Una narrativa sobre el auge y caída de un gigante tecnológico, tiene una cuidada selección de música que acompaña a la perfección cada momento del film.
Seguramente muchos de los que leamos este post, habremos usado hace unos años el teléfono Blackberry, que fue el primero que ofreció conexión a internet, telefonía, email y mensajería en un solo dispositivo. Con ingenio e innovación lograron desplazar a otros fabricantes que no lograban superar los desafíos y limitaciones de la tecnología en ese momento. Recientemente salió una película que cuenta la historia de los emprendedores canadieneses, con toques de ficción y un ritmo frénetico, la película no tiene un momento de distracción . Y la música hace lo suyo, los momentos claves son acompañados por canciones que calzan perfectamente en la escenas. Rescaté tres de ellas: "Someday" es una de los temas más conocidos de la banda The Strokes, y fue compuesta por el líder de la banda Julian Casablancas donde habla de la amistad en la infancia, sabiendo que es muy posible que terminen separandose por los destinos de la vida. Cuenta la historia que el baterista de la banda luego de una noche de resaca, al levantarse escuchó como Julian cantaba algo mientras se duchaba. Así nació la canción. "Connection" es una canción del grupo Elastica, una banda inglesa, que irrumpió en pleno brit-pop en los noventa, aunque no tuvo la llegada de Oasis o Blur por esos años. Sin embargo esta canción fue la más difundida del grupo. La banda tenía admiración por un grupo llamado Wire, y usaron el riff de una de sus canciones , en la introducción del tema, luego le agregaron la letra y el resto. Como era de esperar tuvieron una disputa legal, y parte de las ganancias del disco fueron a parar a Wire. "Waterloo Sunset" es el tema elegido por los realizadores para cerrar la película, mientras aparecen títulos finales y el destino en la vida real de cada personaje. La canción compuesta a fines de los sesenta por el grupo The Kinks , hace referencia a un conocido puente de Londres, el cantante de la banda solía cruzarlo todos los días cuando iba al colegio. La canción hace referencia a una persona que ve el encuentro de una pareja sobre el puente. Ray Davies, el compositor antes de grabarla fue al puente al atardecer para asegurarse que la canción tuviera la melodía acorde a la atmósfera que el sentía en ese momento. Para quienes no vieron el film, seguramente cuando lo hagan reconocerán estas canciones.
Una canción pensada para el futbol , imaginada para se cantada en logros importantes, que se convirtió en un himno de toda celebración deportiva.
A fines de los setenta, Freddie Mercury junto con sus compañeros del grupo Queen estaban preparando su próximo disco, y mientras escribía pensaba en el fútbol, y quería hacer algo que sonara contagioso para los fans, que se identificaran con eso y la cantaran en los partidos. Cuando le mostró la canción a sus compañeros, ellos pensaban que la letra sonaba un poco arrogante, por que la canción decía que eran los campeones del mundo. Claro que eso duró poco porque, se dieron cuenta que no hablaban de ellos mismos sino en general, de todos. "We Are The Champions" fue lanzado en un disco simple junto con "We Will Rock You" , y rápidamente ambas canciones se hicieron muy conocidas. La prensa inglesa consideró la canción bastante arrogante y no le dio la transcendencia que tendría luego. Desde su lanzamiento, fue la canción con la que Queen cerró todos sus conciertos, alguno de ellos memorables como el Live Aid de Wembley . Hace unos diez años la canción ingresó al salón de la fama de los Grammys. Pero lo más importante, es que se convirtió en un himno de todas las celebraciones deportivas, su letra teatralizada, los coros y la invitación a cantarla han hecho de esta canción la más pegadiza de todos los tiempos según una investigación de la Universidad Goldsmiths de Londres. Que mejor manera de homenajear a nuestros campeones del mundo sino es con esta canción!.
Una dupla de compositores cumple su sueño con uno de sus ídolos de adolescencia, que canta una de sus canciones.
