Un dúo formado casi de casualidad en su tercer disco, una de sus canciones se vuelve un éxito mundial del synth-pop.
En los ochenta un músico británico fundaba un grupo y luego de su primer disco se iba, sin saber el éxito que este grupo tendría después. El grupo era Depeche Mode . A Vince Clarke le gustaba cambiar, y se embarcó en un proyecto con una cantante y publicaron dos discos con muy buena repercusión en Inglaterra, sin embargo quiso nuevamente emprender otra cosa. Se le ocurrió grabar un disco con distintos vocalistas, y si bien sacaron distintos singles, el proyecto quedó trunco. Mas tarde quiso retomar el proyecto y publicó un aviso en una revista Británica llamada Melody Maker, buscando a un vocalista. Dentro de los interesados, que fueron muchos, el participante número treinta y seis, sorprendió a Vince luego de cantar dos canciones donde se veía la habilidad del cantante en hacer tonos altos, bajos y falsetes. El proyecto de hacer un disco con distintos cantantes se transformó en el nacimiento de un dúo , que se llamó Erasure. Sus primeros singles no llamaron mucho la atención, pero el segundo disco mostraba a un grupo que combinaba pop, sintetizadores , soul y dance. Las canciones comenzaron a sonar mucho por Europa, y una extensa gira acompañó su segundo disco. El tercer álbum llamado "The Innocents" fue quien puso a Erasure en el plano mundial, conquistando también Estados Unidos . Uno de sus grandes éxitos fue "A Little Respect" , una canción que habla de un pedido de reconciliación de una persona que ha sido herida en una relación. compuesta por el vocalista Andy Bell. quien fue uno de los primeros artistas pop que se mostró abiertamente gay. Tal vez por eso la canción fue tomada como un himno dentro de la comunidad gay en el mundo. Erasure tuvo muchos otros discos y junto con Pet Shop Boys y Depeche Mode lideran el ranking de discos vendidos de tecno pop. Otros cantantes versionaron muy bien esta canción, como Kevin Johansen que hace algo acústico y Ataque 77 en español "Un Poco de Respeto".
Un ex-beatle que con su nueva banda el se reencontró con entusiasmo y el reconocimiento, y una de sus canciones más admiradas.
Cuando Paul McCartney dejó los Beatles a comienzo de los setenta y el mundo se había sorprendido de la noticia, lo que vino inmediatamente no fue necesariamente el mejor momento del músico. Paul se instaló con su familia en el campo, y empezó a componer canciones para su primer disco solista. Sus ex compañeros estaban embarcados en proyectos que daban que hablar, John con Yoko Ono y su banda, y George había lanzado el inmenso álbum triple "All The Things Must Pass". Había mucha expectativa de lo que Paul iba a crear, sin embargo sus primeros dos discos en solitario no fueron bien recibidos, sonaban muy diferente a lo que el público estaba esperando, casi como discos indie, con algunas melodías interesantes. Paul en algún momento pensaba que había fracasado, que él sin la banda no era nada. Su mujer Linda, con quien componía junto, lo alentó a seguir y surgió la idea de convocar a otros músicos Un guitarrista de la banda Moody Blues , un baterista, Linda en teclados y así nació Wings. A partir del segundo disco, Wings no paró de crecer, muchas de sus canciones se volvieron hits, y la banda estuvo en permanente gira principalmente por Europa pero también por Estados Unidos, donde consiguieron que cuatro álbumes consecutivos estuvieran en el primer lugar de los rankings. El disco "Band On The Run" fue el más exitoso y conocido y del que hablaremos en otro post como se merece, hoy vamos a escuchar una canción del quinto disco de la banda, que tal vez no sea la más conocida pero una de las más admiradas por su composición, la simpleza de su letra que hace referencia a amigos y parientes de Paul, inclusive con algunos apodos que han desorientado a los que interpretan sus letras. La canción "Let 'Em In" salió en el disco "Wings At The Speed Of Sound" y ha sido versionada muchísimas veces, y hoy vamos a escuchar una versión de la cantante de jazz, Eve Cornelious. Paul volvió a ser feliz con la banda y Wings duró casi diez años, muchas de sus canciones siguen muy vigentes.
Un carismático cantante y guitarrista, luego de terminada una larga relación, compone dos canciones vinculadas con ese hecho para el mismo disco.
