Una canción distinta y genialmente creada de un disco bisagra en la carrera de una de las bandas más importantes del rock. Su autor un grande.
A unas semanas de cumplirse veinticinco años de su desaparición física, pensé cual de todas sus composiciones es la más sobresaliente, y me vino a la mente la primera que escuché de la banda que me llamó la atención por las voces y por su originalidad. Queen estaba pasando por un momento tenso con presiones de los productores y managers y una vez que se desvincularon de ellos la banda entró en un período de creatividad y libertad, que sumado a la energía que fue clave para la grabación de su próximo disco a fines de 1975. Queen quería tener el mejor de los sonidos para este disco llamado " A night at the Opera" y para eso utilizó cinco estudios de grabación en distintos puntos de Inglaterra e inclusive uno en Gales. Varias partes de las canciones se grabaron simultaneamente en estudios diferentes para tener mas eficacia. Freddie Mercury, que estaba transitando cambios en su vida personal y profesional, apareció en el estudio con un manojo de papeles y talonarios con anotaciones de una canción. Se sentó en el piano y comenzó a tocar con mucha fuerza algo que estaba lleno de partes incompletas y Freddie explicó a sus compañeros que algo como de una ópera deberia estar en esos huecos de la canción y que el había elaborado esas armonías pero las tenía en su cabeza. La última canción que grabaron fue justamente la que Freddie había anotado en papelitos, le pidió a sus compañeros que tocaran algunos pasajes de un par de acordes y que pararan, cosa que no tenía sentido, pero el tenía bien claro donde llegar. La grabación de "Bohemian Rhapsody" fue bastante divertida y la banda pasó varios días grabando sus propias voces sobre las grabaciones previas, se mezclaro algo así como ciento ochenta pistas de voces todas juntas, para lograr el coro de voces impresionante de esa canción que la hace casi irreproducible en presentaciones en vivo. La canción fue la impulsora de este gran disco, que tuvo excelentes críticas , que le dió a la banda su primer número uno, la popularidad mundial y una carrera exitosísima que incluye muchos premios y la particularidad de que todos sus integrantes al menos compusieron una canción que fue número uno. Mucho se habló del significado que tenía la letra de "Bohemian Rhapsody", y Freddie una vez dijo " es una de esas canciones donde hay mucha fantasía a su alrededor. Creo que la gente debe escucharla, pensar que le dice y abrir la mente ". Y eso es lo que haremos...
Con un inesperado éxito desde su debut y hasta su corta vida , una banda que marcó una época en los noventa y fue símbolo de una generación.
Con el temprano divorcio de sus padres, cuando era pequeño, un adolescente al norte de Seattle en una pequeña ciudad vivía de un lado a otro en casa de familiares. La música era lo único que lo atraía a Kurt Cobain,quien formó con algunos amigos una banda que tocaba en los colegios. Una vez Kurt recuperó todas armas de su padrasto ,que su madre había arrojado al río y con ese dinero compró sus primeros instrumentos. Luego de algunos cambios en la formación llamaron a la nueva : Nirvana. En 1987 acercaron algunos demos a productores y dos años después sacaron su primer disco que costó sólo seiscientos dólares ,y logró ventas por treinta y cinco mil gracias a la repercusión que logró en las radios de las universidades. Dos años mas tarde firmaron con una compañía de mayor vuelo un contrato y sacaron el disco que marcó un quiebre en la banda, y la proyección mundial: "Nirvana". Esperaban vender como máximo cien mil discos en total, pero solo en la primer semana recibieron pedidos por cincuenta mil. En la tapa se veía a un bebé desnudo nadando en una pileta con un billete de un dólar enfrente, que para el líder de la banda significaba que desde que uno nace persigue el dinero. Una de sus canciones se llama "Come as you are" , que habla de la gente y su forma esperada de actuar, aunque su letra es confusa y a veces contradictoria El grupo estuvo en duda en publicarla debido a que sonaba muy parecida a una canción llamada "Eighties" de Killing Joke. Mientras Nirvana rompía el molde tradicional de la música alternativa, combinando indie-rock-post punk , el espíritu anti-estrella de rock, y los problemas de drogas y comportamiento de algunos de sus integrantes en algunas presentaciones los hacían poco previsibles. Kurt luego de un periplo descendente , con abusos, adicciones e internaciones, y depresiones se suicidó a los veintisiete años. El legado de Nirvana marcó a fuego la generación X, e influenció a muchísmas bandas y músicos. Nirvana en el 2014 tuvo su inducción en el salón de la fama del Rock &Roll. Escuchemos esta canción, quefue una de las mejores del disco y también incluída en el famoso unplugged de MTV, junto con una versión interesante de un gran músico brasileño.
Una banda alternativa surgida a principio de los noventa que en poco tiempo cautiva al público con su sonido potente y mezcla de pop-punk.