En el blog hemos hablado en otras oportunidades de Roy Orbison, aquel músico que tuvo su época de gloria en los sesenta y que fue rescatado muchos años después. Músico desde joven, comenzó a incursionar en la música Country,pero luego se volcó al rockabily y a principio de los '60 tuvo su primer éxito. En 1964 escribió "Oh Pretty Woman" , que se volvió un éxito en Estados Unidos ,como en Inglaterra y otros países Europeos, vendiendo mas de 7 millones de discos ese año. Durante esa década tuvo muchos temas en los primeros puestos y era uno de los pocos que podía hacerle sombra a la fiebre de la beatlemanía en USA. Cuando estaba en el pico de su carrera, en un accidente de motos muere su mujer y dos años mas tarde se incendia su casa y dos de sus tres hijos mueren En los ochenta, dos compositores, Tom Kelly and Billy Steinberg , eran muy conocidos en la industria de la música, habían escrito temas que se convirtieron en hits para Madonna, Cindy Lauper y otros artistas. Ambos gustaban mucho de la música de sus infancias y adolescencia, y uno de sus más admirados músicos era Roy Orbison. Inspirados en su música escribieron un tema con el estilo de las canciones de Roy, sin ninguna pretensión. Un año mas tarde fueron a un club en California donde Roy tocaba, estaba lleno de gente no tan jóven, gente que queria ver al cantante de antaño que había estado muchos años sin apariciones en público, de alguna manera algo olvidada para el común de la gente. Esa noche Roy cantó como en sus mejores años y Tom y Billy quedaron deslumbrados, al punto que al final del show fueron a encontrarse con él , hablaron con su manager , pero no tuvieron éxito. Unas semanas mas tarde fueron a un estudio de grabación donde Roy estaba grabando y se encontraron con él , le comentaron que querían hacer algo juntos y lo invitaron a su casa. Roy asistió a la cita, y le mostraron aquella canción que habían compuesto, que se llamaba "I Drove All Night" , a Roy le gustó e hicieron una grabación de dos tomas, con la idea que luego podían hacer un disco con otras canciones. Unos meses después Roy (que no tenía contrato con ninguna discográfica), fue contratado por un gran sello y con la producción de Jeff Lyne se lanzó el disco "Mistery Girl" que puso a Roy en los primeros planos nuevamente . Tom y Bill comenzaron a colaborar en el nuevo disco de Cindy Lauper y le hicieron escuchar esa grabación que habían hecho con Roy, y Cindy decidió tomarla e incluirla en el álbum " A Night To Remember" Mientras tanto Roy Orbison sería parte de la banda llamada "Traveling Wilburys". Y cuando Roy estaba gozando nuevamente de la fama y del reconocimiento del público y sus pares, luego de una gira por Europa, mientras manejaba tuvo un ataque cardíaco y falleció a los cincuenta y dos años. Los amigos Tom y Bill, lamentaron como tantas otras personas la partida de Roy, y un tiempo después en conversaciones con un productor, le comentaron que ellos tenían un demo de una grabación con Roy de una canción, se la hicieron escuchar y decidieron grabarla con un poco más de producción e incluirla en un disco póstumo de Roy Orbison. Tom y Bill nunca se hubieran imaginado que su ídolo de la juventud iba a cantar un tema compuesto por ellos. La canción "I Drove All Night", conserva la esencia de la voz de Roy, su estilo y un sonido renovado gracias al aporte de Jeff Lyne.
Un artista que compone una canción para otro músico que termina convirtiendose en uno de sus más grandes temas.
Cuando lanzó su tercer disco, "el jefe" Bruce Springtsteen , ya era un suceso., en sus anteriores discos con la E-Street Band, se había movido con rock&roll, jazz y soul, Era reconocido por sus pares, y por la crítica. Con letras profundas que hablaban de los problemas del día a día de gente común, muchos trabajadores se identificaron con él El disco "Born tu Run" tuvo críticas excelentes y amplia difusión, y Bruce apareció en la portada de las revistas Time y Newsweek en la misma edición , destacando su figura. Sin embargo el disco no contaba con single que fuera un hit, aunque eso no impedía que vendiera discos o llenara conciertos. Un día Bruce estaba en New Jersey con Joey Ramone, y el le pidió que escribiera una canción para su banda , The Ramones, y Bruce comenzó a escribir algo que hablaba de una persona que tenía deseos de vivir viajando pero a la vez quería estar con su familia al mismo tiempo. La canción se llamó "Hungry Heart" , y el productor al escucharla le dijo que era demasiado buena para que otro la cantara. El tema salió como un single y fue un gran éxito, y parte del disco "The River" que también tuvo un tema con el mismo nombre. "Hungry Heart" fue votada como mejor single por la revista Rolling Stone, el año que salió, y se ha convertido en un himno en los conciertos de Bruce donde la primera parte es cantada por el público. El tiempo le dió la razón, haber cedido esta canción hubiera sido un gran error.
El gran guitarrista que se parecía extraviado en su carrera musical, encuentra la inspiración y la creatividad en su mejor disco solista en mucho tiempo.
A fines de los setenta el músico británico Eric Clapton estaba en su gloria, había formado parte del grupo Creams, y Yardbirds, colaborado con grandes bandas , varios discos solistas con muy buena recepción , entre ellos "Slowhand" que vendía millones en el mundo. Por otro lado sus adicciones y excesos lo tenía muy mal a Eric, dejó una sustancia para meterse en otra y finalmente logró desintoxicarse, al punto de crear su propia clínica de rehabilitación. Sin embargo en los ochenta, Eric tal vez en un intento de expandir su público o modernizarse empezó a realizar discos sobreproducidos, usando sintetizadores, máquinas de ritmo y cosas que eran ajenas a su estilo. En vez de convertirse en un rock star masivo, al contrario su audiencia se redujo y sus discos no fueron bien recibidos. El disco retrospectivo , con una compilación de canciones de su carrera llamado "Crossroads" fue el que encendió la idea de que había que volver a las fuentes. Eric sin encasillarse comenzó a trabajar en un nuevo disco que llamó "Journeyman", con buenas letras en colaboración con un músico que ya lo había acompañado antes, en el virtuosismo de su guitarra y la potencia de su voz se notaba que el músico volvía a ser el de antes. Eric estaba en un momento complicado con su esposa, quien había sido inspiración de varios de sus éxitos, y ambos simulaban que no pasaba nada, que estaba todo bien. La canción con la que comienza el disco se llamó justamente "Pretending" y fue el éxito principal del álbum. Al poco tiempo Eric se divorció de su esposa. Este disco muy bien recibido por el público fue el que puso a Eric nuevamente en escena, luego vinieron sucesivos éxitos, su famoso álbum acústico en la MTV, giras por todo el mundo y varios premios. Eric es el único músico de la historia que fue inducido al Rock And Roll Hall Of Fame en tres oportunidades, como solista y como miembro de Creams y Yardbirds.
