Un disco que cumplió hace una semana unos jóvenes treinta años de su lanzamiento, el más exitoso del artista que lo celebra con una extensa gira.
A principio de los noventa , y cuando no había cumplido los treinta años, el músico rosarino Fito Páez ya se había dado muchos gustos y alcanzado tal vez lo que nunca se había imaginado. Con sólo veinte años ya se diferenciaba del resto de los músicos de la llamada Trova Rosarina, en menos de cinco años de su aparición, había publicado cuatro discos, y cada uno superaba al anterior. Formó parte de la banda de Charly Garcia y sus "enfermeros" que grabó Piano Bar y un encuentro fortuito con Spinetta en una esquina porteña dio origen al álbum doble "La La La". Fito inició la nueva década con el disco "Tercer Mundo" que tuvo una muy buena recepción, pero lo que iba a venir iba a ser mucho mejor. La situación sentimental del músico, quien estaba en pareja con una conocida actriz, fue en gran parte la inspiración del disco que comenzaba a germinar, Convocó a músicos reconocidos como colaboradores del disco: Aznar, Celeste Carballo, Claudia Puyo, Spinetta , Charly Garcia , Ariel Rot y Mercedes Sosa entre otros. El álbum contenía catorce canciones, donde muchas de ellas se convirtieron en hits. Con una producción impecable el disco sale a la luz en Junio de mil novescientos noventa y dos. En dos días se vendieron treinta mil discos, pensemos que no había música por streaming , ni videos en línea , y la gente para escuchar tenía que ir a una disquería a comprar lo que quería escuchar. Una de sus canciones fue "La Rueda Mágica", compuesta junto a Charly García, contando las ansias de una persona que se va de la casa para ser una estrella de rock. Otra canción muy escuchada y símbolo del disco es "Brillante sobre el Mic" donde Fito la compuso pensando en su anterior pareja y cantante Fabiana Cantilo, donde el comentó "Es una canción para ella, inspirada en ella, en su rostro, en ella cantando(...)" El álbum fue acompañado por una extensa gira con mas de ciento veinte shows y es el de mayor venta en toda la historia del rock nacional. A treinta años de su lanzamiento, el músico ya anunció una gira que incluye otros países, y para aquellos que nunca lo escucharon (que no habían nacido para ese entonces) es una muy buena oportunidad para descubrirlo, por la composición, las melodías y su vigencia.
Uno de los principales artistas de nuestra música, protagonista indiscutido y referente , respetado por sus colegas, invita a un joven músico de la nueva generación del rock nacional para grabar juntos.
Hace un tiempo habíamos hablado en el blog, sobre un disco que había lanzado el gran David Lebón, con versiones de varios temas de él, convocando a distintos músicos, donde se veía a unmúsico revitalizado. Excelente guitarrista y multiinstrumentista, David fue protagonista en casi todas las décadas de nuestro rock, sea cuando tocó en las distintas bandas: Pappo's Blues, La Pesada, Pescado Rabioso , Serú Giran y en su etapa solista. Con una historia de vida interesante, hijo de madre cosaca, paracaidista y espía, quien alentó a su hijo con la música al punto de llevarlo a ver un concierto de The Beatles mientras vivían en Estados Unidos. Mucho más acá en el tiempo, un chico criado en el barrio de Saavedra, hijo de un reconocido tecladista que fue parte de la banda Spinetta Jade y otros grupos de rock nacional, comienza a tocar el piano con su abuela, una gran profesora de piano, pero el chico no soportaba la teoría del solfeo y esas cosas. La familia se va a vivir a España, decisión que no le cae para nada bien ya que no quería alejarse de sus amigos, del barrio y los afectos . Pero mientras vivían en Europa, durante largos viajes en autos y en su casa, el chico y su hermana descubren y escuchan prolongadamente bandas del rock nacional, algunas clásicas y otras mas nuevas. Como si fuera una forma de seguir relacionado con el país que habían dejado. Luego de intentar con el deporte y dejarlo por una lesión, comienza a tomar clases de guitarra con Claudio Gabis en España, y logra una conexión casi instantánea con la música. Mateo Sujatovich, el exiliado, vuelve con su familia a Argentina, con una alegría inmensa. Lo apodan "Ruso", se reconecta con sus amigos que había dejado acá, y comienza a componer, y arma una banda que llamó Conociendo a Rusia, quien trae un sonido que tiene reminiscencia y conexión directa con el rock nacional de los ochenta, con canciones con unos arreglos impecables. De tocar en lugares para cincuenta personas, en muy poco tiempo llena salas y un teatro Gran Rex como si nada. En los ochenta, luego de la separación de Serú Giran, y en los años donde se vivía la efervescencia del rock nacional previo a la llegada de la democracia, David , también apodado "Ruso" lanzó su segundo disco llamado "El tiempo es Veloz", con grandes canciones que compuso en solitario y que luego se volvieron clásicas. El viejo Ruso (David) convocó al nuevo Ruso (Mateo) para grabar juntos una de las mejores canciones de ese gran disco, "Tiempo Sin Sueños" , conectando dos generaciones de nuestra música y con muy buena aceptación. La canción será seguramente parte del nuevo disco de Lebón.