Con tan solo trece años un grupo de chicos de California formaron un grupo llamado Sweet Children y comenzaron a tocar en las fiestas de colegios secundarios. Un año mas tarde, cambiaron de nombre a Green Day y gracias a la repercusión de su primera canción exitosa firmaron un contrato con una discográfica modesta con la que sacaron dos álbumes. Las compañías competían usando cualquier tipo de recursos, como regalarles viajes a Disney, para convencerlos de firmar con ellos. A cinco años de su creación, con nueva discográfica , la promoción de MTV y un éxito arrollador en Woodstock '94 , Green Day dominaba la escena y vendía 15 millones de su cuarto disco. Giras interminables , un ritmo y agenda alocadas terminaron saturando a la banda que se tomó un largo respiro y volvió tres años mas tarde y algunos discos. Pero sin duda, su álbum con mejor crítica y más logrado fue el séptimo lanzado en 2004 llamado "American Idiot" con un estilo opera rock potente, que se convirtió en éxito de ventas inesperado, multiplatino y ganador de un Grammy al mejor álbum. En ese disco hay una canción llamada que fue compuesta por el líder de la banda Billie Joe Anderson , en un momento trágico. Cuando tenía siete años su padre falleció, y durante el funeral salió corriendo y se encerró en su habitación. Su madre fue a buscarlo para consolarlo y al golpearle la puerta, Billie le contestó "Wake me up when september ends", y ese fue el título que le puso a la canción que compuso años mas tarde. Con más de quince discos editados, casi exactamente a veinticinco años de su formación, Green Day fue inducido al Rock and Roll Hall of Fame , el tiempo mínimo de trayectoria para entrar en ese selecto grup.
Una canción que ha sido un himno para los prisioneros y que tiene muy buenas versiones.
Bob Dylan por varios años trabajó con un grupo de músicos que tenían una banda llamada justamente The Band . El fue su mentor y también su empleador ya que ellos tocaron como soporte en varios de sus conciertos. Dylan compuso una canción y la primera grabación de ella la hizo en colaboración con The Band, pero quedó como un demo y no fue publicado hasta varios años después. La canción se llamaba "I shall be released" Un año mas tarde de la grabación con Dylan , en 1968, The Band sacó su álbum debut llamado "Music from big pink", que cosechó muchísimos elogios , e incluyó esa canción, y la convirtió en la versión más conocida hasta el día de hoy. La interpretación natural de la canción es de una persona que reclama su libertad , de alguien que está inocentemente prisionero. Se convirtió a través de los años en un himno, y muchos artistas que han tocado en cárceles la han agregado a su repertorio. Sin embargo una biografía de Dylan, le dió otra interpretación a esta canción. El estaba un poco decepcionado por la poca recepción que había tenido en su gira por Europa y Estados Unidos, donde había sido abucheado fuera del escenario. Casi al mismo tiempo , tuvo un accidente en moto y tuvo una larga recuperación que lo alejó de la vida pública, recluyendose en su familia. Según este libro, esta canción reflejaba la búsqueda de una salvacion personal por lo que estaba viviendo. Escuchamos este gran tema y una interpretación de la cantante de The Pretenders que es impresionante.
Un cantante y compositor que estaba pasando un período de dudas e inseguridad para escribir canciones se inspira en una ciudad y logra una excelente balada.
El grupo americano formado en Georgia, R.E.M. durante los '90 pasó de ser una banda del under a ser un grupo reconocido mundialmente por el público y la crítica. Su disco Out of time del que hablamos aquí marcó el inicio de una exitosa carrera que duró hasta hace unos años. Michael Stipe, el líder, compositor y cantante de la banda, a pesar de que tenía más de doce discos lanzados con el grupo, sentía cierta presión para componer nuevas canciones ante el desafío que que sean un éxito. Su amigo Bono de U2, le dió el coraje, y le dijo que simplemente escribiera, y que no todas las canciones tienen que ser grandiosas. Michael en una noche clara estaba en un avión volando sobre New York que lucía espectacular desde el aire y eso inspiró a componer una canción sobre sus sentimientos al dejar la ciudad. Según el comentó en una entrevista, ha escuchado multiples interpretaciones de la canción, y para el todas están bien y no hay nada de malo, es más el dijo que lo que él pensaba era lo menos importante. El resultado fue una "Leaving New York" con muy buenos acordes, coros, suave y con una letra excelente que expresa sus sentimientos al dejar la Gran Manzana. El tema fue incluído en el albúm "Around the Sun"
Un autor que se inspira en una canción de los setenta, compone algo que se vuelve un éxito en los noventa y entre ambos artistas hay reconocimientos entre ellos, de distintas maneras.