El líder de la banda de rock mas famosa del mundo, en plena era disco se empecina en componer algo que suene en las discotecas y lo logra.
Durante los años setenta, donde durante un período había un auge de la música disco, Mick Jagger quien era un asiduo visitante de la famosa discoteca Studio 54 de New York, tenía en mente componer algo que se pudiera bailar y que sonara en esos ambientes. En una de las sesiones de grabación de la banda, el músico Billy Preston quien era músico invitado en la gira, tomó el bajo de Bill Wyman quien no estaba en la sala y se puso a improvisar . El estilo de tocar el instrumento era diferente ya que el era zurdo y logró unas notas que captaron la atención, y se hicieron las grabaciones pero quedaron sin finalizar. Al año la banda estaba de gira en Europa, en Paris concretamente , y comenzaron a darle forma a las canciones del próximo disco , sin embargo el bajo que abría la canción no sonaba como se quería y alguien de la banda recordó el sonido que Preston había logrado y sugirió que el bajo sonara de esa manera. Luego el bajista Wyman, terminó de darle forma a una canción que sonaba como Jagger se la había imaginado para la disco. Durante esa gira, Mick había escuchado a un músico de blues que estaba tocando la armónica en el metro de Paris , y pidió a la discográfica convocarlo a las sesiones. Este músico afro americano, llamado Sugar Blue fue quien le dio un toque sutil a "Miss You". Según Jagger la letra hace referencia a la nostalgia y a la emoción y no precisamente a una mujer en particular. La canción forma parte del disco "Some Girls" lanzado en mil novescientos setenta y ocho, y tuvo muy buena recepción de la crítica. La canción fue justamente el último número uno en los rankings americanos del grupo inglés y un éxito que siguen invitando a bailar , tal como se lo imaginó Mick.
Un chico de Detroit que lleva el rock en sus venas, en sus inicios fue in imparable músico viajero con cientos de conciertos en vivo.
Bob Seger fue el menor de una familia, cuyo padre que era operario en una de las tantas fábricas de Detroit y ocasional músico abandonó , dejándolos a la deriva. De chico comenzó a vibrar con las canciones que escuchaba en la radio . Buen estudiante y deportista, fue en el acto de promoción de la escuela primaria donde sintió que su vida había cambiado: los aplausos que recibió por primera vez en la presentación donde tocó la guitarra y cantó. A mediado de los sesenta formó una banda y las presentaciones en bares y pequeños lugares en los alrededores de la ciudad industrial lo habían hecho muy conocido. Tenía mas de diez canciones grabadas, y en esa área esas canciones vendían más que The Beatles y Rolling Stones. Sin embargo no era conocido fuera de esa área. Su primer gran hit se llamó "Ramblin' Gamblin' Man", un rock bien puro y mucha energía de principio a fin. Bob llegaba a una audiencia mas grande, mismo que no era muy difundido por las radios. Tal vez impulsado por la necesidad de hacerse conocer , fue que Bob salió con su banda a las rutas, y se convirtió en un rocker con infinidad de presentaciones en vivo. A mediado de los sesenta, tocó en vivo doscientas sesenta veces en el año. Un día tocó Un día tocó en Chicago en un bar para cincuenta personas, tres días mas tarde en un estadio para setenta y seis mil personas en Detroit. El prefería tomar la ruta con su banda , en vez de pasar las noches en moteles y vivir esa aventura de recorrer el pais mientras tocaba. Bob había escuchado que su carrera iba a durar dos o tres años. Estaba equivocado, en su vida ha vendido mas de cincuenta millones de discos, la mayoría en forma consecutiva desde los setenta a los noventa, además de que fue incluído en el Rock & Roll Hall of Fame, un lugar reservado para pocos.
Un momento bisagra en la banda más longeva del rock, un arte de tapa y un logo se volvió uno de los más famosos del mundo.
Con el fin de la década de los sesenta, parecía que las manifestaciones estudiantiles, los movimientos revolucionarios y manifestaciones sociales que se habían esparcido por todo el mundo parecían haber quedado atrás. Se vivían cambios, y los Rolling Stones parecían estar estancados . Tenían una seria disputa con el sello discográfico, y querían tener su propia discográfica, así como The Beatles había hecho varios años antes. Fue así que como parte de esa necesidad de tener libertad creativa y de negocio, para su próximo disco querían tener una tapa que tuviera otra impronta, fue así que pidieron al artista pop Andy Warhol que diseñara la cobertura del vinilo. Andy tan provocador como la banda que lo contrató , puso una foto de un jean con el cierre semi abierto sutilmente dejando ver algo de la ropa interior debajo. La edición original tuvo un cierre verdadero, donde el comprador del disco podía hacer uso de el ,subirlo y bajarlo como quisiera y ver que había en su interior. Esto fue un gran desafío para el armado del envase del disco que se llamó "Sticky Fingers" y generó el problema que el cierre hacía que el disco se rayara, así fue que un tiempo después fue reemplazado solo con su foto. Además, Mick Jagger quería tener un símbolo que identificara a la banda. Que cualquier persona que lo viera reconociera de inmediato que se trataba de ellos. Fue así que le pidió a un estudiante de arte llamado John Pasche el diseño para ser usado en los posters de una gira. Este muchacho puso una imagen de una diosa hindú armo un boceto , pero que luego lo cambió para no quedar tan pegado a la cultura india, y que pase de moda rápido, en pensó en una boca abierta con una lengua asomando. El hecho que Jagger tuviera una boca grande lo emparentaba con ese dibujo. El logo se imprimió en invitaciones Vips de un concierto, y apareció en la tapa del mismo disco impreso en el jean, , aunque pasó un poco desapercibido. El tiempo le dió la razón a Jagger, millones de personas usando remeras con ese logo, calcos, fotos, por todos lados. El estudiante John Pasche recibió cincuenta libras por el trabajo, y nunca pensó que iba a ser lo que fué . Tuvo su revancha hace unos catorce años, cuando el Museo de Arte y Diseño de Londres le compró el logo original para su exhibición. "Sticky Fingers" fue el primer álbum producido y lanzado por el propio sello de los Rolling Stones, tiene canciones muy buenas como "Brown Sugar", "Wild Horses" o "Can't You Hear Me Knocking" , y rapidamente se convirtió en un éxito.