Una de las mejores series de todos los tiempos, tiene su precuela tal vez igual de exitosa , con un singular personaje y una muy buena selección de canciones.
Tiempo atrás habíamos publicado un post dedicado a una escena particular de "Breaking Bad", de una canción de los setenta y una versión de un músico italiano que canta jazz como un afro mas, no podría haber sido mejor elegida ese tema para lo que se quería mostrar. Para alegría de muchos de los que gustamos de esa serie, apareció su antecesora, "Better Call Saul" dedicada al singular abogado con sus hilarantes ocurrencias, situaciones y resolución de problemas. La música contiene una extensa lista de canciones que pasan por distintos estilos, electrónico, dance, jazz, melódico, rock, y rancheras mejicanas. Hice una elección de los que mas me gustaron, que están relacionados con algunas situaciones o escenas que quedaron en mi mente de la serie. Hay un cover de "Something Stupid" , la famosa canción que popularizó Frank Sinatra y su hija, pero cantada por un dúo de música Indie Isralí llamado Lola Marsh. También está el rock de Deep Purple , "Smoke On The Water", del que hablamos acá hace un tiempo. De Creedence Clearwater Revival la insólita canción "It Came Out Of The Sky", que habla de objetos que caen del cielo provocando distintas reacciones de políticos. La lista comienza bien arriba con música house, y luego va descendiendo pasando por distintos estilos. También incluí algunos videos de escenas muy bien editadas con la música seleccionada. Para los que no vieron la serie, tal vez esta lista y este post inviten a verla.
Un famoso dúo de los ochenta, improvisa en el estudio lo que sería una de sus canciones exitosas.
A principio de los setenta dos jóvenes que estaban en la universidad de Philadelphia tenían sus propias bandas, y casi al mismo tiempo ambos grupos se desarmaron y Daryl Hall se encontró en un ascensor con John Oates, y no se separaron más. Hall&Oates, según las crónicas, es el dúo más exitoso de todos los tiempos, aún hoy siguen en carrera, más allá que cada uno tiene proyectos personales. Mientras estaban grabando el disco "Private Eyes" , Daryll prendió la novedosa (en los ochenta) máquina de ritmo Roland y apretó el botón de Rock, el bajo empezó a sonar y el se sentó en un teclado improvisando una melodía. El ingeniero de sonido que estaba en la sala gustó lo que estaba escuchando y lo grabó. Daryl se llevó la grabación y volvió al otro día con una letra que había escrito con su novia, luego con John terminaron de darle forma y grabaron "I Can't Go For That (No Can Do)", que era una frase que el usaba cuando le pedían que tocara algo que no gustaba. El tema fue un éxito junto a otros de ese disco, con el puesto uno en USA y top ten en Inglaterra. Lo más curioso fue que unos años mas tarde MIchael Jackson en una reunión le pidió perdón Daryl por haber tomado como "sample" la base de ese tema para su gran éxito "Billie Jean". Daryl al contrario se sintió halagado. Muchas bandas y cantantes de distintos estilos han usado la base de este tema en varias canciones y versiones, es más Simply Red practicamente usó la base entera para "Sunrise" y sólo cambió la letra. Vamos a escuchar una versión que Daryl grabó como parte de su show Live from Dary House, donde convoca músicos a cantar y grabar en vivo. Acá lo acompaña la excelente voz del Cee LoGreen. Hall&Oates, fueron merecidamente incluídos en el Salón de la Fama del Rock&Roll en el año dos mil catorce.
Un viaje para conectar con la gente y nuevos sonidos resultan en un gran cambio para una cantante que se encontraba bloqueada en su inspiración.
A fines de los noventa, una chica afro, dispuesta junto a un grupo de gente de su raza, a ser protagonistas de una nueva cultura, sacude la industria de la música con un disco que para muchos fue el inicio del llamado "neo soul". Erica Wright, había nacido en Texas, su madre actriz , influyó desde temprano en ella, estudió arte y siendo adolescente ya era cantante. Un productor quedó impresionado por su voz, su actitud en el escenario y su vestimenta. Erica se convirtió en Erykah Badu, y su primer disco llamado "Baduizm", fue un éxito inmediato, con halagos de la crítica especializada. Erykah venía con un nuevo estilo de R&B, con sus turbantes, su mística y el mensaje de sus canciones. Muchos compararon su voz y estilo con grandes figuras como Billie Holliday o Nina Simone. Con su disco debut ganó dos premios Grammy. El segundo disco, estuvo a la altura del anterior, con incorporación de nuevos sonidos , artistas e instrumentos del jazz. Pero luego vino una época de bloqueo, donde no sentía lo que estaba haciendo, una voz tal vez forzada, y con la presión de los productores para generar mas de lo mismo. Erykah y su banda tomaron la ruta, recorriendo lugares que trajeron inspiración, y el encuentro con el groove que buscaban, Muchas de las canciones que formarían parte del nuevo disco nacieron mientras viajaban, improvisaciones , funk, hip-hop y R&B, además de contar con invitados consagrados como Lenny Kravitz. De las canciones que elegí del disco, es destacable "I Want You" arranca con las pulsaciones como si fueran del corazón , y hace un recorrido de diez minutos, pasando por distintos ritmos y voces. El disco "Worldwide Underground" no fue ciertamente el que mejores críticas recibió, pero una apuesta mirando el futuro , auténtico y con el convencimiento de hacer algo distinto donde ese viaje fue fundamental para crear una atmósfera relajada que es lo que se percibe en todo el disco.