Albert Hammond es uno de los músicos, compositores y productores más reconocidos del mundo. Nacido en Inglaterra, pero críado en Gibraltar, cosa que le permitió ser fluente en Español, durante los setenta se estableció en Estados Unidos y luego de varios intentos ,con demos de algunas de sus canciones logró impresionar a productores y grabó su primer disco "It never rains in southern California". Una de las canciones que tuvo una repercusión muy grande fue "The Air That I Breath", que el grupo "The Hollies" grabó y ayudó muchísimo a que se hiciera más conocida. En 1987 un estudiante unirversitario inglés llamado Thom Yorke, estaba obsesionado con una mujer, que para él era una extraña y totalmente fuera de su alcance. El la veía frequentemente en los bares, pero no tenía la oportunidad de charlar con ella. Muchas veces el intentaba seguirla para forzar un encuentro,y cuando un día con varias copas de más juntó coraje para encararla y confesarle su obsesión la mujer se asustó y nunca más Thom se animó a volver a intentarlo. El muchacho compuso una canción y la grabó pro primera vez en forma acústica. La llamó "Creep", y cuando terminaron los estudios junto con unos amigos formaron una banda que llamaron "Radiohead", y firmaron un contrato con la discográfica en 1991, al año siguiente la canción salió a la venta como single en Inglaterra con relativa repercusión . Pero en 1993 cuando sacaron su primer disco "Pablo Honey", la canción explotó, sobre todo en Estados Unidos. La banda decidió compartir parte las regalías de esta canción, con el autor del tema que había servido de inspiración: Albert Hammond, quien a su vez a modo de devolución grabó una versión de "Creep" para la película animada "The book of life" donde pronuncia algunas frases en Español. Albert Hammond produjo durante los ochenta y noventa a muchísimos músicos reconocidos y es el padre de uno de los integrantes de The Strokes (Albert Hammond jr). Radiohead fue una de las grandes bandas de los noventa y de la primera década de este siglo, que combinaron rock alternativo con elementos de música electrónica. Su gran hit "Creep" tiene muchísimas versiones y ha sido usada en varias series de televisión.
Uno de los principales protagonistas y fundadores del rock de nuestro país, cuyo estilo, música y presencia se extraña.
Pasó por algunas de las bandas emblemáticas de nuestro rock, integrante de la primera formación de "Los Abuelos de la Nada" , pasó por "Los Gatos", y tocó con Spinetta , entre otros, hasta que formó su propia banda llamada "Pappo's Blues". Norberto Napolitano, además de ser el guitarrista, compositor y cantante de blues y rock , fue el que impulsó el heavy metal en Argentina. Durante la dictadura en nuestro país (76-83), Pappo luego de su exilio en Europa junto con varios otros músicos del rock en tiempos complicados, regresa al país para formar Riff, una banda de rock pesado que venía a romper con lo conocido. En seis meses grabaron dos discos, todo un record, y se presentaron en noviembre del '80 en una pequeña sala de Buenos Aires. Bajo el carisma y talento de Pappo, el público quedó sorprendido de la fuerza que generaba la banda. Con sus camperas de cuero y tachas, todos de negro la banda no inspiraba rechazo sino algo de miedo, aunque era más una puesta en escena en aquellos años que otra cosa. Pappo, siempre hizo declaraciones que generaban polémicas, pero que eran graciosas a la vez, por aquellos años decía "Acá se llama rock a todo y no todo es rock. Piero hace canciones de protesta, Serú hace canciones blandas, Leon Gieco es un trovador,etc... pero nadie hace rock, excepto nosotros!" Sus anécdotas eran imperdibles. Una de ellas se refiere a su canción el "Tren de las 16". Cuenta que estando en Inglaterra en la estación tren Victoria, se choca con una chica en en el andén, se miran un rato y se dan un beso. Comienzan una relación , aunque ella vivía todavía con sus padres, Hablaron de casamiento, pero a los tres meses a Pappo lo llamaron para tocar y salió de gira por España, y el se fue. Según el por la diferencia de edad el tuvo que dejarla, y se vieron por última vez en el mismo lugar donde se habían conocido, en la estación Victoria junto antes de las 16 horas. Pappo volvió a Inglaterra mucho tiempo después, buscó a su chica pero no la pudo encontrar. Vamos a escuchar algunos temas de Pappo's blues y Riff como homenaje al Carpo.
Dos canciones entre miles que hablan de dos días de la semana, y la sensación de los músicos por algún hecho que ocurrió en esos días.