Uno de los mayores músicos del rock y el pop, ya con dos discos solistas, sufre una pérdida familiar y la consecuencia en su próximo álbum fue inesperada.
El bajista,cantante y compositor Inglés Gordon Mathew Sumner, mas conocido como Sting, ya había probado con creces que podía vivir sin The Police. Luego de la separación del famoso trío, a mediado de los ochenta y tal vez queriendo demostrar que era un músico sofisticado, convocó a prestigiosos nombres del jazz y grabó su primer disco solista "The Dreams Of The Blue Turtles", que tuvo muy buenas críticas. Ya hablaremos en el blog de este disco. Luego vino el éxito comercial , y ampliamente difundido "Nothing Like The Sun", con gira mundial incluída. Había logrado trascender la banda con dos discos , además de uno en vivo y una película. A fines de los ochenta, se encontró con la muerte de su padre, con quien había tenido una relación difícil y oscilante, su partida le dolió mucho más de lo que el se hubiera imaginado . Por un tiempo prolongado no conseguía pensar en otra cosa , estaba creativamente paralizado , no podía componer y se sentía aislado. Toda esta situación lo llevó a recuerdos de su infancia en Newcastle, ciudad frente al mar, los barcos llegando a la ciudad, con todo el trabajo duro en los puertos y en la pesca. Con esos pensamientos y un block en sus manos empezó a escribir y luego de cuatro semanas tenía un puñado de canciones. Convocó a nuevos músicos , volvió al bajo (su especialidad) , dejó de lado las influencias del jazz y world music y se centró en un estilo folk celtic , que se acomodaba más a un disco que iba a tener un trasfondo emocional y melancólico. La tapa del disco con una pintura de un barco posado siendo reparado, las letras y la referencia al mar crean el ambiente de uno totalmente distinto a los anteriores. El disco se llamó "The Soul Cages" , y la canción que le da el nombre al mismo, tiene una energía que va subiendo, habla de un cuento popular británico y como el mismo Sting dijo "donde las almas de los muertos que se mantienen bajo el mar en las jaulas de langostas de una criatura que es mitad hombre, mitad pez, cualquiera que quiera liberar alguna alma tiene que bajar y beber con esa criatura" Algo trágico como la muerte de un padre, derivó en bloqueo creativo y a la vez en una búsqueda en los recuerdos de la infancia y en un disco que tuvo muy buenas críticas apenas salió a la venta, además de ser ganador de dos premios Grammy en un año donde había otros muy buenas canciones y discos.
En plena efervescencia estudiantil con manifestaciones en Berlin y Londres a fines de los sesenta, el líder de los Rolling Stones se involucra y se inspira para componer una canción.
El año mil novescientos sesenta y ocho quedó marcado en la historia por múltiples demostraciones en distintas ciudades de Europa y America, arrancando por el famoso Mayo Francés. En Londres hubo una convocatoria enorme para manifestarse enfrente a la embajada de Estados Unidos en oposición a la guerra de Vietnam, con mas de veinticinco mil asistentes. Hubo una conocida actriz que dio un discurso, y uno de los que se encontraba entre el tumulto, era Mick Jagger. que no era ningún revolucionario ni tenía actividad política, pero el se había acercado por la convocatoria y para dar un soporte mayor al ser una figura conocida. Sin embargo Jagger entendio que su presencia era una distracción , es más muchas personas se acercaron para pedirle autógrafos. La marcha se desmadro, se rompieron las vallas de contención, entraron policías a caballo y hubo cientos de detenidos, gente herida y destrozos varios. Esta vivencia y lo que estaba sucediendo en Europa, inspiró al cantante de la banda a escribir una canción , que llamó "Street Fighting Man", lanzada en Agosto de ese año, para ese momento había revueltas por todo Europa y también en America, y la BBC se negó a pasar el tema por la radio para no generar más violencia. En Estados Unidos la canción salió un par de días luego de la famosa Convención Demócrata (retratada en la película "Los Siete de Chicago") por la misma razón. Jagger irónicamente dijo: "Las estaciones de radio prohibieron las canciones me dijeron que era subversiva. Claro que es subversiva. Es estúpido pensar que podes comenzar una revolución con una grabación, ojalá se pudiera" La banda quería que la canción se difundiera por otros medios, entonces Jagger envió el original de hoja con la letra a un diario radical llamado Black Dwarf para que la publicara. Sacaron una foto de esta hoja y tiraron el original a la basura, pensando que era una copia. La grabación de la cancion fue realizada con guitarras acústicas sobregrabadas y distorsionadas, con una vieja batería que Charlie Watts tenía de los años treinta , prácticamente no hubo nada eléctrico. La canción fue versionada por varias bandas y uno de los primeros en tocarla fue Rod Stewart.