Una de las mejores canciones de uno de los mejores grupos británicos de todos los tiempos, es interpretada con mucha energía por un baterista recientemente fallecido.
A mediado de los setenta, Queen con su disco "A Night at the Opera" se había convertido en un grupo superestrella, con sus canciones de complejos arreglos, coro de voces simultaneas, solos de guitarra , y su carismático líder Freddie Mercury. El disco que fue uno de los más caros de la historia, con "Rapsodia Bohemia" los hizo llegar a lo más alto de los rankings y ser conocidos en todo el mundo. Una secuela de ese disco, tanto en su estética, portada y concepto fue "A Day at the Races", aunque no sonaran exactamente igual, el álbum fue número uno en Estados Unidos. Una de sus canciones se llamó hablaba de una persona que le reclamaba a Dios que porqué trabajaba tan duro y no podía encontrar el amor. La canción se llamó "Somebody to Love" y fue totalmente escrita por Freddie Mercury, una de sus canciones preferidas y una de las favoritas de la banda que nunca faltaba en sus presentaciones. Como en otros discos, voces sobrepuestas de un coro formado por ellos cuatro y una grabación en estudio impecable, hicieron que esta fuera una de las canciones más escuchadas de Queen. Un chico de diez años, que con su familia se había mudado a Los Angeles a principio de los ochenta, vio una presentación en vivo de Queen y quedó deslumbrado por el baterista y la banda. Decidió que el quería ser músico y baterista, el chico se llamaba Taylor Hawking. No pasaron muchos años hasta que Taylor se convirtió en un baterista conocido que tocó en la banda de Alanis Morisette, y en referentes de otras bandas. Un día recibió un llamado de Dave Grohl, líder de Foo Fighters, pidiendo su consejo sobre un baterista para reemplazar al recientemente salido de su banda, Taylor dijo simplemente "yo". Multintrumentista, carismático, y también cantante, Taylor se convirtió en un integrante vital de la banda, solía hacer de frontman de Foo Fighters en recitales (además que tenía su propio grupo). En varias oportunidades de hecho invitó a Roger Taylor de Queen a tocar en vivo mientras el cantaba. Hace unas semanas en el Lollapalooza de Argentina, cantó en vivo "Somebody to Love" como un homenaje a la banda que lo deslumbró, haciendo una excelente interpretación. Taylor murió una semana después.
Una banda que casi desaparece, que cambia de nombre y que lo intenta de nuevo, su primer disco los posiciona en los primeros lugares.
A mediado de los noventa varias bandas "de garaje" buscaban emular él éxito que habían tenido otros grupos con el grunge, un género que iba languideciendo, Un grupo de chicos del colegio secundario, en las afueras de Los Angeles comenzaron a tocar en pubs en la zona de West Hollywood con cierta aceptación. El grupo se llamaba Kara's Flowers, y su cantante era un tal Adam Levine. Firmaron un primer contrato con un sello y unos años mas tarde sacaron un disco que fracasó completamente y fue una gran decepción para el grupo. Ante este fracaso, cada uno decidió seguir con sus vidas , estudiando en la universidad o realizando trabajos. Adam se mudó a New York y luego de un par de semanas de trabajar en una hamburguesería renunció y decidió que tenía que seguir intentando con su pasión , la música. Se reagruparon, y cambiaron el nombre a la banda, con un nombre particular Maroon 5, y también el estilo mudando a Pop, con influencias de R&B., y comenzaron a componer sus primeras canciones. El líder de la banda estaba en pareja con una novia llamada Jane, y el estaba bastante cansado de esta relación, los constantes reproches y a su vez estresado por los pedidos de la discográfica de generar mas canciones para el álbum que tenían que lanzar de acuerdo con el contrato firmado. Varias de las canciones que compuso para este disco hablaban sobre relaciones de pareja. El título del disco se llamó justamente "Songs About Jane". Para ese momento el ya no estaba con Jane y le pidió permiso a ella para usar el nombre en el disco, aunque algunos dicen que cuando el habla de Jane en realidad habla de la compañia discográfica. Sus canciones comenzaron a sonar en las radios , "She Will be Loved", "Harder To Breathe", "Sunday Morning" (de la que ya hablamos en el blog), fueron ganando popularidad. El disco debut no tuvo necesariamente un éxito inmediato, fue una lenta carrera que llevó dos años y alcanzó los cuatro millones de ventas solamente en Estados Unidos. Luego vinieron los Grammys, las giras mundiales y la popularidad y vigencia de la banda. Un pedido inadecuado de la compañia discográfica se transforma en una canción con mensajes sutiles e ironía, de uno de los discos más vendidos en los ochenta. Hablamos hace unos años acá en el blog de "Locura", el disco mas logrado y vendido de Virus con su carismático líder , Federico Moura. Con el paso de los años la banda cambió su look, la estética, la forma de vestir y sus peinados diseñados por un famoso estilista francés le daban un toque distinto. Federico con su rostro particular, y en el escenario jugaba al límite con la sensualidad aunque era muy conocida su orientación sexual. Ellos habían firmado con la compañía CBS y en una reunión con la gerencia de la empresa, mientras renovaban el contrato hubo un pedido que lo descolocó . El gerente le decía que el tenía mucha convocatoria en el público femenino y que sería mejor que ocultara su condición de homosexual. Federico lo miró fijo y le dijo "usted ocúpese de su trabajo que