Cuando John Mayer era adolescente tocaba el clarinete razonablemente bien, y al ver la película "Back To The Future" quedó maravillado con la forma en que el protagonista "tocaba" la guitarra. Su padre le alquiló una acústica y la conexión fue inmediata. John construyó su carrera con gran exposición mediática, con su carisma , sus relaciones con cantantes , modelos y actrices lo hicieron muy popular. Al tiempo que fue creciendo y es un talentosísimo guitarrista. El fin de la relación con una conocida cantante, lo afectó bastante y puso sus sentimientos en algunas canciones. El nombre de una de las canciones le vino a la cabeza inmediatamente y durante algunos días parecía tener flashes relacionados con ese tema , y en tres días tenía lista la letra de lo que fue "Still Feel Like Your Man", aunque empleó bastante tiempo en terminar de pulir finalmente el tema en su versión final que tiene algo de funky y R&B. Un año antes había compuesto la versión inicial de "Moving On and Getting Over" , que también hablaba de lo mismo , del final de una relación, sin embargo le llevó casi tres años terminar de hacerle los arreglos. Inicialmente era mas un blues, que luego migró a algo más funk y groove, y esto fue de casualidad al colocar por error las grabaciones al revés, que despertó la idea de que el ritmo escuchado podría resultar mejor para la canción. Ambas canciones fueron clave del disco "The Search for Everything" que salió hace unos cuatro años. La versión de una historia distorsionada durante 50 años cambia totalmente cuando se descubren de casualidad unas cintas de grabación. La mayoría de los que disfrutamos a The Beatles conocemos que la grabación del´ álbum "Let It Be" no fue precisamente el mejor momento de la banda y mucho se habló de lo mal que estaba la relación entre ellos. Con la idea de hacer un film sobre la creación del disco , un director de cine filmaba todo lo que sucedía en esas sesiones durante casi un mes. Era la primer banda de la historia que incursionaba en esto. La película que se estaba filmando y el disco salieron a la luz mientras la banda se estaba separando y de hecho no fue el último disco grabado ("Abbey Road") fue posterior a este, sólo que apareció a la venta antes, tal como comentamos en otro post , y el disco no gustó al grupo por la sobreproducción que tuvo, y de alguna manera ellos asociaban cualquier cosa relacionada a este material como algo negativo. El famoso recital sin aviso previo en la terraza del edificio de Apple Corps. ( hoy propiedad de la tienda H&M).. fue parte de ese proyecto, dado a conocer por la película y reproducido infinitamente aún en épocas previas a Youtube. Hace un poco más de tres años, el famoso director de cine Peter Jackson, conocido por sus films (King Kong, El señor de los anillos,entre otros) casi de casualidad en una charla con la gente de Apple se reencontró con medio centenar de horas de grabación y cientos de audios. En su viaje de vuelta a Nueva Zelanda , en el avión mientras miraba parte del material descubrió que todo lo que se había hablado hasta ahora sobre esas sesiones conflictivas de grabación no eran ciertas. Descubrió un muy buen clima de amistad , donde cuatro amigos disfrutan haciendo lo que mas les gusta. Ayer veinticinco de Noviembre, se estrenó el documental "Get Back" de seis horas que cuentan el back stage de "Let It Be" que estuvo oculto por cincuenta años. A disfrutarlo.
A fines de los años setenta una película, su banda de sonido y la efervescencia de un estilo de música marcaron una era y éxitos de venta, ahora una banda de rock reversiona algunos de sus canciones
En el diario New York Times apareció un artículo que hablaba de un rito de grupos de adolescentes que hacían competencias de bailes los sábados a la noche, con mucho entusiasmo, preparación y vestuario. El productor de la banda pop Australiana Bee Gees al leerlo pensó en hacer una película sobre la vida nocturna en las discotecas de New York. Si bien el grupo ya había compuesto una canción bailable llamada "You shoud be dancing", que el productor pensaba en usarla en el film, le pidió que compusiera una que se llamara como el nombre del film "Saturday Nigt", a los integrantes del grupo no les pareció el mejor nombre y propusieron como nombre de la canción "Night Fever", y además compusieron otras cinco canciones que estarían en el film. La película se llamó finalmente "Saturday Night Fever" y fue un éxito sin precedentes. El disco de la banda de sonido es el más vendido de la historia en ese rubro, y el grupo Bee Gees que ya tenía una trayectoria, pasó a ser mundialmente famoso y a partir de ese momento ligado casi exclusivamente con la müsica disco, mismo que tuvieron discos anteriores de otro estilo y con muy buenas críticas. Eran épocas de noches alocadas en las discos de New York, con el famoso Studio54 , y muchas bandas que tuvieron sus años de esplendor y varias que se quisieron sumar a esta ola, hasta que hubo un hartazgo de este estilo que inclusive provocó convocatorias en distintos lugares de Estados Unidos para destruir los discos de vinilo en lugares públicos. Cada tanto aparecen versiones de estas canciones y muchas canciones utilizan samples de estos temas. Hace unos meses , la banda de rock Foo Fighters, sacó un álbum donde la mitad de sus canciones son versiones de las canciones más conocidas de Saturday Night Fever, por unas horas se transformaron en lo que ellos llamaron los Dee Gees. La música disco mismos que tuvo un paso breve, marcó una época y tuvo influencia en muchas bandas y en la música electrónica actual.