El más místico y callado de los cuatro de Liverpool, en su primer disco solista expone todo el talento y la magnitud de su música.
Durante casi toda la etapa Beatle, la creatividad de George Harrison no tuvo lugar en la mayoría de los discos de la banda donde predominaban las composiciones de John y Paul. A fines de los sesenta la banda se resquebrajaba, y George mismo que había compuesto "Taxman" , en el Album Blancon donde cada miembro hacía lo que quería llamó a su amigo Eric Clapton como invitado y compuso la inmensa "While My Guitar Gently Weeps". En el último disco grabado por The Beatles, "Abbey Road", George aporta dos canciones monumentales, "Here Comes The Sun " y "Something" una de las canciones que han interpretado muchos músicos consagrados. Una vez que la banda se separa, George se da cuenta que tenía suficiente cantidad de canciones no solo para grabar si primer disco solista, sino para hacer varios , y decidió hacer un disco triple. Convocó algunos músicos amigos, y al productor Phil Spector que había sido el polémico artífice de "Let It Be" y se instaló a grabar los temas. El primer gran éxito del disco fue "My Sweet Lord" , ligada intimamente con la religión oriental a la que Harrison se había volcado. En su documental el decía " es un mantra, es un sonido místico y tiene la fuerza dentro de ella, es hipnóptica" . Otro de las canciones del disco se llama "Wah-Wah" , donde George vuelca sus sentimientos luego de una discusión con Paul en plena grabación de "Let It Be" que aparece en la fallida película. Ese día el se fue a su casa enojado y compuso esta canción. La canción que le da título al disco es "All The Things Must Pass", y nada mejor para reflejar lo que Harrison estaba viviendo luego de la separación de la banda. De alguna manera, los cambios en la vida, y que todo pasa, y cuando uno la escucha con esa introducción de piano y guitarra. y la voz de George se da cuenta del inmenso talento y creatividad que tenía. Hace unos días se cumplieron cincuenta años de este gran disco, para un gran músico que vivía un gran momento. Luego vino el primer concierto a beneficio de la historia del rock que el organizó y del que hablamos hace un tiempo.
Un artista innovador y con tremenda influencia en muchos músicos, considerado para muchos como el rey original de la guitarra surf , revive su carrera gracias a un film.
Los sesenta en la historia del rock seguramente será considerada una de las décadas más importantes por la transformación de la música, las grandes bandas que aparecieron (algunas siguen tocando) , los nuevos estilos y las innovaciones en la forma de tocar y en los instrumentos. Un joven nacido en Boston , hijo de padres Europeos (padre LIbanes y madre Polaca), desde chico esuchó música de otros paises y culturas. Las melodías y los sonidos de cuerdas tuvieron un impacto grande en el instrumento que el eligió : la guitarra. Casi un autodidacta, su padre alentó a que continuara su carrera en el sur de California. Ya con el nombre artístico de Dick Dale, comenzó a tocar en pequeños shows, cuando descubrió el surf y se convirtió en un apasionado de ese deporte. A la vez que su popularidad crecía como músico, inventó un estilo con su guitarra asociado a los sentimientos y sonidos del mar. Su canción "Let's Go Trippin" es considerada la la primera canción instrumental "surf". El disco "Surfer's Choice" lo llevó a los primeros planos, se hizo muy popular en Estados Unidos , vendiendo un equivalente a cuatro millones de discos al día de hoy. La canción instrumental insignia de ese álbum fue "Miserlou" , que es una versión de una canción Mediterránea que había nacido en Grecia a principio de los años veinte. Su fama como guitarrista fue un pionero en el uso de efectos de reverberación portátiles, creando una textura sónica característica para instrumentos instrumentales de surf. También trabajó codo a codo con el famoso fabricante de instrumentos Fender para mejorar y crear sonidos que el tenía en su cabeza. Influyó directamente en famosos guitarristas como Hendrix, y Eddie Van Halen, además de que muchas bandas de los sesenta como Beach Boys fueron sus seguidores en el sonido surf. Aviador, aventurero y con muchas ganas de emprender cosas nuevas, luego de un accidente que tuvo surfeando que casi le cuesta su pierna, relanzó su carrera a fines de los ochenta, donde versionó "Miserlou", pero fue Quentin Tarantino al incorporar esta canción en la película "Pulp Fiction" , la que hizo de sus discos tuvieran un alcance mundial. Uno escucha la canción y la asocia directamente con "Pulp Fiction" Unos años atras "Black Eyed Peas" tomó un sample de esta canción para hacer "Pump it".
Una cinta que se recupera luego de un hecho accidental en el estudio de grabación con mucho humo y diversión, lograron que se convierta en un éxito de la banda y de otros músicos.