yo me ocupo del mío" . Firmaron la renovación y se apenas llegó a su casa comenzó a escribir una letra. Con mucha ironía, usando palabras y frases que reivindicaban su condición compuso la canción "Sin Disfraz", una de las más escuchadas del disco "Locura", su introducción con el sintetizador ,el ritmo suave y su famosa frase "...En taxi voy , hotel Savoy y bailamos" la hizo muy conocida y escuchada. El disco en su conjunto, con la tapa y letras, era tan potente que a nadie de la discográfica se le ocurrió hacer la mínima objeción. Federico , fue un pionero del pop, de la sensualidad, la libertad , y dejó un legado de juventud con su temprana muerte a muchísimas bandas y músicos. La banda irlandesa, una de las mas grandes del mundo, luego de años de experimentación con el pop, busca el camino para volver a las fuentes. Desde mediado de los ochenta, U2 siempre estuvo en los primeros planos , con discos que iban superando unos a otros, y en los noventa con "Atchung Baby" comenzó una etapa de experimentación hacia el pop que duró casi una década. El disco "Pop" y su faraónica gira no tuvo el resultado esperado, ni comercialmente ni artísticamente . La banda quería regresar a sus raices. Comenzaron a componer un disco, convocaron a productores y arregladores con los que habían trabajado antes , con la idea de aprovechar también lo que habían aprendido en los últimos años, con arreglos sonoros complejos. La primer canción compuesta pasó por varias etapas de cambios, y Bono apareció con una letra y título que encajaba perfectamente: "Beautiful Day", inspirada en el jubileo del año dos mil, que hablaba de una persona que había perdido todo pero que mantenía su alegría con lo poco que aún le quedaba. Inmediatamente al escuchar los demos y primeras grabaciones, la banda y el productor coincidieron que iba a ser un hit y debería ser el símbolo del disco, y se aseguraron que tuviera buena difusión. La banda lo subió a su web oficial (en tiempos donde no había streaming) permitiendo que sus fans la descargaran. Mientras componian el resto del disco, a Bono le robaron la computadora que contenía todas las letras de sus canciones. Un irlandés compró en el mercado de usado una notebook y reconoció su contenido y la devolvió a su dueño. El disco "All That You Can't Leave Behind" fue número uno en treinta y cinco paises, ganador de cuatro Grammys , su canción principal se usó en la apertura de los juegos olímpicos de Australia, y reproducida en infinidad de comerciales y series. Otra de las canciones principales del disco fue "Elevation", que habla de la sexualidad, y justamente fue el tema de apertura de la increíble gira "Elevation Tour". Bono tuvo razón cuando dijo que con este disco querían volver a ser la mejor banda del mundo.
Una portada de disco que me deslumbró desde chico, escondía mucho más que el hit del momento.
Muy personal este post, con recuerdos del comienzo de la adolescencia , los primeros acercamientos a la música que ya empezaba a ocupar un lugar importante en mi vida. En la única tienda que vendía discos en mi ciudad , Nogoyá (Entre Ríos) , que por cierto era bastante decente, su dueño profesor de música traía una limitada cantidad de discos de vinilo , donde combinaba música clásica, folklore y también rock. En una visita casi casual, revisando la batea donde estaban los nuevos discos me encontré con un disco impecable recién llegada, cuya tapa me llamó la atención, me quedé varios minutos viéndola, casi hipnotizado por su belleza e interpretando su significado. Electric Light Orchestra se formó a principio de los setenta en Inglaterra. liderado por el guitarrista y cantante y también luego productor , Jeff Lyne. Rock melódico, con muchos coros, voces sintetizadas, e introducción de violines en sus canciones. Por esos años había pequeñas orquestas "light orchestra" en ese país donde tomaron el nombre. La banda ya con su primer disco logró llamar la atención fundamentalmente en Estados Unidos, y fue creciendo con ventas millonarias y giras con mucha puesta en escena. En su segundo disco "Out of Blue" apareció una nave espacial en su portada y en la gira sobre el escenario la banda bajó de una gigantesca nave. Volviendo a ese momento en la tienda de discos, lo que tenía en la mano era el álbum "Discovery" que era el disco del momento, con su gran hit "Last Train To London" reproducido hasta el hartazgo en radio, tv y discotecas en esos años. El precio de los discos en esos años para un chico de trece años sin ahorros era alto y no me pude dar el gusto de llevármelo. Muchos años después, cuando los CDs aparecieron y ya podía disponer de mi plata, me compré "Discovery" y me encontré con un disco maravilloso donde diría que la mayoría de sus canciones son muy disfrutables, algunas invitan a bailar, hay un par de baladas y alguna otra sobreproducida para mi gusto. Me quedé pensando también que con la llegada del streaming y los servicios de música on line , que tienen muchísimas ventajas , se ha perdido ese contacto con la obra del artista. El arte de tapa de los discos que es una obra de arte en sí misma, que puede decir mucho y que cautiva. La información de los sobres internos de los discos, el detalle de las canciones, las dedicatorias, los músicos colaboradores, las fotos complementarias.... todo eso hoy no lo vemos al escuchar algo por Spotify o Apple Music. Claro que está disponible an algún lado , pero hay que buscarlo explicitamente. Escuchemos ahora este hermoso disco , de la tapa que me cautivó.