Expresando algo totalmente diferente a lo que la canción del grupo New Order reflejaba en "Blue Monday" , el líder del grupo The Cure, Robert Smith en forma absurda describe sus sentimientos hacia su pareja solamente los días Viernes olvidándose de ella durante el resto de la semana. En un reportaje Smith dijo que "Friday I'm Love" . es una canción tonta pero excelente a la vez por lo absurda que es, con una letra que refleja optimismo. También comentó que es bueno tener un balance entre sus canciones, ya que había una percepción de que el grupo solamente escribía canciones sombrías. Aparecida en el disco "Wish" de 1992, la canción sonó y suena mucho y ganó el premio MTV al mejor video. La otra canción que siempre me llamó la atención del título, es "Ruby Tuesday" de los Rolling Stones, que habla de la partida de una de las novias de Richards (que era muy seguidora del grupo), el junto a Brian Jones escribieron juntos la canción. Jones además era un músico que podía tocar casi todos los instrumentos en el grupo. "Ruby Tuesday" salió en un disco simple y fue el lado B. Como en el lado principal de ese disco estaba "Let's spend the nigh together", las radios evitaban pasarla por el contenido sexual, entonces ponían "Ruby Tuesday" que sonaba todo el tiempo y se convirtió en un hit. En una entrevista Richards dijo " ..una de esas cosas que pasan, la chica se fue y todo lo que te queda es la guitarra y el piano, y pones tus sentimientos en una canción, ese día fue un gris, triste, muy triste... muy Ruby Tuesday"
El sueño de pasar de una banda desconocida a una ser estrella de rock, que parecía lejano se termina cumpliendo.
A principio de los '90 dos muchachos que residían en California comenzaron a tocar juntos en modestos conciertos acústicos, convocaron a otros músicos totalmente desconocidos y formaron la banda llamada Counting Crows, El líder de esta ignota banda, Adam Duritz, salió una noche con un amigo a ver un concierto y luego de ronda por bares. Con algunas copas de mas, en uno de ellos dos chicas llamaron la atención, pero ninguno de los dos se animaba a acercarse a ellas, y comenzaron a hacer bromas sobre cómo encarar la situación, y entre ellas la que más le gustó era simular ser estrellas de rock en vez de ser unos músicos perdedores de una banda desconocida que tocaba en pequeños lugares. Adam cuando volvió a su casa escribió una canción, inspirado en ese hecho, que habla de todos los sueños y las cosas que uno quisiera hacer y que te llegan al corazón, sea una estrella de rock, un médico o lo que sea. La canción Mr Jones fue la primera y el gran hit de toda la carrera de Counting Crows. Los llevó a convertirse de la noche a la mañana durante mediado de los '90 en una de las bandas alternativas más escuchadas, junto con REM, Sheryl Crow. Con más de diez discos lanzados, Counting Crows siguió activo hasta 2010, cumpliendo el sueño Adam de ser un rockero. Seleccioné algunas canciones de esta banda, incluyendo 2Mr. Jones" y un cover de un tema de Joni Mitchel.
Algo completamente diferente a lo compuesto y grabado hasta ese momento , resulta una obra fantástica de dos genios de la música.
En Enero de 1967 John Lennon estaba leyendo el diario Daily Mail y hubo dos noticias que le llamaron particularmente la atención. la primera tenía que ver con el fatal accidente automovilistico de Tara Browne quien pertenecía a la familia aristocrática irlandesa propietaria de la cerveceria Guinness, que eran amigos de los Beatles. La otra tenía que ver con algo totalmente distinto, un estudio que revelaba que en la ciudad de Blackburn había cuatro mil pozos en sus calles y que el material necesario para taparlos llenaría el teatro Albert Hall. John tomó estas dos noticias como la base para componer su parte en la canción que se llamaría "A day in the life". Por otro lado Paul McCartney también compuso su fragmento , con la idea de unirlos. E trabajo de producción resultó muy complejo y llevó bastante tiempo. Entre las dos piezas de la canción había un espacio de veinticuatro compases y provisoriamente lo llenaron con un piano y una cuenta en voz alta , que estuvo a cargo del asistente personal del grupo (que no era músico ni cantante). Esta persona para poder recordar cuando tenía que parar se puso un reloj despertador, y el sonido de ese reloj fue dejado en la grabación. Mas tarde, ese lapso de los compases en blanco se completaron con una orquesta , aparentemente descontrolada. Cuando los cuarenta y un músicos llegaron al estudio vestidos formalmente, les entregaron artículos de cotillon tipo narices falsas, sombreros y otras cosas, convirtiéndose en una función de grabación totalmente atípica. La premisa fue que debían comenzar a tocar en la nota más baja posible e ir subiendo hasta la más alta posible. Durante la grabación se puso el equipo de refrigeración al máximo de su caudal para que su sonido fuera captado, y para cerrar el tema a John se le ocurrió grabar un sonido en el tono agudo más alto que el oído humano no pudiera captar, pero sí los perros, este efecto fue incluído en las grabaciones de los discos de vinilo de Sargent Peppers Lonely Hearts Club Band. Una vez finalizada la canción, el productor George Martin , que tuvo cierta duda si con la canción la banda iba a perder audiencia, se la hizo escuchar al director del sello musical Capitol Recordsquien luego de escucharla dijo "es fantástico!!". Y realmente estaba en lo cierto.