Una canción que salió a la luz en el momento menos apropiado es tomada por otros artistas y logra amplia difusión y popularidad.
Durante los años sesenta , dos hermanas y su prima que solían cantar como coristas en clubes y en conciertos decidieron formar su propio grupo al que llamaron The Ronettes. Cantaron como grupos de soporte en los conciertos que The Beatles y los Rolling Stones dieron en Estados Unidos durante sus giras por esos años. Un productor que venía creciendo y que pronto ganaría mucha fama, llamado Phil Spector , produjo su primer gran éxito llamado "Be My Baby" . Phil fue el creador de una técnica que usó mucho con distintos grupos llamada "wall of sound" que consistía en crear un efecto de reverberancia , con capas de sonidos al grabar distintos instrumentos a la vez logrando un sonido como si fuera una gran orquesta. "Be My Baby" fue un éxito para The Ronettes , sonaban en radios, salían en programas de Tv y daban muchos conciertos. Grabaron una canción que era la continuación de aquella, llamada "Baby I Love You", con el mismo productor. Todo indicaba que sería un gran éxito. Sin embargo, el lanzamiento de la nueva canción fue al poco tiempo del asesinato del presidente Kennedy , y el público estaba en otra cosa para prestarle la atención al nuevo trabajo del grupo. Phil Spector, conociendo el potencial que el tema tenía , produjo la grabación de versiones con otros artistas . La primera fue Cher quien grabó una versión más densa y lenta. Pero el que tuvo más éxito fue el grupo de rock punk Ramones , quienes en el disco "End Of The Century" a principio de los ochenta grabó una muy buena versión pop de esta canción que la hizo ampliamente conocida y gracias a ella el grupo estuvo por primera vez en lo alto de los rankings en Inglaterra.
Una banda nacida en los ochenta donde tuvo sus mayores éxitos, reedita sus canciones con un nuevo formato donde lo viejo parece nuevo.
A principio de los ochenta, unos amigos Noruegos que habían tocado juntos en una banda decidieron armar la propia y convocaron a un cantante para formar un trío. Instalados en Londres el sonido pop con sintetizadores que inundaba las radios y las disquerias, los atrapó. Al poco tiempo firmaron contrato con un sello discográfico y le pusieron un nombre simple al grupo : A-ha. Su primer single tuvo muy buena recepción en Europa, pero no logró captar la atención en el mercado americano hasta su tercera versión . El tema "Take On Me" fue un éxito enorme en gran medida por su video de gran creatividad difundido por MTV. Luego vino su primer disco, que tenía otra canción de bastante repercusión llamada "The shines always shine on TV", que había sido inspirada en un comercial de televisión durante un día gris y lluvioso en Londres. Fue la secretaria del sello discográfico quien convenció al ejecutivo de la empresa en que esta canción sería un gran éxito y así lo fue. En su álbum debut había algunas canciones muy bien elaboradas y de gran composición , como la que le dio nombre al mismo: "Hunting high and low". Su segundo disco "Scondrei Days" tuvo muy buena aceptación y fue bien recibido por la crítica, y probó de alguna manera que la banda no era solamente algo pasajero , ni se restringía a un sólo éxito. Durante su carrera la banda logró muchos premios y nominaciones a Grammys y de MTV Music Awards, con más de treinta años en los escenarios y muchos discos editados, decidieron por primera vez hacer algo acústico. La banda se instaló en una isla remota en la costa oeste de Noruega, en un estudio montado especialmente para esta grabación de MTV y justo en el solsticio del verano nórdico grabaron un acústico enfrente a doscientas personas, con varios invitados , entre ellos la cantante fetiche de David Lynch , Lissie. Con violines, coros y un ambiente relajado, las canciones suenan renovadas , y en algunas de ellas cuesta identificarlas. Muy buen disco, de una banda que a veces fue estigmatizada como algo pasajero o "one hit wonder", nada más errado.
Un artista que si bien tiene varios años con la música, sólo bastó con algunos pocos discos para ser mundialmente conocido y romper varios records.