Una canción ícono de los sesenta es la salidad a la frustración de una cantante talentosísima para terminar de grabar su reciente composición.
Amy Whinehouse tuvo momentos muy díficiles en su corta vida, y sus sentimientos se manifestaron en varias de las canciones de sus discos. En el disco "Back to Black", mundialmente aclamado por críticos y aceptado por el público, tuvo canciones que hablaban de estas situaciones. El abandono de su novio la había dejado muy mal y Amy expresó todo lo que sentía en una canción que tituló "Tears Dry On Their Own", donde según ella misma comentó el mensaje era que si bien la canción hablaba de tristeza, también decía que lo iba a superar. Durante las grabaciones no lograban que la canción quedara en el tempo correcto y no estaban conformes con eso. Amy estaba frustrada con eso, hasta que el productor se le ocurrió una idea cuando recordó un arreglo de una famosa canción de los sesenta. Dos músicos que eran pareja y cantantes del icónico sello discográfico de soul Motown, habían llegado a New York por primera vez y quedaron deslumbrados por el tamaño de los edificios. A uno de ellos se le vino a la cabeza una frase "ain't no mountain high enough", que sería "no hay montaña lo suficientemente alta". Compusieron una canción con ese nombre , cuya versión que grabaron Marvin Gaye y Tammi Terrel es una de las más conocidas y mejores que existen, mismo que Diana Ross grabó su versión que fue la que la llevó a la fama. Volviendo a Amy, el productor usó la base instrumental de "Ain't No Mountain High Enough" como backing track de la canción, la convenció a Amy y la canción quedó perfecta ya que es una canción con una letra triste pero sobre una base ligera.
Un carismático cantante y guitarrista, luego de terminada una larga relación, compone dos canciones vinculadas con ese hecho para el mismo disco.
Cuando John Mayer era adolescente tocaba el clarinete razonablemente bien, y al ver la película "Back To The Future" quedó maravillado con la forma en que el protagonista "tocaba" la guitarra. Su padre le alquiló una acústica y la conexión fue inmediata. John construyó su carrera con gran exposición mediática, con su carisma , sus relaciones con cantantes , modelos y actrices lo hicieron muy popular. Al tiempo que fue creciendo y es un talentosísimo guitarrista. El fin de la relación con una conocida cantante, lo afectó bastante y puso sus sentimientos en algunas canciones. El nombre de una de las canciones le vino a la cabeza inmediatamente y durante algunos días parecía tener flashes relacionados con ese tema , y en tres días tenía lista la letra de lo que fue "Still Feel Like Your Man", aunque empleó bastante tiempo en terminar de pulir finalmente el tema en su versión final que tiene algo de funky y R&B. Un año antes había compuesto la versión inicial de "Moving On and Getting Over" , que también hablaba de lo mismo , del final de una relación, sin embargo le llevó casi tres años terminar de hacerle los arreglos. Inicialmente era mas un blues, que luego migró a algo más funk y groove, y esto fue de casualidad al colocar por error las grabaciones al revés, que despertó la idea de que el ritmo escuchado podría resultar mejor para la canción. Ambas canciones fueron clave del disco "The Search for Everything" que salió hace unos cuatro años. El líder de una banda nacida del under y convertida en mito , se le ocurre una loca idea de darle un estilo hardcore a un clásico villancico navideño. Mucho se ha hablado y se siguen descubriendo cosas de Luca Prodan, el italiano llegado a estas tierras escapando de las drogas en Inglaterra, que instalado en las sierras cordobesas empieza a cantar en inglés en plena efervescencia del rock en español. Ya instalado en Hurlingham, convertido en líder de la banda Sumo, en su cuarto disco "After Chabon", pensó en tener un hit navideño. Una versión punk - hardcore de la típica cancion "Noche de Paz" pero con una letra totalmente cambiada, con frases irónicas , y muchas guitarras. En ese momento, pasado mitad de los ochenta, la radio Rock&Pop y algunas emisoras alternativas fueron las únicas que las pasaron. Luca textualmente dijo “Lo hicimos porque estábamos locos. La hicimos punk y yo la canté en tres idiomas. Tocábamos esa noche de Navidad y así salió, en Zero Bar”. Así es que la canción tiene una parte en Español, otra en Inglés y otra en Alemán. El paso del tiempo, la muerte de Luca y la revaloración de la banda hizo crecer la canción y sigue sonando, como alguna vez pensó Luca.