Una banda asociada por error a una banda de tipo religiosa, inmediatamente en su debut consigue llegar a los principales escenarios.
Luego del apogeo del movimiento grunge nacido en Seattle de la mano de Nirvana y otras bandas , en un pequeño pueblo del estado de Georgia nació un grupo post-grunge integrado entre otros por dos hermanos y dos amigos. A la banda la llamaron Collective Soul tomándolo de un libro, y al poco tiempo firmaron un contrato con un sello discográfico pequeño y lanzaron su álbum debut llamado " Hints, Allegations & Things Left Unsaid ". En ese disco había un tema llamado "Shine" que fue muy escuchado. La palabra "cielo" se repetía muchas veces en la canción, y debido a eso la gente pensaba que ellos hacían música religiosa. El cantante y líder de la banda y su hermano guitarrista eran hijos de un pastor, sin embargo uno de ellos explicó que la doctrina de uno de ellos no podía ser tomada como la de todos los integrantes de la banda. Su álbum debut fue disco de platino, y el tema "Shine" se volvió un símbolo del nuevo rock al tiempo que Aerosmith llevó a la banda como acompañante en su tour en 1993. Muchas de las letras de Collective Soul se refieren a situaciones que vivieron sus integrantes. El tema "She Said" cuenta una conversación entre el cantante y su madre, y se refiere a los problemas de alcoholismo de su abuelo. La canción "Bleed" habla de una chica desesperada que intentaba quitarse la vida, que fue en busca del pastor (padre del cantante) que hacía de terapista de personas con problemas. Al no encontrarse su padre en su casa, el cantante tuvo que asistirla y darle contención. Con más de diez discos, cambios de estilo en el medio y vuelta a sus raíces la banda que también erroneamente se la consideró grunge, consiguió muchos éxitos en los noventa, continúa tocando con buen sonido y buenas letras. Escuchemos alguno de ellos.
Una banda que transitó años tocando en bares , llega a su primer número uno gracias a un tema de una famosa película.
Huey Lewis comenzó su carrera musical a principio de los setenta. Con su voz y su armónica , junto con un tecladista viajaron a Inglaterra , donde tocaron en pubs , sacaron un single y fueron teloneros de algunas bandas, aunque no trascendieron demasiado. De vuelta en Estados Unidos, asentado en California, juntó a varios músicos y armaron un grupo llamado American Express a principio de los ochenta, y sus escenarios eran los bares, con un estilo de rock simple inspirado en el rock británico y el R&B. Sacaron algunos singles que fueron prácticamente ignorados , cambiaron de productora y también de nombre de la banda que pasó a llamarse Huey Lewis and The News. Su tercer disco en 1983 llamado "Sports" a mediado de los ochenta, con un sonido pulido , buenas canciones , extensas giras (no ya en bares) y videos ampliamente difundidos por MTV , fueron los pilares del éxito no solo en el mercado americano. Un par de años más tarde se estaba filmando la película "Back to the future" y precisaban un tema para su final, si bien ya tenían una canción de Huey Lewis , que se llamaba "I want a new drug" , no terminaba de convencer a los productores, y le pidieron a Huey una nueva canción que tuviera que ver con el tiempo, y el tenía una llamada "Nick of time" sin embargo había una con el mismo título en otra película, pero el les dijo que tenía algo bueno en mente y que lo esperaran. Dos días antes del cierre final de la edición del film, Huey llegó con la canción "The power of love" cuyo título se lo pidió a un amigo compositor al que le dio el diez por ciento de las ganancias. Los productores quedaron encantados con la canción del cierre de la película, y toda persona que la vio asocia directamente esta canción al film. Huey Lewis and The News logró el número uno y ser mundialmente reconocidos, para una banda que nació y pasó muchos años tocando en pubs y bares. La banda sacó varios discos y tuvo su época dorada en los ochenta, aún siguen tocando. Aquí algunos tres temas de ellos.
La admiración de fans por una banda de rock y los deseos de escucharlos en su ciudad los inspiran a hacer algo increíble e inédito.