Apenas cuando tenía cuatro años, su madre llevó al pequeño Ed a cantar en el coro de la iglesia, ese evento sumado a que su tío le regaló una guitarra cuando tenía once y varios años después su encuentro con un músico consagrado irlandés lo convencieron que la música era su pasión. A los trece años con varias canciones compuestas , grabó un disco en forma independiente y unos años más tarde ya mudado a Londres, comenzaba lentamente a ser conocido en el ambiente y en 2009 hizo presentaciones de todo tipo durante diez meses . Gracias a sus videos se hizo conocido y en uno de sus viajes a Los Angeles un conocido actor lo convocó a su programa de radio y lo hospedó en su casa por un tiempo. Ed Sheeran luego firmó un contrato con un sello musical y sacó su primer disco en 2010, con solo veinte años. Con su segundo disco ganó el Grammy a mejor performance solo y mejor canción del año. Ed decidió estar fuera de las redes sociales y alejarse un poco antes de sacar su tercer disco. Una de sus canciones que más sonó fue "Shape of you" , que cuando el la compuso tuvo en mente que sea cantada por Rihana, aunque eso duró poco y fue el quien finalmente la cantó. Compuesta y grabada en un día, cuando el disco fue lanzado en Marzo 2017, la canción fue escuchada por streaming en Spotify más de 10 millones de veces en menos de un día, una nueva forma de medir la difusión de una canción gracias a la tecnología. Otro músico inglés talentosísimo, gran pianista jazzero y que incursiona enel pop seguido, hizo un experimento como una manera de innovar, tomar sus canciones favoritas , aprenderla , versionarla y grabarla en una hora. Así fue como Jamie Cullum hizo una versión excelente de este gran tema.
La separación de Un monumental grupo de rock abre un paso de carreras solistas, disputas legales y discos con recepciones dispares en el regreso.
A fines de los setenta, luego de tres discos memorables, el grupo Inglés Pink Floyd entraba en una etapa de conflictos internos. Su cantante , líder y creador de The Wall, Roger Waters se había convertido en una especie de dictador dentro de la banda, tal es así que el disco "The Final Cut" fue casi como una aventura en solitario con colaboración del resto de la banda. Al poco tiempo, Roger dejó el grupo pensando que Pink Floyd desaparecería, y ahí comenzaron los temas legales sobre el uso del nombre. Waters sacó su primer disco solista llamado "The pros and cons of hitchhiking", convocando a Eric Clapton en guitarras. Este trabajo tuvo una muy buena recepción y críticas. Unos años más tarde , el guitarrista de Pink Floyd , David Guilmour tenía varias canciones compuestas para armar un disco, convocó al pianista y baterista de la banda más otros músicos para lanzar el nuevo disco bajo el nombre Pink Floyd. La grabación se hizo en su estudio flotante en el río Támesis, que proporcionó un ambiente particular para el trabajo. El disco salió en 1987 bajo el nombre "A momentary lapse of reason, la crítica seguía comparando este trabajo con los majestuosos discos de los años setenta, aunque el público en general lo recibió muy bien. Waters en paralelo sacó el disco "Radio Kaos" , un álbum donde ni las letras, ni el sonido (con la colaboración de un famoso DJ) no lograron captar la atención y la crítica fue despiadada con el disco. Tanto PInk Floyd , como Roger Waters, hacían evidentes sus diferencias en disputas en los medios con declaraciones cruzadas, mientras comenzaban las giras de presentaciones de sus discos. Mientras Roger apenas alcanzaba a llenar un pequeño teatro con mil personas, sus ex compañeros tocaban en la ciudad vecina para sesenta mil personas . Al final hubo acuerdo en el uso de derechos de los discos, canciones y nombres. Y como lo que importa realmente es la música nos quedamos con algunas canciones de esta etapa. Una curiosidad: "Learning to Fly" está inspirada en las vivencias de Guilmour quien es piloto y las voces que se escuchan en cierta parte de la canción pertenecen a un diálogo real entre el y el baterista Mason durante un despegue piloteando su propio avión.
Una banda con dos tres discos en estudio, en pleno crecimiento decide dar el gran paso que los convertiría en la banda más importante de latinoamérica.
