soul y el rock a fines de los sesenta y setenta, saliendo de giras con bandas como Rolling Stones. Luego de años de soportar abusos por parte de su esposo, Tina se separa e inicia un largo proceso de divorcio, su marido le había sacado casi todo y hasta le negaba usar el nombre artístico. Tina con mas de cuarenta años regresa de a poco a la música, cantando canciones compuestas por otros músicos. Justamente el líder de la banda Dire Straits habia compuesto una canción que hablaba de una chica que era una prostituta o striper pero que según ella era sólo una bailarina para pocos. Cuando Mark Knopfler no estaba tan convencido de que era una canción para que la cante el, y se la mostró a Tina Turner quien estuvo de acuerdo que no era lo mejor que un hombre la cantara. Ahí fue que Mark se la ofreció para que ella la interprete. Tina grabó "Private Dancer" usando los músicos de la banda de Dire Straits y Jeff Beck quien hace el solo de guitarra. La interpretación y los arreglos hicieron que el tema fuera seleccionado para dar título a su nuevo álbum, acompañado por un muy buen video , en pleno auge de la MTV. A los cuarenta y cuatro años Tina conseguía que su disco fuera número uno y sonara en todos lados, además de volver a las giras, pero esta vez mundiales. Vendrían nuevos discos, su recordada participación en Mad Max, la presentación en Live Aid, y tantas otros conciertos,que la llevaron a ser considerada la reina del Rock and Roll. Fue dos veces inducida al salón de la fama, como parte del dúo con Ike y como solista hace unos años. Tina falleció a fines de Mayo de este año .
Dos canciones compuestas hace muchísimo tiempo, interpretadas por un sin número de artistas, géneros musicales y que siempre sorprenden.
El Blues tiene sus orígenes en los grupos de esclavos que llegaron a Estados Unidos, diseminados principalmente en el sur del país, la música era su única posibilidad de expresarse, sin ningún instrumento al principio, sólo con la voz. A principio del siglo veinte, existían distintas corrientes de este género, donde las letras de las canciones hablaban de las penurias de los trabajadores afroamericanos y comenzaron a aparecer las primeras grabaciones. El Blues nacía como música popular. Algunos músicos que venían del Jazz comenzaron a experimentar con la guitarra eléctrica .Un tejano que se mudó a California fue fundamental en la corriente del Blues de la Costa Oeste. Aaron Thibeaux Walker o simplemente T-Bone Walker, guitarrista fue el primero en emular sonidos de instrumentos de viento con la guitarra eléctrica. T-Bone hacia fines de los años cuarenta, compuso una canción donde hablaba de un joven que vive atormentado todos los días de la semana y reza para que su novia regrese. A la canción la llamó "Call it Stormy Monday" , siendo tal vez su canción más conocida y que hoy es un clásico del blues donde cientos de artistas la han versionado. En esos mismos años cuarenta, un dúo de compositores estaba trabajando para una obra musical llamada St. Louis Woman, y comenzaron a improvisar en el piano donde uno dijo una frase y el otro la completó, y así fue tomando forma una canción que llamaron "Come Rain or Come Shine", que fue grabada por primera vez por ellos mismos, Harold Arlen y Johnny Mercer, pero que con los años fue interpretada fundamentalmente por grandes artistas del jazz, aunque también cantantes del pop, rock y R&B la han interpretado convirtiéndola en lo que se llama un standard, cuando una canción tiene una gran notoriedad y tiene un sinnúmero de versiones. Una de las mejores interpretaciones es la de B.B. King y Eric Clapton de su gran disco "Riding with the King". Aquí algunas pocas versiones de estos dos grandes clásicos o standards.
El disco más vendido del rock nacional, que significó un quiebre en la carrera de un músico consagradímo, que vuelve a los primeros planos por una serie sobre su vida.