Dos de las canciones de un disco que para muchos críticos y fans es tal uno de los mejores discos del procer del rock nacional.
Luego de grabar el inmenso "Clics Modernos" Charly García había viajado a Buzios, y quería hacer un disco totalmente distinto, en tiempo récord y sin muchos preparativos. Al contrario de lo que se piensa, todas las canciones fueron compuestas mientras disfrutaba de su tiempo de ocio en tierras brasileñas. Apenas llegado a Buenos Aires, convocó a los músicos (que luego formarían G.I.T) , mas Fito Paez en los teclados y comenzaron directamente a grabar. Las bases de los temas estuvieron en tres días, y algunos temas fueron grabados en vivo totalmente en el estudio. El disco, cuya tapa era simplemente el escrito en cursiva de todas las canciones del disco, merece en sí todo un post, así que solo voy a comentar de dos canciones. Una de ellas contenía ruidos de ambientes reales del tránsito porteño, que Charly había grabado directamente desde su departamento de Coronel Diaz y Santa Fe . Charly en sus viaje a New York, cuando le preguntaban como era la ciudad , les hacía escuchar sus grabaciones donde contenían sonidos de la calle. La canción se iba llamar "Mi Amor" , una canción de corta duración con estrofas simples . Fue a SADAIC a registrarla y se la rechazaron porque ya había una con el mismo nombre, así que como reacción a eso la llamó "No se va a llamar mi amor". Otra canción que es emblema del disco es "Promesas sobre el bidet", según Charly la melodía se le ocurrió mientras se duchaba en el balneario brasileño. Una vez escribió en un conocido diario una nota con sus veinte mandamientos, el décimo decía : "para hacer un tema como “Promesas sobre el bidet” hace falta una brasilera divina y un bidet. Y son cosas que no están al alcance de todos". La versión de una historia distorsionada durante 50 años cambia totalmente cuando se descubren de casualidad unas cintas de grabación. La mayoría de los que disfrutamos a The Beatles conocemos que la grabación del´ álbum "Let It Be" no fue precisamente el mejor momento de la banda y mucho se habló de lo mal que estaba la relación entre ellos. Con la idea de hacer un film sobre la creación del disco , un director de cine filmaba todo lo que sucedía en esas sesiones durante casi un mes. Era la primer banda de la historia que incursionaba en esto. La película que se estaba filmando y el disco salieron a la luz mientras la banda se estaba separando y de hecho no fue el último disco grabado ("Abbey Road") fue posterior a este, sólo que apareció a la venta antes, tal como comentamos en otro post , y el disco no gustó al grupo por la sobreproducción que tuvo, y de alguna manera ellos asociaban cualquier cosa relacionada a este material como algo negativo. El famoso recital sin aviso previo en la terraza del edificio de Apple Corps. ( hoy propiedad de la tienda H&M).. fue parte de ese proyecto, dado a conocer por la película y reproducido infinitamente aún en épocas previas a Youtube. Hace un poco más de tres años, el famoso director de cine Peter Jackson, conocido por sus films (King Kong, El señor de los anillos,entre otros) casi de casualidad en una charla con la gente de Apple se reencontró con medio centenar de horas de grabación y cientos de audios. En su viaje de vuelta a Nueva Zelanda , en el avión mientras miraba parte del material descubrió que todo lo que se había hablado hasta ahora sobre esas sesiones conflictivas de grabación no eran ciertas. Descubrió un muy buen clima de amistad , donde cuatro amigos disfrutan haciendo lo que mas les gusta. Ayer veinticinco de Noviembre, se estrenó el documental "Get Back" de seis horas que cuentan el back stage de "Let It Be" que estuvo oculto por cincuenta años. A disfrutarlo.
El líder de la banda de rock mas famosa del mundo, en plena era disco se empecina en componer algo que suene en las discotecas y lo logra.