A fines de mil novescientos ochenta y siete, Soda Stereo estaba terminando la gira que quedó plasmada en el disco Ruido Blanco, y su popularidad fuera de Argentina era cada vez mayor. Luego de esa gira,Gustavo Cerati había viajado de paseo a N.York y una tienda de guitarras conoció a un guitarrista y productor portoriqueño llamado Carlos Alomar. En su tsunami creativo, decidió montar un mini estudio de grabación en su departamento del cuarto piso "B" de Belgrano y comenzó a grabar demos de canciones del nuevo disco. Sin embargo el quería que el nuevo álbum fuera distinto, que fuera grabado en Estados Unidos, y convenció luego de varias reuniones al sello discográfico para costear los gastos de esa aventura. Se instalaron con la banda en Nueva York y Alomar fue el productor del disco, quien le dió un sonido moderno , con toques de funk y soul. Participaron un saxofonista y un ignoto Chris Botti en trompeta , quien años mas tarde sería uno de los músicos preferidos de Sting. En ese disco fue cuando comenzó a aflorar la personalidad de Gustavo, a imponerse sobre el resto de la banda, como Zeta dijo en su libro "Hoy entiendo que estaba proyectándose como el verdadero en el que pronto se convertiría" . "Doble Vida" con nueve canciones, con un sonido muy elaborado y moderno, que incluía hasta un rap, el único que la banda grabó en toda su carrera. Las letras, el arte de tapa con la foto del trio en una de las equinas muy conocida, y el video de su principal canción, hacían referencia a esa ciudad tan magnética como furiosa que es Buenos Aires. En Setiembre de mil novescientos ochenta y ocho, salía a la venta, y fue un éxito imediato, vendió más de un millon de copias, y Soda hizo presentaciones arrancando por México y finalizando en Buenos Aires tocando para ciento cincuenta mil personas en la avenida 9 de Julio. A treinta años de "Doble Vida" lo escuchamos, con un órden de temas que es mi preferido.
Una banda canadiense cuyo líder jugando y remixando una canción compuesta muchos años atrás por un artista camerunés compone un gran éxito.
Los hermanos William and Win Butler vienen de una familia con profundas raíces musicales, su abuelo fue un múisco de grandes bandas y el inventor de la guitarra de pedal de acero y su abuela fue cantante de una famosa banda de los años cuarenta. Con ese background, y diversos estudios universitarios que incluían letras y filosofía, los hermanos junto con otros músicos armaron una banda en el año 2003, con una combinación de indie rock y teatralización en sus presentaciones iniciales. Le pusieron de nombre Arcade Fire, y su segundo álbum era nominado al Grammy, y causaba sensación en festivales como Lollapalooza, y contaba con el respaldo de U2 y David Bowie. Hace un tiempo el líder, compositor y cantante de la banda , Win, comenzó a tocar los acordes de una canción de un artista camerunés llamado Francis Bebey , compuesta en los ochenta. Tomando como base esos acordes la remixó y casi sin querer compuso una canción. En ella Win habla de todo lo que sucede a nuestro alrededor, lo real , lo falso, los que intentan vender algo, de todos los momentos , de las experiencias de estar vivo con todos los defectos y toda su gloria. La canción se llamó "Everything Now" , y fue la primera de su quinto álbum . La canción fue lanzada mientras hacían su presentación casi secreta en el Primavera Sound de Barcelona en el 2017. Con esta canción el grupo logró su primer número uno en Estados Unidos, pero tal vez más importante que eso es lo buena que es y lo mucho que se escucha .
Un cantante escocés estudiante de filosofía y literatura , líder de un grupo que en su primer disco incluye una canción que es hit que es constantemente reconocida.
A principio de los ochenta un joven nacido en Edimburgo, llamado Mike Scott luego de su paso por la universidad, se mudó a Londres y convocó a distintos músicos mediante un aviso en un diario. La convocatoria tuvo una buena respuesta. La banda en formación se llamó The Waterboys , cuyo nombre estaba inspirado en una canción de Lou Reed, y Mike comenzó a escribir canciones influenciado por la espiritualidad y por sus estudios en filosofía. Mike durante una caminata en el invierno de Nueva York, había tomado un sobre y había comenzado a escribir las primeras estrofas de una canción que quedó inconclusa. Un tiempo después mientras estaban grabando el primer disco de la banda, a último momento finalizó esa canción que fue la última en ser incorporada al álbum y la llamó "The Whole of the Moon". La canción habla de lo que desconocemos, se había dado cuenta que el conocimiento que él tenia a esa edad (veintiseis) era limitado, y que había personas que tenían mucha más información e imaginación de la que el poseía. El disco "This Is The Sea" sonó muy bien, y tuvo muy buenas críticas, y la canción "The Whole of The Moon" fue su gran hit, y tal vez el único masivo de la banda, que al poco tiempo tuvo cambios , pero que siguió tocando por veinte años. La canción ha sido incorporada en películas, series y en el 2014 , Prince hizo un cover en un pequeño club de Londres . Luego U2 durante su gira mundial por los treinta años de "The Joshua Tree" en cada una de sus el show comenzaba con esta canción sonando de fondo.
Una canción que refleja el sentimiento del músico por su paso por la escuela , se convierte en un éxito y recibe el reconocimiento de la crítica.