A mediado de los noventa, luego del fin de Nirvana, el baterista del grupo Dave Grohl se embarcó en un proyecto: formar su propia banda. Cambió la batería por la guitarra y comenzó a componer canciones. Cuando era adolescente había tocado la guitarra en un grupo de hard rock y escrito canciones. Grohl tenía admiración por los objetos voladores no identificados desde chico, y había investigado sobre su existencia. Foo Fighters es el nombre que la US Air Force le da a los OVNIS y justamene fue el nombre elegido por él para su banda. Su primer disco fue prácticamente grabado y escrito por el , si bien la banda tenía algunos integrantes. Muy pocos pensaron que el grupo sobreviría la época de rock alternativo de Nirvana, más allá de algunos hits que podían llegar a tener. El tercer disco fue una grata sorpresa. "There is nothing left to lose" fue su primer disco concebido realmente como banda, con un sonido orgánico y poderoso, que demuestra la solidez de la banda , además de su maduréz. Parecía que habían tomado fuerza, luego de la partida de varios de sus miembros (el título del disco irónicamente hacía referencia de esto). Una de las canciones más escuchadas del disco fue "Learn to Fly", que según su autor habla de la búsqueda de algo de inspiración, la búsqueda de signos de la vida que te hacen sentir más vivo. Inspirados por la admiración al grupo, por la canción y por las ansias de ver al grupo en vivo en su ciudad, hace una semana sucedió algo increíble. En la ciudad de Cesena al norte de Italia, mil músicos tocaron en vivo "Learn to Fly" para pedir de una manera no convencional que Foo Fighters incluyera a esa ciudad de cien mil habitantes en su gira. El evento fue planeado con muchos meses de anticipación, se juntaron fondos via crowfunding, y el video de esta inisual iniciativa, en menos de un día tuvo más de tres millones de visita. Foo Fighters en respuesta dió el ok para visitar Cessena.Escuchemos este gran tema...
El cambio total de rumbo de una banda llega con su único número uno , convocando a un público distinto.
Allá a fines de los sesenta dos músicos ingleses que habían sido parte de un grupo que pasó inadvertido, formaron una de las bandas más reconocidas del rock sinfónico durante la década del setenta: Yes. En el pasaron muchos músicos talentosos , hubo idas y vueltas , algunas partidas , más de diez discos en ese período hasta que llegó una primera separación casi total en 1980. Luego de un par de años algunos de ellos decidieron juntarse, pero no lograban el resultado esperado y convocaron al vocalista original quien había dejado la banda un tiempo atrás. Se pusieron a trabajar con muchas ganas , con el objetivo de tener un disco distinto y que fuera un gran éxito. El bajista y productor fue fundamental , y el disco 90125 rompió todos los esquemas, con un estilo de rock-dance, nada que ver a lo que venían haciendo. El tema principal y de difusión fue "Owner of lonely heart" , muy bien logrado desde la parte orquestal , los arreglos y lo vocal, arrasó con todo siendo número uno, y promocionado por el canal de videos MTV que recién comenzaba . El vocalista de la banda Jon Anderson, comentó que la compañía discográfica había puesto mucho dinero en esta producción y ellos se iban a asegurar de que fuera un suceso. Yes comenzó a ser escuchado por nuevas generaciones, y una audiencia distinta. Sus anteriores seguidores no entendían este cambio, y el nuevo público quedaba sorprendido al escuchar sus viejas grabaciones sinfónicas con temas de más de diez minutos. Algo de color de este disco es que el logo de la banda que aparece en la tapa fue compuesto por la computadora Apple II en 1982, para esa época todo un adelanto. Las letras ligadas al amor pegó en la banda que intentaron volver a tener el mismo éxito en el siguiente disco "Big Generator" pero no fue posible, aunque el disco tuvo buena aceptación. Yes no volvió a tener un disco éxitoso , pero aún siguen tocando. Escuchemos "Owner... " , otros temas de esa época y uno de su cantante en la etapa solista.
Como tantas otras veces, y porque en la música se combinan sonidos y acordes compuestos por anterioridad, una banda utiliza una porción de una conocida canción.
Hay una banda actual que ha sido signada por el descontrol, los excesos y algunos hechos trágicos, ésta es Red Hot Chili Peppers. Formada en los '80, por un actor principiante australiano, un cantante cuya madre era una india apache, y otro actor-músico americano, fueron incorporando otros músicos a la banda. El primer guitarrista murió de sobredosis, el segundo guitarrista se fue de la banda anticipando que si seguía seguro terminaría muerto, y el cantante fue preso por participar en escándalos varios. Su disco Mother Milk fue su primer gran disco, y tuvieron que pasar casi diez años hasta que su viejo amigo guitarrista ya recuperado de sus excesos volvió a tocar con ellos y luego del exitoso disco Californication, en el 2006 sacan un disco doble , Stadium Arcadium,con veintiocho temas y el primer disco en cuatro años. El disco tenía algunos temas que sonaron mucho, y entre ellos estaba "Dani California", donde la parte de la guitarra suena muy parecida a la canción de Tom Petty and the Heartbreakers "Mary Jane's Last Dance", y se especuló que la banda tendría un juicio por plagio. Petty dijo en una entrevista que el había dudado seriamente se había habido malas intenciones, pero pensándolo un poco en el mundo del rock hay muchas canciones que suenan parecidas a otras, y luego de ver una entrevista con ellos donde por cierto admitían haberse inspirado en el tema de él, esto le resultó gracioso y dijo "Ok, good for you!". "Dany California" ganó el Grammy a mejor performance de grupo de rock.