Durante los años setenta, donde durante un período había un auge de la música disco, Mick Jagger quien era un asiduo visitante de la famosa discoteca Studio 54 de New York, tenía en mente componer algo que se pudiera bailar y que sonara en esos ambientes. En una de las sesiones de grabación de la banda, el músico Billy Preston quien era músico invitado en la gira, tomó el bajo de Bill Wyman quien no estaba en la sala y se puso a improvisar . El estilo de tocar el instrumento era diferente ya que el era zurdo y logró unas notas que captaron la atención, y se hicieron las grabaciones pero quedaron sin finalizar. Al año la banda estaba de gira en Europa, en Paris concretamente , y comenzaron a darle forma a las canciones del próximo disco , sin embargo el bajo que abría la canción no sonaba como se quería y alguien de la banda recordó el sonido que Preston había logrado y sugirió que el bajo sonara de esa manera. Luego el bajista Wyman, terminó de darle forma a una canción que sonaba como Jagger se la había imaginado para la disco. Durante esa gira, Mick había escuchado a un músico de blues que estaba tocando la armónica en el metro de Paris , y pidió a la discográfica convocarlo a las sesiones. Este músico afro americano, llamado Sugar Blue fue quien le dio un toque sutil a "Miss You". Según Jagger la letra hace referencia a la nostalgia y a la emoción y no precisamente a una mujer en particular. La canción forma parte del disco "Some Girls" lanzado en mil novescientos setenta y ocho, y tuvo muy buena recepción de la crítica. La canción fue justamente el último número uno en los rankings americanos del grupo inglés y un éxito que siguen invitando a bailar , tal como se lo imaginó Mick.
Un genio de nuestro rock , que recientemente fue homenajeado por su cumpleaños, su figura se mantiene y cruza generaciones.
Un niño criado en un hogar con todas las comodidades de una familia acomodada, escucha un sonido de una cajita musical y toma su piano de juguete y la reproduce a la perfección. Su madre lo lleva a tocar en un piano de un vecino y queda asombrada, enseguida le compra uno para su hijo que no debe tener mas de 4 años. Ese pequeño, se llama Carlos Garcia Moreno Lange, que con el tiempo se convirtió simplemente en Charly Garcia. A los trece años ya era profesor de piano, con un promedio muy alto en un conservatorio de Buenos Aires, y unos años mas tarde la rebeldía adolescente tiraba por la borda los sueños de sus padres del hijo concertista. Su inmensa capacidad compositora deslumbró a unos productores que casi por compromiso aceptaron escucharlos en un estudio musical. La "Canción Para Mi Muerte", compuesta durante su corto servicio militar donde con ayuda de un medicamento quiso provocar una reacción que le permitiera salir de ese lugar hasta esta sentirse mal, fue lo como el dijo recientemente "me llevó al estrellato en Argentina". Dueño de un oído absoluto que según la definición es "la habilidad de identificar una nota por su nombre sin la ayuda de una nota referencial" , con sus bandas como Sui Generis, Serú Giran o la Máquina de Hacer Pájaros , y su extensa carrera solita, sus declaraciones geniales y polémicas, guitarras y teclados rotos, y el salto a la pileta, Charly es tal vez la primera y última estrella de nuestro rock. En el blog hemos repasado algunas de sus composiciones geniales, y hacer una selección es difícil. En vez de eso les dejo una lista de setenta canciones, una por cada año de vida. Say No More.
La base rítmica de un tema que surgió en plena era disco , que se ha usado , imitado y copiado infinidad de veces..
A mediado de la década de los setenta, dos jóvenes afro formados en el jazz, mientras tenían sus trabajos formales intentaban vivir de la música con la formación de un par de grupos , pasando por el soul y la new wave sin mucho éxito. Por esos años la música disco explotaba y decidieron seguir la ola , convocaron a unas vocalistas y otros músicos y crearon un grupo que rebautizaron como Chic. Su primera grabación fue un single que llamaron "Dance, Dance ,Dance" el cual fue ignorado por muchos sellos discográficos , hasta que uno pequeño lo tomó y fue ampliamente escuchado en las discos de New York y la banda pudo sacar un disco, y tomó protagonismo ,con sus bases rítmicas de guitarras , bajos y teclados, trajo un cambio en esa música que estaba llegando a cansar, cosa que después sucedió. Un día, Nile Rodgers, uno de los líderes del grupo, llegó mas temprano al estudio y se puso a escribir las notas que tenía en la cabeza y compartirla con el resto del grupo y comenzaron a tocarla . Mas tarde el otro líder fundador del grupo llegó al estudio mientras estaban tocando algo que el desconocía, y le llamó muchísimo la atención ya que por muchos años ambos habían intentado construir una base de bajos como el llamaba "walking bassline" sin tener éxito. Luego le pusieron la letra, algo que refería a los buenos tiempos, de disfrutar y de alguna manera reflejaba lo que se vivía en esa década, dejando atrás conflictos sociales y políticos de la sociedad americana. La canción "Good Times" se grabó en una o dos tomas, fue un éxito arrollador, y su segundo disco vendió millones en gran parte gracias a esta canción entre otras. Chic fue protagonista indiscutible de esta era, que sentaron las bases de lo que vino después con el hip-hop, funk y dance . "Good Times" es una de las canciones más imitadas, "sampleadas" y hasta copiadas de la historia. Cualquier DJ con un su base puede estar haciendo loop por horas y mezclarla con voces para generar una canción dance. John Deacon de Queen, mientras imitaba el sonido de esta canción con su bajo, compuso la base de "Another One Bites The Dust", que fue uno de los más conocidas canciones del grupo inglés. Un grupo rap americano practicamente usó sin disimulo la base completa de "Good Times" y lanzó un rap que se hizo muy conocido llamado "Rapper's Delight". Chic amenazó con demandarlo y llegaron a un acuerdo para que en los derechos de esta canción aparecieran los miembros de Chic. Casi sin quererlo crearon el concepto de "sample" donde se toma una porción de la canción y se "paga" algo por su uso. Durante los años noventa, por estos lados , nuestro primer representante del funk local, Willy Crook, lanzó una canción con esta base llamada "Fool Times" , que suena muy bien.