Hacia fines de los sesenta un músico inglés líder de un grupo ignoto, logró llamar la atención de un millonario que le propuso financiar el grupo pero tenía que formar una banda nueva. Así fue que Rick Davies, puso un artículo en una revista de música convocando a músicos. Había que ponerle un nombre , y el guitarrista de ese entonces recordó un libro que se llamaba The Autography of Super Tramp, ... y ahí decidieron simplemente llamarlo Supertramp. Davies y el pianista Roger Hodgson lideraban la banda, componían canciones y las firmaban juntos sin importar quien las escribía. Una de las canciones que Hodgson escribió para el grupo tenía un significado especial para él, y tenía que ver con la escuela. Cuando el tenía diecinueve años luego de haber terminado el colegio, estaba totalmente confundido con respecto a quien era y que quería hacer. Recordando esa situación el escribió una canción que retrata cómo la inocencia y lo maravilloso de la infancia pueden ceder rapidamente al cinismo y la preocupación a medida que los chicos se vuelven adultos. Hodgson decía "lo que nos enseñan en la escuela está bien, pero que hay de lo que no nos enseñan en la escuela que que crea tanta confusión en nuestro ser?" "The Logical Song" se transformó en una de las canciones más escuchadas del disco "Breakfast in America" que tuvo un suceso enorme. Es y sigue siendo muy actual, y en mil novescientos ochenta ganó el premio a la mejor composición tanto músical como por su letra de la Academia de Compositores Británicos. Escuchemos esta lógica canción.
Como ha sucedido con muchísimas buenas canciones que se han escrito, una banda aprovecha ese instante de creatividad, para grabar la que sería el éxito de su siguiente disco.
The Killers , el grupo nacido en Las Vegas a principio del nuevo milenio, venía de trabajar con un productor en un disco de rarezas, y se encontraban disfrutando de una cena y charlando sobre música y del trabajo reciente. El cantante de la banda, Brandon Flowers comentó que mientras estaba en Alemania había escrito una canción simple con algunos coros clásicos y comenzó a cantarla durante ese encuentro. Al productor le gustó, e inmediatamente fueron a su casa donde él tenía un estudio para grabarla. La grabación duró apenas unpar de horas, y el sonido logrado era muy bueno. La llamaron "Human" y fue la primera canción del disco "Day & Age" que lanzaron a la venta un año mas tarde. El cantante, que es de religión mormona y cultiva un perfil bajo, alejado del típico rock star, ante la pregunta si la canción era una crítica a la exposición de las celebridades, el comentó que de alguna manera hacía referencia a la era actual pero que no necesariamente lo criticaba. Uno de los versos de la canción fue tomado de una novela de un escritor, que decía "estamos criando una generación de bailarines". Si bien el disco, por su estilo demasiado pop, desilusionó a algunos, "Human" fue la canción que hizo de él un éxito comercial.
Una cantante con una voz increíble, que desde muy jóven convivió con la fama, las giras y toda la vorágine de una banda que rapidamente tiene éxito.
A principio de los noventa, en Limerick una importante ciudad en el oeste de Irlanda, representantes de un sello discográfico se encontraban buscando a un grupo que les había enviado un casette con demos de varias cancioens. Si bien sabían que se trataba de un grupo de jóvenes, el principal motivo del interés de estas personas era conocer a la misteriosa dueña de esa voz increíble que aparecía en las grabaciones. Dolores O'Riordan, se había unido al grupo The Cranberries con sólo dieciocho años, su voz particular, dulce y poderosa a la vez, hacía presagiar que el grupo iba a tener un futuro enorme. Y así fue. Previo al ingreso de Dolores a la banda, el guitarrista había compuesto una canción, y Dolores aportó no solo cambios en los acordes, sino que escribió totalmente la letra. "Linger" fue su nombre, descripta por ella misma como una canción de amor. Esta canción no fue lanzada hasta unos años después de su grabación, ya que la compañia sabía que sería un éxito y la reservó para incluírla en el álbum debut. En 1993, lanzaron el disco "Everybody Else Is Doing It, Why Can't We?", que fue aclamado por la crítica y su video largamente difundido por la cadena MTV, en tiempos donde la industria buscaban alternativas al rap y el grunge. La canción "Linger" popularizó a The Cranberries, quienes acompañaron a Duran Duran en su gira por Estados Unidos,y ese fue el comienzo de las giras, grabaciones y una carrera que ocurrió a mucha velocidad. Dolores, que venía de un pueblo chico, de una vida familiar y religiosa, vivió en poco tiempo la vorágine de ser parte de una de las bandas de mayor éxito de la década de los noventa. Sentía que sus prioridades pasaban exclusivamente por la banda y dejaba de lado su salud y su vida familiar. El nacimiento de su primer hijo la hizo reflexionar y hubo una pausa en su carrera. Luego de algunos años, el grupo se volvió a juntar, al tiempo que ella continuaba en paralelo con discos solistas. En el año 2017, la banda sacó un disco acusticó acompañado con una orquesta irlandesa, con sus mejores canciones. La voz de Dolores continuaba intacta. Ella en una entrevista comentó que lo que más disfrutaba era cuando estaba en el escenario, la salida, ver la gente cantar, todo eso para ella era mágico. Dolores dejó este mundo el 15 de enero de 2018, tenía cuarenta y siete años.