A mediado de los sesenta en Kingston, Jamaica un grupo de músicos se juntaron y armaron un grupo primariamente vocal, pero que a lo largo de los años se fueron agregando otros integrantes e instrumentos. Para principio de los setenta The Wailers , con Bob Marley y Peter Tosh ya había grabado varias canciones en Jamaica y luego de su contrato con un sello Inglés comenzó a tener más difusión. En su segundo disco "Burnin' ", había una canción que hablaba de un hecho que no se comprobó totalmente, donde una persona había disparado y matado a un sheriff que lo venía acosando. Bob Marley dijo que parte de la historia era cierta. La canción "I shot the sheriff" estaba totalmente grabada y el grupo estaba conforme con el resultado logrado, sin embargo en el estudio de grabación, en un clima de mucha diversión ,humo y cigarros de distinta hierba enormes, a uno de los músicos se le cayo parte del porro encendido sobre una parte de la cinta que se derritió totalmente. El ingeniero de sonido recurrió a otras cintas, para recuperar el sonido de la batería y hacer la edición que hizo que finalmente la canción saliera publicada. Un año mas tarde Eric Clapton escuchaba a uno de los miembros de su banda que tocaba el álbum de The Wailers, y convenció a Eric para grabar esta canción. Si bien le gustaba la idea, el pensaba que podía ser algo irrespetuoso para Marley tomar esto y grabarlo. Finalmente lo convencieron , la grabó y luego charló con Bob para ver que era la canción para él , aunque no entendió casi nada de la explicación , más allá de que le gustó la versión que Eric había grabado. Clapton, con "I shot the sheriff" hizo que la canción se conociera ampliamente y le diera aún más popularidad al grupo de Bob Marley. También Eric logró con esto su primer y único número uno en toda su carrera. Nada de esto se hubiera logrado sino se recuperaba la cinta quemada. Escuchemos las versiones de ambos y una instrumental del genial Jaco Pastorious.
Un incendio durante el concierto de un músico famoso, y el escenario de un lago con humo inspiraron uno de los más famosos riffs del rock.
A principio de Diciembre del año setenta y uno, la banda de hard rock Deep Purple se encontraba instalada en hotel al lado de un casino frente a un lago en Montreux, Suiza, dispuesto a grabar en ese lugar su próximo disco. En ese lugar donde ellos iban a grabar, Frank Zappa iba a dar un concierto, y la banda concurrió a escucharlo. En el medio del recital una persona del público disparó una pistola de bengala , que provocó un incendio. El recital se paró y hubo evacuación. La banda se retiró al restaurante del hotel donde se alojaba, mientras contemplaban como se destruía el casino por el fuego. Una vez apagado el fuego todo el lago se cubrió de una cortina de humo. El bajista de la banda tuvo la sensación que el lago estuviera fumando, y eso dio inspiración a escribir una canción sobre eso. Al no haber más casino, donde ellos iban a grabar, se consiguió un estudio de grabación móvil que otras bandas habían usado, y lo alquilaron por un tiempo limitado. Contra reloj grabando el disco, el guitarrista estaba improvisando con el baterista cuando se le ocurrió el riff inicial más famoso de toda la historia del rock según varias encuestas. Ian Gillan compuso la letra de lo que sería "Smoke on the water", la canción que logro que la banda vendiera millones de copias de su disco "Machine Heads". Cuenta la historia que la banda se demoraba en entregar el lugar contratado en el plazo acordado, y mientras estaban grabando la última toma de esta canción, la policía estaba fuera del estudio aguardando para desalojarlos.
Un dúo formado a fines de los noventa, en su cuarto disco su canción más conocida se transforma en un himno para los fans del fútbol.
En Detroit, un muchacho guitarrista llamado Jack y su amiga Meg, baterista con poquisima experiencia, arman una banda simplemente formada por ellos dos. En esos años, fines de los noventa , hubo un revival de los grupos "garage rock", y justamenet "The White Stripes" fueron uno de los que tuvieron mayor visibilidad. Al poco tiempo de su formación, comenzaron a llamar la atención , participando de giras como banda soporte y artículos sobre ellos en revistas y diarios de renombre. Su sonido y su performance fue evolucinando en cada disco. Mientras estaban en Australia en la prueba de sonido antes de un concierto, Jack iimprovisó un riff de guitarra y le preguntó a uno de los asistentes si le gustaba, recibiendo una respuesta positiva. Al tiempo Jack le agregó la letra que habla de los chismes sobre él y su amiga cada vez que volvían a la ciudad. Cuando era muy pequeño Jack, en vez de decir "Salvation Army" decía "Seven Nation Army" ya que sonaban parecidas, y este último fue justamente el título que le puso a la canción, que fue el principal single de su cuarto disco llamado "Elephant" . Una de las particularidades de este disco fue que totalmente analógico, desde los instrumentos hasta la grabación final fue toda realizada sin uso de dispositivos digitales o computadoras. Es más el disco fue grabado en un estudio de Londres que tiene equipamiento de los años sesenta. El riff de "Seven Nation Army" y su ritmo, hicieron que esta canción un éxito, y además que perdurara con el paso del tiempo. Los fans de la selección de fútbol de Italia cuando ganó la copa del mundo en el 2006, la utilizó fervientemente para alentar y festejar los triunfos. Justamente en un mundial hay siete partidos a ganar para ser el campeón. Particularmente en Europa ha sido usada por muchos equipos, y el Bayern Munich la remixó y es puesta cada vez que el equipo hace un gol. Jack se sintió muy feliz al ver cómo la gente abrazó y adoptó esta canción. Así como "We are the champion " es un clásico en los festejos del equipo campeón, "Seven Nation Army" es el nuevo himno moderno para los equipos de fútbol.
Una banda de nuestro país vecino , con muchos años recorrido y un líder que supo combinar su profesión de ingeniero con la de músico.