A fines de los años setenta una película, su banda de sonido y la efervescencia de un estilo de música marcaron una era y éxitos de venta, ahora una banda de rock reversiona algunos de sus canciones
En el diario New York Times apareció un artículo que hablaba de un rito de grupos de adolescentes que hacían competencias de bailes los sábados a la noche, con mucho entusiasmo, preparación y vestuario. El productor de la banda pop Australiana Bee Gees al leerlo pensó en hacer una película sobre la vida nocturna en las discotecas de New York. Si bien el grupo ya había compuesto una canción bailable llamada "You shoud be dancing", que el productor pensaba en usarla en el film, le pidió que compusiera una que se llamara como el nombre del film "Saturday Nigt", a los integrantes del grupo no les pareció el mejor nombre y propusieron como nombre de la canción "Night Fever", y además compusieron otras cinco canciones que estarían en el film. La película se llamó finalmente "Saturday Night Fever" y fue un éxito sin precedentes. El disco de la banda de sonido es el más vendido de la historia en ese rubro, y el grupo Bee Gees que ya tenía una trayectoria, pasó a ser mundialmente famoso y a partir de ese momento ligado casi exclusivamente con la müsica disco, mismo que tuvieron discos anteriores de otro estilo y con muy buenas críticas. Eran épocas de noches alocadas en las discos de New York, con el famoso Studio54 , y muchas bandas que tuvieron sus años de esplendor y varias que se quisieron sumar a esta ola, hasta que hubo un hartazgo de este estilo que inclusive provocó convocatorias en distintos lugares de Estados Unidos para destruir los discos de vinilo en lugares públicos. Cada tanto aparecen versiones de estas canciones y muchas canciones utilizan samples de estos temas. Hace unos meses , la banda de rock Foo Fighters, sacó un álbum donde la mitad de sus canciones son versiones de las canciones más conocidas de Saturday Night Fever, por unas horas se transformaron en lo que ellos llamaron los Dee Gees. La música disco mismos que tuvo un paso breve, marcó una época y tuvo influencia en muchas bandas y en la música electrónica actual.
Una canción creada a partir de un cuento, sin el convencimiento que podría funcionar y con la imaginación de que un mundo mejor podría existir, se convierte en un himno.
A fines de los sesenta, The Beatles estaban practicamente separados, y John se había establecido en una mansión en Tittenhurst Park, un lugar rodeado de bosque y naturaleza. Justamente ahí fue donde se hicieron las últimas fotos de estudio de la banda. Ya separado de la banda, John había incursionado con la famosa conferencia de prensa en la cama y se había sometido a la psicoterapia con un famoso terapista y muchas de sus emociones despertadas en esas sesiones ya se habían materializado en el disco con la Plastic Ono Band. En la mansión de Tittenhurst Park, armó un estudio de grabación donde convocó a varios músicos , George Harrison entre ellos y en un ambiente relajado , pasaban días grabando y pasando buenos momentos, mientras todo era grabado para una futura película. Su esposa Yoko Ono había publicado unos años atrás un libro de cuentos y dibujos, llamado "Grapefruit", en uno de esos cuentos John encontró la inspiración para componer una canción donde se imagina un mundo sin divisiones, religiones, sin posesiones ni conflictos, algo en que soñar , un lugar mucho mejor. Al contrario de varias de las canciones del disco que estaba armando, John compuso una melodía suave en el piano , pensando que era la forma en que el mensaje llegaría a mas personas. No tan confiado de su creación le hizo escuchar el demo grabado solo con su piano sin nada mas, a dos periodistas que lo visitaron en la casa. La reacción fue inmediata: va a ser una canción muy exitosa. La canción "Imagine" encabezó el disco que llevó su nombre y más allá de otras buenas canciones de este álbum, fue la que capturó la atención inmediatamente a su salida, con un número uno en Inglaterra y tres en Estados Unidos. Pero lo más importante es la trascendencia de la canción, un himno elegida muchas veces como la mejor melodía de todos los tiempos. En Netflix existe un muy buen documental de esos años llamado "John & Yoko: Above Us Only Sky" que retrata estos años donde este disco se compuso. |
Acerca del blog
Versiones es el blog de Juan Cabral, donde escribo sobre música ya que siempre sentí curiosidad por los distintos modos de cantar o tocar una misma canción. Clásicos del jazz, rock ,del pop e inclusive tangos, vuelven a versionarse y muchas veces superan el original. Claro... que todo tiene que ver con el gusto individual, donde la subjetividad, estado de ánimo, recuerdos y lugares son los que influencian para elegir una u otra. La idea es ir compartiendo lo que fui descubriendo y escuchando .... al menos una vez por semana Archivo
Mayo 2024
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