La letra de una canción inspirada en un líder de los derechos civiles, pone en alerta a la banda durante su primera gira importante.
A principio de los años ochenta la banda irlandesa U2 , cuando aún era un grupo modesto , mientras visitaban Chicago se estaban presentando distintas exhibiciones en uno de los museos de esa ciudad. La primera tenía que ver con los derechos civiles y Martin Luther King, y la segunda era una muestra fotográfica sobre Hiroshima. Ambos insipiraron a Bono a canciones que tuvieron mucho que ver con el éxito de la banda. Una de las fotografias de Hiroshima tenía el título "Unforgettable Fire" , que dio origen a la canción y disco homónimo. Bono, infuenciado por la muestra, quería homenajear a Martin L.King , y componer algo que reflejara su lucha pacífica y el orgullo con que vivió y luchó por esos ideales. Al principio la banda no estaba muy convencida de cantar sobre eso, considerando los momentos agitados que vivía Irlanda por esos años. Pero cuando Bono cantó la canción al grupo , todos coincidieron que valía la pena grabarla. La canción se llamo "Pride (In the Name of Love) y fue lanzada como single un mes antes de la aparición del disco "Unforgettable Fire", y fue la primer canción de U2 exitosa en Estados Unidos. La banda estaba decidida a conquistar el público y planearon una gira por ese país. Arrancaron en una ciudad de Arizona, llamada Tempe y el plan era cerrar la gira en el mismo lugar. El gobernador de ese estado se oponía al recientemente extendido feriado nacional de Martin Luther King, y eso había generado controversias, al punto que la banda recibió amenazas de muerte a Bono si cantaba la canción Pride,.. Al principio no le dieron importancia, pero agentes del FBI se reunieron con ellos y le advirtieron de la seriedad del caso. Al final, durante el concierto final de esa gira en esa ciudad, en un momento del recital, haciendo caso omiso a las advertencias y tal lo planeado, Bono comenzó a cantarla, cerró los ojos y el público disfrutó.
En el primer disco solista de un músico que fue líder de la banda que cambió el pop inglés en los noventa, sucede algo inesperado.
Durante la última decada del anterior milenio, hubo una banda inglesa que fue vanguardista en lo que se llamó el movimiento Brit-Pop. Oasis llegó al estrellato y a niveles de popularidad inimaginables , en todo el mundo. Luego de quince años de tocar juntos, con períodos turbulentos , los hermanos Gallagher se separaron y Noel, el mayor de ellos armó su propio grupo llamado Noel Gallagher And The High Flying Birds. En ese disco , en una de las canciones ,el cantante escribe sobre los tiempos que estamos viviendo, y la percepción que todos estamos buscando algo. De tomar a tu amigo, pareja o familiar y salir del lugar donde estás, de escaparte de la rutina y lo conocido. La canción se llamó "Everybody's on the run" , y para su grabación usó un conocido coro de cien personas que ya habían tocado con Oasis y una orquesta compuesta de veinticuatro mujeres. Ambos hacen que la canción suene muy bien. El dato curioso de esta canción fue que una vez grabada, estando en la fase de chequeo de sonido de la grabación, alguien la tomó sin autorización y la puso online en Youtube.Esta versión pirateada sonó y se difundió mucho antes que el disco salga a la venta. A Noel esto no lo molestó, al contrario le gustó que la gente se interese en lo que estaba componiendo.
Una canción de un artista que tiene una particular forma de escribir las canciones e inspirarse
Para algunos músicos el proceso de componer es como un trabajo, pero para otros es mucho mas natural y surge espontaneamente, y Lou Reed fue una de esas personas. Con su fama de persona difícil, luego de muchos años donde de resistirse a conversar con la prensa, inclusive ignorar por completo a su entrevistado en charlas ya pautadas Lou comenzó a abrirse y charlar sobre sus discos, y sus canciones , El decía que no creía en sentarse a componer como si fuera una obligación, y que el pensaba que tenía como una radio en la cabeza que sonaba constantemente con temas no grabados, y que la escuchaba todo el tiempo. Entonces se acostumbró poner todo lo que sonaba para sí y simplemente escribir eso, inclusive captando textos de artículos de revistas ,diarios, avisos publicitarios y escribiendo sobre servilletas o cajitas de fósforos. Lou dejó la banda Velvet Underground a principio de los setenta y se alejó de la música por un tiempo trabajando como asistente en el estudio contable de su padre. Al tiempo volvió con su primer disco solista "Transformer" donde David Bowie y su mano derecha fueron los que le dieron forma al disco, y aportaron la cuota de excentricidad y glam. De ese disco ya habíamos hablado de una de sus caciones hace un tiempo este blog. Una de las canciones del disco mas escuchadas se llamó "Perfect Day" , una sencilla letra que tal vez aluda a una relación que el músico tenía en ese momento. El tema fue usado en la película "Trainspotting" y en varios comerciales, también versionada por "Duran Duran".