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Un grupo con muchos éxitos consigue su mayor logro con una canción con múltiples interpretaciones que casi es reducida en su duración. Eagles es una banda americana de rock/pop nacida en los '70. Su canción más conocida tiene que ver con un lugar ajeno para la mayoría de ellos: California, casi todos sus músicos provenían de distintos lugares de Estados Unidos (Texas, Detroit,Florida) . Don Felder uno de los guitarristas de Eagles compuso una canción mientras estaba un una playa cerca de Los Angeles. Se las hizo escuchar a sus compañeros, quienes terminaron de darle forma y grabaron un demo en un casette. Un año después durante las sesiones de grabación de su quinto disco, comenzaron a tocarla pero no sonaba exactamente igual a la versión original, entonces Felder llamá a su casa y le pidió a la mucama que pusiera a reproducir el casette de demo y se los hiciera escuchar por teléfono. Así fue que lograron el sonido que habían grabado tiempo atrás. Según sus autores ,la canción "Hotel California" habla del materialismo y los excesos muy ligados a California pero que podría ser aplicado a cualquier otro lado. Uno de ellos decía que a medida que ibas manejando el auto por el desierto rumbo a Los Angeles se podía ver toda la energía de las luces de esta ciudad y Holliwood a muchas millas, y la mente comenzaba a imaginar todo lo que se podía vivir en California. La canción tiene una duración de seis minutos y medio, y como no es una canción para bailar, ellos debatieron si la canción podría ser un simple o no debido a su extensa duración. Finalmente la lanzaron como un simple y luego fue parte de su disco: "One of these nights" que llegó a disco de platino en una semana, vendiendo millones de copias y figura en el puesto 36 de la lista de las 500 mejores canciones de la revista Rolling Stones. En 1977 Eagles ganó el Grammy a Disco del año, y tuvo otras múltiles nominaciones . Los miembros de la banda no fueron a la ceremonia a buscar su premio y vieron la transmisión por TV mientras ensayaban sus temas.
Una canción de una banda consagrada, consigue la inspiración para hacer un disco, que un viaje no pudo lograr. Hacia fines de los ochenta U2 ya era una banda consagrada, respetada y reconocida en todo el mundo, y el muro de Berlín se derrumbaba, siendo uno de los hechos históricos más importantes del siglo pasado. La banda viajó a Alemania y se estableció en su capital, para grabar su próximo disco. Querían inspirarse de la lucha y los cambios que estaban ocurriendo en la región, sin embargo en vez de eso encontraron conflictos entre sí, y pasaron meses de trabajo improductivo, tratando de grabar un nuevo álbum. De repente, mientras estaban trabajando en una canción, el guitarrista The Edge, comenzó a tocar algo que fue acompañado por el resto de la banda y menos de una hora habían conseguido completarla y el resultado fue tan bueno que de alguna manera cambió el clima dentro de las grabaciones , estaban más motivados gracias a esta canción. Dejaron Berlín y volvieron a Irlanda, donde completaron el disco alrededor de esta canción. Según ellos fue una canción bisagra en el álbum y un quiebre en las difíciles sesiones de grabación. Bono comentó que esta canción habla de las relaciones donde un hijo de una familia religiosa, tiene miedo de contarle su verdad al padre. Pero también es sobre la gente que tiene dificultades para estar unida, sea en una banda o en una relación de pareja. La canción fue llamada "One" y salió en "Achtung Baby" en 1991, álbum que cambió completamente el estilo y el sonido de U2. Muy pocas bandas en sus carreras se habían reinventado como lo hizo U2 en este álbum, que es considerado uno de los mejores del grupo. Escuchemos la canción original, y un par de covers: uno de la misma banda con la cantante de R&B Mary J Blige y otro acústico del gran Johnny Cash. En la banda más famosa, uno de los cantantes se preocupa por el tono se su voz, hace esfuerzos para que suene distinto y se empecina por cantar el tema que el escribió. En aquellos años tormentosos de finales de os '60 cuando la banda de Liverpool transitaba sus últimos discos, y la relación de John Lennon con Paul McCartney no era la mejor, este último había compuesto una canción para el próximo álbum: Abbey Road. Paul vivía muy cerca de los míticos estudios, y todos los días llegaba bien temprano para lograr cantar el tema que había compuesto como él quería, que su voz sonara distinto, no tan clara y suave como siempre sino más bien tensa, como si hubiera estado trabajando toda la semana y de repente canta la canción. John no estaba tan convencido y pensaba que su voz era más apropiada, generalmente él cantaba las canciones que tenían más fuerza,, pero debido a que Paul la escribió finalmente accedió. En una entrevista Paul comentó que cinco años antes el hubiera podido cantar esa canción como el quería sin