Un concurso de música progresiva donde un flaco desgarbado que toca el piano, fue lo que llamó la atención de alguien del jurado. Con tan solo dieciocho años, Fito Paez era convocado a tocar con la llamada Trova Rosarina , eran los años ochenta y bastó solo un par de años para que llamara la atención no solo del público sino de sus pares. Con apenas veintiún años lanza su disco solista , que se llamó "Del 63" , donde había perlas como "Tres Agujas" canción que fue muy ponderada, entre ellos por el propio Charly Garcia , con quien su unió a su banda y fue parte de la grabación y gira del disco "Piano Bar". Luego del excelente "Giros" , vinieron otros discos con altibajo y un período oscuro signado por una tragedia familiar. Con una nueva discográfica, su disco "Tercer Mundo" mostraba algo distinto y mas rockero. Instalado en una playa en Uruguay, muy inspirado Fito comienza a dar forma a nuevas canciones, donde combinaba baladas, rock, y algo de folclore. Un nuevo amor en su vida tuvo mucho que ver en el proceso creativo, y la calma que atravesaba el músico. Los primeros demos se hicieron en Punta del Este, y con el aval de la discográfica, se montó una superproducción para grabar el disco, convocando a un ingeniero de sonido que había trabajado con George Martin, y músicos consagrados de nuestro rock. Spinetta, Garcia, Calamaro, las voces de Puyo , Fabiana Cantilo y hasta Mercedes Sosa participaron como invitados. Sesiones larguísimas de grabación que parecían eternas hasta que el músico quedó satisfecho con la obra. En Junio de mil novescientos noventa y dos salió a la venta "El Amor Después Del Amor" . En menos de una semana había vendido trescientas mil copias. El álbum sonaba por todas partes, en la radio, en los walkmans, en los boliches, y todo esto vino acompañado por una gira que arrancó por presentaciones en el Gran Rex, siguió en Vélez y luego continuó por el resto del país y el mundo. Fueron dos años de gira. Fito en sus memorias dijo: "Tener tiempo, dinero, conocimiento y audacia parece una combinación imbatible. Porque cuando falta alguno de estos elementos, la causa corre el riesgo de perder mística o rigor. O puede pecar de falsamente ambiciosa. Sin estos elementos en perfecta conjunción solar, hubiera sido imposible realizar" El disco marcó una época y un quiebre en su carrera que tuvo una proyección internacional y siguió creciendo. Hasta el día de hoy es el disco con mas copias vendidas de todo el rock nacional. Hoy lo volvemos a escuchar.
Unos chicos Ingleses aburridos durante la pandemia, tienen una idea fantástica y ambiciosa que con creatividad y paciencia logran llevarla adelante.
Las mejores ideas y muchos éxitos son concebidos en los momentos menos pensados. Hace un par de años unos músicos británicos muy fanáticos de Oasis, como millones de personas, estaban padeciendo las restricciones provocadas por el Covid-19. Su banda llamada Breezer, de estilo indie pop, había compuesto algunas canciones pero no eran para nada trascendentes. Como es sabido Oasis se separó hace unos quince años y muchos de sus fans aguardan su vuelta , cosa que se viene postergando. Al compositor y productor del grupo, en el medio del encierro, pensó en que tenían que hacer algo con unas canciones que habían compuesto que tenían un sonido idéntico a su banda preferida. Ahi fue que pensaron en usar la voz de Liam Gallagher en vez de su propia voz, el tema era como lograban eso. Si bien tenían conocimiento de tecnología, exploraron algunos videos en Youtube con experimentos similares , y comenzaron a trabajar. Los primeros intentos no fueron buenos, porque el tiempo de generación de la voz tomaba mucho tiempo. La solución fue usar Inteligencia Artificial, tomando la voz de canciones de Liam , extrayendo porciones y "entrenando" al programa para poder reproducir una voz idéntica. El resultado de todo el trabajo se llamó "The Lost Tapes", y como ellos mismos dijeron "no aburrimos de esperar que Oasis se vuelva a juntar y decidimos usar la voz de LIam" Son ocho canciones de un álbum imaginando que hubiera pasado si Oasis hubiera emergido nuevamente con el estilo de sus canciones de mediado de los noventa. Breezer subió el video en Youtube a mediados de Abril , con el nombre de "Aisis- The Lost Tapes", y enseguida llegó a todo el mundo, con muy buenos comentarios de la prensa y por supuesto de los fans de Oasis, muchos pensaron que se trataba de ellos mismos. Como una canción dijo, el futuro llegó hace rato, será que la IA podrá componer y reproducir la voz de artistas que ya no están en este mundo? No lo sabemos... |
Acerca del blog
Versiones es el blog de Juan Cabral, donde escribo sobre música ya que siempre sentí curiosidad por los distintos modos de cantar o tocar una misma canción. Clásicos del jazz, rock ,del pop e inclusive tangos, vuelven a versionarse y muchas veces superan el original. Claro... que todo tiene que ver con el gusto individual, donde la subjetividad, estado de ánimo, recuerdos y lugares son los que influencian para elegir una u otra. La idea es ir compartiendo lo que fui descubriendo y escuchando .... al menos una vez por semana Archivo
Abril 2024
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