El fin de una relación y posterior divorcio, inspira a un músico a una de sus mejores canciones en su álbum debut como solista.
El músico británico Sting, estaba en el pico máximo de popularidad con su grupo The Police, cuando casi al mismo tiempo tiene dos separaciones: una con su esposa luego y con la banda. Con esta última la situación había llegado a un punto donde los miembros no podían estar junto, y Sting tenía muchas ganas de dedicarse a hacer otro tipo de música. Por ambas razones The Police se separó. Sting tomó la decisión de convocar músicos prestigiosos del mundo del Jazz, un saxofonista, un bajista, un percusionista y un pianista , para formar su nueva banda . Se internaron en Barbados, en el estudio de Eddy Grant y grabaron el disco llamado "The dream of the blue turtles" , con muy buenas críticas, del que le dedicaremos un post. Mientras en el último disco con The Police hubo una canción muy influenciada por su divorcio "(Wrapped around your finger") que con cierto rencor hablaba de dejar atrás una relación, en este disco, también hay una canción sobre el mismo tema pero con una óptica más de reconciiación. En "Fortress around your heart" Sting habla de construir puentes para salvar las brechas entre las personas. De una forma metafórica utiliza la figura de una fortaleza de una ciudad en guerra, donde hay que construir puentes y dejar atrás el campo minado. La canción al principio suena como algo medieval, y según Sting durante el proceso de composición se imaginó cosas como castillos medievales, armaduras, y armas de esa época. La canción fue una de las más reconocidas del disco, donde es la única que Sting toca el bajo, y ha sonado muchísimo en las presentaciones en vivo del músico.
El talento y la voz líder del grupo no presagiaban la corta duración de la banda.
A mediado de los ochenta y con casi veinte años, una estudiante universitaria en Dallas, una noche se animó a cantar en un bar de la ciudad junto a una banda de músicos locales, quienes la invitaron a formar parte de la banda. Edie Brickell comenzó a escribir canciones y luego de un año y medio, el grupo tenía suficiente para grabar un disco. El álbum debut de Edie Brickell and The New Bohemians se llamó "Shooting Rubberbands at Starts", y tuvo un éxito inesperado. Con letras elaboradas, un estilo intimista y una voz suave y enérgica a la vez, el disco fue alabado por la crítica. Si bien el disco casi no tenía altibajos, su hit fue "What I am" , una canción simple que se escuchó muchísimo a fines de los ochenta, y sonó en algunas películas. Sin embargo, su siguiente disco no tuvo buena recepción y fue una desilución, provocando que la banda se desarmara. Edie se casó con el famosísimo músico Paul Simon, y se dedicó a criar a su hijo. Luego de unos años sin actividad, volvió con un disco solista, impecablemente producido , con un estilo folk-rock donde se evidenciaba su madurez. El disco tuvo buenas críticas, pero no llegó a ser masivo y estuvo lejos de ser lo exitoso que fue el primero con su anterior banda. Uno de las canciones más conocidas de ese álbum se llamó "Good Times" , que contó con la inconfundible voz de Barry White. La difusión de este tema fue impulsada por el novedoso sistema operativo de Microsoft: Windows 95, quien al ser lanzado al mercado justamente en 1995, incorporó el video de "Good Times" como parte de su paquete de instalación, con una calidad más que aceptable para ese momento. Varios años después Edie se junto nuevamente con la banda para un regreso, pero la muerte de uno de sus integrantes abortó el proyecto, Edie es muy reconocida en el ambiente de la música folk/progresiva , se enfocó a su carrera solista , tiene varios discos y fue ganadora de un Grammy unos años atrás . |
Acerca del blog
Versiones es el blog de Juan Cabral, donde escribo sobre música ya que siempre sentí curiosidad por los distintos modos de cantar o tocar una misma canción. Clásicos del jazz, rock ,del pop e inclusive tangos, vuelven a versionarse y muchas veces superan el original. Claro... que todo tiene que ver con el gusto individual, donde la subjetividad, estado de ánimo, recuerdos y lugares son los que influencian para elegir una u otra. La idea es ir compartiendo lo que fui descubriendo y escuchando .... al menos una vez por semana Archivo
Abril 2024
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