mucho esfuerzo, en vez de dedicarle horas y horas a mejorar la voz. El tema "Oh Darling" tiene influencias del estilo rythmin and blues típico de New Orleans, y es uno de los más conocidos de The Beatles. Vamos a escucharlo, y también un par de versiones, una muy original de George Benson, y otra de un músico local que sorprende. Una de las mejores bandas de toda la historia del rock, graba uno de sus pocos temas acústicos y gentilmente se lo cede a un amigo para que lo toque por primera vez. Seguramente, los últimos años de los '60 y principio de la década que se venía, fueron los más turbulentos de los Rolling Stones. En aquel momento Mick Jagger estaba en pareja con Marianne Faithfull que además era su musa inspiradora y la relación pasaba por una situación complicada. Keith Richards acababa de tener un hijo y se negaba a salir de gira dejando el hijo sólo con su madre. En esos momentos comenzó a escribir una canción dedicada a su hijo, cuya letra fue modificada por Jagger usando una de su mujer. Marianne luego de una sobredosis fue internada y tuvo un coma inducido, y cuando tuvo su primer charla con Jagger luego de ese episodio le dijo algo así: "los caballos salvajes no me van a llevar a mí" en clara referencia al descontrol que ella vivía con el y sus amigos. Ahí fue que nació "Wild horses", que junto con "As a tears go by" son de las pocas baladas acústicas de los Stones. Richards la compuso usando doce cuerdas , con un cierto aire folk, fue grabada en una sesión de tres días en un estudio de Alabama, donde distorsionaron a propósito la voz de Jagger que la hace algo especial. El pianista que usualmente tocaba con los Stones, odiaba el tono del comienzo de la canción y se negaba a tocarla, entonces tuvieron que llamar a otro pianista para la grabación. Si bien el tema estaba listo no salió a la venta enseguida y tuvo que esperar dos años para ser incluído en el disco "Sticky Fingers" , pero un amigo de los Stones llamado Gram Parsons que tenía una banda les preguntó si podía usar la canción en su disco y sin ningún problema aceptaron, así fue que la primera vez que sonó en las radios y disquerías fue de la mano del grupo de Parsons, The Flying Burrito Brothers. Cuando salió el disco de los Stones en 1971, la gente se preguntaba si "Wild Horses" era realmente de ellos o un cover del grupo americano.
Luego de varios intentos fallidos, con depresiones en el medio y casi a punto de perder la vida, de poco va consiguiendo su lugar hasta llegar a ser un músico reconocido, y con mucho éxito.
Billy Joel nació en Bronk neoyorkino en los '50, y tuvo una infancia típica de ese zona de la ciudad en esas épocas, un espíritu rebelde, pandillas y muchas peleas callejeras. Dividía su tiempo entre las peleas y las clases de piano. Cuando vió a los Beatles en el programa de Ed Sullivan en su histórica presentación de 1964 decidió que se dedicaría full time a la música y formó una banda con gente de la ciudad. Tocó en dos bandas intrascendentes y luego formó un duo que lanzó un disco que fue destrozado por la crítica, este grupo de desarmó al poco tiempo y su novia lo dejó. Estuvo un tiempo a la deriva, escribiendo críticas de rock en algunas revistas, y haciendo música para comerciales de televisión. Su depresión lo llevó a un intento de suicidio, tomándose una botella de líquido para encerar. Al salir del hospital comenzó un tratamiento y volvió a su pasión que era el piano. Su primer disco solista salió Piano Man, salió en 1973 y tímidamente comenzó a subir en los rankings, al tiempo que era convocado para tocar como telonero de grupos consagrados. Su tercer disco en 1977 lo consagró definitivamente con un Grammy al artista del año y canción del año (Just the way you are , que hablamos aquí hace un tiempo). Dos de las canciones que vamos a escuchar tienen que ver con letras con contenido social y político. La primera es Allentown, que es un pueblo al noroeste de Pensylvania, con un pasado industrial con fábricas y molinos que fueron cerrando y tuvo muchos problemas de desempleo. La segunda, se llama Goodnight Saigon y es un tributo a sus amigos que fueron a la guerra de Vietnam. En su carrera ha lanzado mas de doce discos, recibido muchísimos premios y realizado conciertos memorables. Es el tercer solista con más discos vendidos en USA. |
Acerca del blog
Versiones es el blog de Juan Cabral, donde escribo sobre música ya que siempre sentí curiosidad por los distintos modos de cantar o tocar una misma canción. Clásicos del jazz, rock ,del pop e inclusive tangos, vuelven a versionarse y muchas veces superan el original. Claro... que todo tiene que ver con el gusto individual, donde la subjetividad, estado de ánimo, recuerdos y lugares son los que influencian para elegir una u otra. La idea es ir compartiendo lo que fui descubriendo y escuchando .... al menos una vez por semana Archivo
Mayo 2024
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