A mediado de la década de los ochenta, cuando la democracia en Uruguay volvía, dos hermanos con un par de amigos formaron una banda que comenzó a tocar en fiestas familiares y en clubes. Al grupo lo llamaron Cuarteto de Nos. El cantante y compositor, Roberto Musso era estudiante de ingeniería en sistemas, y solían tocar en las fiestas universitarias y en pequeños shows. Con letras irreverentes, con humor y un estilo que era único en Uruguay, se posicionaron en un ambiente under, y consiguieron lanzar su primer disco que fue compartido con otro músico. Ya en los noventa, su primer gran disco se llamó "Otra navidad en las trincheras" con mucho éxito, pero solo en ese país. Luego de otros tres discos, la banda se sentía estancada creativamente y su líder comenzó a componer con juegos de palabras, sarcasmo y más largas, distintas a las que venía componiendo. Este hecho sumado a la incorporación de Juan Campodónico como productor , hicieron que el disco "Raro" fuera un éxito de mayores proporciones a lo que la banda estaba acostumbrada y comenzara a ser reconocida fuera del país, nominada para el Grammy latino. El próximo disco "Bipolar" continuó el camino iniciado en el anterior, y consiguió ganar el Grammy, el primero para un conjunto Uruguayo. Mientras tanto el líder de la banda seguía, con su trabajo de Ingeniero de Sistemas, trabajando ocho horas por día en infraestructura informática en una empresa, y además disfrutando también mucho eso. Las giras, y el crecimiento de la banda implicaba mayor tiempo y Roberto tomó la decisión de dedicarse full time al grupo para seguir creciendo, y no fue una decisión fácil pero que dió sus frutos con los discos que vinieron y la evolución de la banda. El comentaba en esta charla , que para él "resolver problemas matemáticos o programar, introducirte en ese mundo de desafíos no es tan lejano al de componer canciones, sos vos contra eso".
Un músico de rock que se ve obligado a dejar su hogar, escribe una canción que fue una de las mejores de su primer disco solista.
Probablemente sea uno de los artistas que mejor combinó el rock tradicional, las melodías pop y se supo adaptar a los nuevos tiempos y sonidos, sin dejar de lado sus raíces. Oriundo del norte de Florida, Tom Petty a los diecisiete años dejó el colegio y armó con unos amigos una banda llamada Mudcrutch. Unos años mas tarde luego que la banda se disolviera, formaba con alguno de sus ex compañeros la banda llamada Tom Petty and the Hearthbreakers. Al principio ignorados, a fines de los setenta luego de idas y vueltas con algunos sellos musicales, tuvieron sus primeros éxitos y comenzaron a aparecer en los rankings. Para mediado de los ochenta era una banda consolidada con más de diez discos. Tom estaba por componiendo para su primer disco solista, cuando un incendiario prendió fuego su casa en California, el se encontraba con toda familia dentro de ella. Pudieron escapar de una tragedia, pero lo dejó marcado y vivió por varios meses en hoteles. El había presentado algunas canciones de su disco a la compañía discográfica, quien inicialmente rechazó el disco porque no tenía ningún éxito. Tom escribió una canción llamada "I Won't Back Down" que reflejaba lo que le había ocurrido con su casa y la sensación de estar totalmente desnudo ya que había perdido todas sus pertenencias. Cuando el volvió con nuevas canciones, entre las cuales estaba "I Won't Back Down" , la compañia que justo cambiaba de directivos, aceptó el disco. "Full Moon Fever" fue un exitoso primer disco solista de Tom que contenía muy buenas canciones algunas publicamos aquí. El contó en una entrevista que mucha gente le comentaba que se sentían identificados por la canción, que hablaba de no volver atrás, por distintas situaciones que habían vivido. Con más de veinte discos, su voz nasal, y un lugar de privilegio ganado en el mundo de la música, Tom Petty partió de este mundo el 2 de Octubre de 2017.
La partida de una de las mejores voces del rock,protagonista, líder de varias bandas y con una carrera solista exitosa.
A principio de los noventa, en Seattle aparecía un movimiento de rock underground, que sonaba cercano al metal rock, pero era distinto, las voces eran potentes y sus letras no se caracterizaban precisamente por ser alegres, sino todo lo contrario. A ese movimiento se lo llamó grunge. Chris Cornell, que había nacido en esa ciudad, era aún un adolescente cuando comenzó a cantar y tocar la batería en distintas bandas de covers. Dejó el secundario , trabajó como cocinero en restaurantes y se dedicó full a la música. A mediados de los ochenta, con un grupo de amigos armaron el grupo Soundgarden, y sin saberlo estaban fundando uno de los grupos más representativos junto con Nirvana de lo que sería el grunge diez años mas tarde. Así como el nombre de la banda fue tomado del nombre de una escultura que está en un parque de Seattle. Chris se inspiraba en pequeñas cosas para reflejarlas en sus canciones. Un día iba manejando desde el estudio de grabación hacia su casa, y escuchó por la radio que alguien hablaba de un gran agujero negro del sol, y Chris se quedó pensando que sería un buen título para una canción . Durante todo el trayecto se imaginó una melodía y cuando llegó a su casa comenzó a silbarla y la grabó para no olvidarse. Al otro día le dio forma completa a la canción y la llevó al estudio, donde se terminó de armar con buenos riffs de guitarra. La canción "Black hole sun" fue el mayor hit de la banda ganó dos grammys y desde ese momento el grupo le dió más importancia a la parte vocal de las canciones, resaltando las virtudes de la altísima voz y el carisma de Chris. Luego de la separación de la banda a fines de los noventa, Chris inició su exitosa carrera solista lanzando seis discos, formó el grupo Audioslave y hace un tiempo comenzó a tocar de nuevo con Soundgarden. Chris terminó con su vida el 17 de mayo 2017.
Tal vez la persona que representó al rock and roll mejor que nadie, un guitarrista fuente de inspiración y respeto de muchas generaciones.
Es tan grande la figura de Chuck Berry a que podríamos hacer publicaciones de sus canciones y su vida durante todo un año. Quise solamente sintetizar algunos hechos de su trayectoria y una canción (la primera que escuché de él) . En 1926, Chuck nació en St. Louis, Misouri, bisnieto de esclavos , tuvo una infancia normal pero marcada por los años de segregación y racismo . Talentoso con una personalidad independiente e impulsiva, a los diecisiete años se fue a California, y al poco tiempo tuvo un incidente con sus amigos y fue internado en un reformatorio por dos años. Cuando salió quería trabajar de cualquier cosa, pero durante el colegio el había tenido ya un vínculo con la música y comenzó a tocar la guitarra, y fue invitado a sumarse a una banda. Luego formó un trio , y empezó a desarrollar un estilo de tocar la guitarra que lo identificó durante el resto de su vida. Gracias a una grabación que llegó a una compañia discográfica, rapidamente fue contratado y logró que su canción "Maybellene" fuera un hit, gracias a un DJ de una radio de Nueva York , si bien eran tiempos del Rythm and Blues, se podría decir que con esa canción el rock & roll había despertado. Su primer disco fue en 1957 y a ritmo de uno por año, en poco tiempo se convirtió junto con el joven Elvis y otros músicos en los referentes del rock. Un incidente con una menor que trajo de México a un bar de St. Louis, lo llevó nuevamente a la carcel donde pasó dieciocho meses. Pero durante ese tiempo estudió por su cuenta finanzas, y cuando salió Chuck era más desconfiado a los manejos de los productores musicales y discográficas. Esto hizo que sus exigencias ante shows fueran más duras al igual que los contratos con los sellos musicales. Chuck siguió tocando y moldeando su figura de leyenda, influyendo bandas como Rolling Stones, Beatles , y músicos como Clapton y muchos otros. Una de sus canciones del tercer disco se llamó "Johnny B.Goode", que es muy conocida y habla de un chico humilde que desarrolla su talento por la guitarra. Los acordes pertenecen a Johnnie Johnson, un pianista que tocó con Chuck en sus comienzos, pero Chuck reemplazó el piano por la guitarra y la terminó de componer. La canción fue usada en comerciales, campañas presidenciales y en la película "Back to the future" es interpretada por Marty McFly en la famosa escena del concierto en el colegio. Chuck muchos años después sacó una canción llamada "Bye Bye Johnny" que habla del jóven que ya había crecido. En 1979 fue inducido en la primera edición del Rock and Roll Hall of Fame, Chuck estuvo vinculao con la música durante 60 años, con más de treinta discos producidos, y en las últimas tres decadas aparecía con cierta frecuencia tocando con amigos y también en su lugar de nacimiento , St. Louis. John Lennon dijo alguna vez que si el rock & roll tuviera otro nombre, tal vez debería llamarse "Chuck Berry"
Un grupo legendario del rock que aún sigue tocando, y una llamada casi de madrugada a una voz increíble.
A fines de los años sesenta, se vivían días convulsionados en varios lugares del mundo, y el mundo del rock no era ajeno a lo que pasaba. La guerra de Vietnam y las protestas antiracismo, habían tenido a los músicos como participantes en distintas medidas, muchos expresándose directamente o con sus canciones. Keith Richards se encontraba en Londres cuando vino una tormenta muy fuerte y al ver en la calle cómo la gente corría frenéticamente con sus paraguas, se imaginó también una tormenta en la mente de esas personas y comenzó a escribir una canción. Un tiempo después, los Rolling Stones se encontraban grabando el disco "Let it Bleed", el primer disco sin Brian Jones, y la canción compuesta por Richards iba a ser parte del disco. En plena sesión, bien entrada la noche, decidieron incorporar la voz de una mujer para los coros. El único problema era a quien llamaban a esa hora. Uno de los productores conocía a una mujer con muy buena voz, que había trabajado con Ray Charles y se encontraba en Los Angeles, lugar donde ellos estaban grabando. Esta señora llamada Merry Clayton, estaba en su departamento casi a punto de dormir y se encontraba embarazada. Aceptó la invitación, y llegó al estudio en pijamas y con ruleros en el pelo. La parte que le tocaba a ella era relativamente sencilla, pero a medida que ganó confianza, llevó su voz a lo más alto aumentando una octaba, dejando a todo el estudio y al propio Jagger impresionados, al punto que se puede apreciar una exclamación de él en la canción. "Gimme Shelter" es considerada una de las mejores canciones de ese disco, también fue el título de un documental sobre la banda y fue usada en tres películas de Martin Scorcesse. Merry Clayton con su voz increíble le puso un toque distintivo y luego ella grabó su propia versión, que es muy buena. |
Acerca del blog
Versiones es el blog de Juan Cabral, donde escribo sobre música ya que siempre sentí curiosidad por los distintos modos de cantar o tocar una misma canción. Clásicos del jazz, rock ,del pop e inclusive tangos, vuelven a versionarse y muchas veces superan el original. Claro... que todo tiene que ver con el gusto individual, donde la subjetividad, estado de ánimo, recuerdos y lugares son los que influencian para elegir una u otra. La idea es ir compartiendo lo que fui descubriendo y escuchando .... al menos una vez por semana Archivo
Abril 2024
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