Unos chicos Ingleses aburridos durante la pandemia, tienen una idea fantástica y ambiciosa que con creatividad y paciencia logran llevarla adelante.
Las mejores ideas y muchos éxitos son concebidos en los momentos menos pensados. Hace un par de años unos músicos británicos muy fanáticos de Oasis, como millones de personas, estaban padeciendo las restricciones provocadas por el Covid-19. Su banda llamada Breezer, de estilo indie pop, había compuesto algunas canciones pero no eran para nada trascendentes. Como es sabido Oasis se separó hace unos quince años y muchos de sus fans aguardan su vuelta , cosa que se viene postergando. Al compositor y productor del grupo, en el medio del encierro, pensó en que tenían que hacer algo con unas canciones que habían compuesto que tenían un sonido idéntico a su banda preferida. Ahi fue que pensaron en usar la voz de Liam Gallagher en vez de su propia voz, el tema era como lograban eso. Si bien tenían conocimiento de tecnología, exploraron algunos videos en Youtube con experimentos similares , y comenzaron a trabajar. Los primeros intentos no fueron buenos, porque el tiempo de generación de la voz tomaba mucho tiempo. La solución fue usar Inteligencia Artificial, tomando la voz de canciones de Liam , extrayendo porciones y "entrenando" al programa para poder reproducir una voz idéntica. El resultado de todo el trabajo se llamó "The Lost Tapes", y como ellos mismos dijeron "no aburrimos de esperar que Oasis se vuelva a juntar y decidimos usar la voz de LIam" Son ocho canciones de un álbum imaginando que hubiera pasado si Oasis hubiera emergido nuevamente con el estilo de sus canciones de mediado de los noventa. Breezer subió el video en Youtube a mediados de Abril , con el nombre de "Aisis- The Lost Tapes", y enseguida llegó a todo el mundo, con muy buenos comentarios de la prensa y por supuesto de los fans de Oasis, muchos pensaron que se trataba de ellos mismos. Como una canción dijo, el futuro llegó hace rato, será que la IA podrá componer y reproducir la voz de artistas que ya no están en este mundo? No lo sabemos...
Del primer disco que tuvo una proyección internacional , rescatamos dos canciones que fueron recientemente reversionadas por la misma banda.
Tiempo atrás acá en el blog hablamos delos primeros discos de la banda irlandesa U2, cuando a principio de los ochenta sus canciones trascendían el Reino Unido, y comenzaban a sonar en radios y subir en los rankings. El cantante de la banda y compositor Bono, recientemente casado en Irlanda, se encontraba en su luna de miel en el Caribe, sintió la inspiración de escribir algo sobre el momento que estaba pasando. La letra hablaba simplemente de dos personas que se juntan. La tituló "Two Hearts Beats As One", y se imaginó que tal vez Aretha Franklin, a quien admiraba, podría alguna vez cantarla. La banda se sumerge a grabar el tercer disco, con letras mas duras, llenos de mensajes y mas rockero que los anteriores, en la tapa del disco "War" se usó la misma imagen del niño de su disco "Boy", pero ya crecido y con un rostro que denotaba enojo. Habían alquilado un estudio de grabación en Paris, el plazo había finalizado y lo extendieron una semana, y tenían que dejarlo porque venía otro grupo a grabar, sin posibilidad de volver a extenderlo. Pero faltaba una canción para completar el disco y tenían poco tiempo. Es sabido que los integrantes de la banda son creyentes cristianos, y Bono tenía la biblia y leyó el salmo 40 David ,y escribió la letra y la música. La canción se llamó "40" y el mismo Bono comentó que "estuvieron diez minutos para escribirla, diez minutos para grabarla, diez minutos para mezclarla y diez minutos para reproducirla, y no tiene nada que ver con que la canción se llame 40". Pura coincidencia. Esta canción se volvió un clásico de los recitales de la banda, donde solían cerrarlos con este tema. Hace un mes la banda sacó el disco "Songs of Surrender", una colección de cuarenta canciones reinterpretadas en formato acústico, donde reimaginaron sus canciones , muchas de las cuales fueron compuestas cuando eran jóvenes, hoy con la experiencia, y la madurez eligieron hacerlas de nuevo. Las dos de las que hablamos están en este disco.
Una grabación perdida de una colaboración con una estrella de pop, es la inspiración para una gran canción de uno de los músicos mas relevantes del rock.
Nacido de una madre actriz y un padre productor de TV, y criado en Los Angeles, Lenny Kravitz vivió desde chico el mundo del espectáculo. Sus padres tenían entre sus amigos que frecuentaban músicos famosos, y el pequeño Lenny vivió rodeado de personajes del jazz y el soul. Pero hubo un evento que lo cambió para siempre, y fue un recital en el Madison Square Garden del grupo de los hermanos Jackson, Jackson 5, donde Michael siendo muy pequeño ya deslumbraba en aquella formación, para Lenny aquello fue mágico. A principio de los noventa, Lenny comenzaba a llamar la atención la crítica con su segundo álbum, con su estilo retro que combinaba sonidos clásicos de rock , con soul y una muy cuidada puesta en escena en sus shows, Luego vinieron los grandes éxitos y su fama transcendió fronteras. Fue casi a principio del nuevo siglo que surgió hacer un proyecto en conjunto con su ídolo de la infancia, Michael Jackson, ambos estuvieron trabajando un los famosos Marvin's Room Studio y compusieron una canción llamada "It Can't Make it (Another Day)". Sin embargo la canción recién fue publicada en el disco póstumo de Michael Jackson muchos años despues. Lenny estaba inmerso trabajando en su nuevo disco y recordaba que tenia fragmentos de la voz de Michael de una canción que habían ensayado y pensó en incorporarla a una de sus canciones. Así fue que la voz del rey del pop, aparece en la canción "Low" y cuando fue lanzada como single, muchos preguntaban porqué el trataba de imitar a Michael, cuando en realidad la voz es del propio Jackson. La canción es una de las más escuchadas de su repertorio y estuvo al tope de los rankings , también David Guetta hizo una versión remix. De alguna manera Lenny se dio el gusto de homenajear al músico que había influido muchísimo en su carrera.
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Una canción de uno de los mas grandes músicos de nuestro rock nacional, escrita en los setenta sorpresivamente es usada por un reconocido músico de hip-hop.
Es sabido que Luis Alberto Spinetta incursionó por múltiples estilos durante su larga y valorada carrera, fueron muchas las bandas que armó y desarmó. En los setenta junto con Black Amaya , David Lebon y Carlos Cutaia, formaron la banda llamada Pescado Rabioso, su estilo combinaba rock, blues , y algo de rock psicodelico, y la banda transmitía tanto en sus discos como en vivo mucha energía. El segundo disco del grupo se llamó "Pescado 2", y una de sus canciones estaba inspirada en un árbol, el Petiribi que según la definición que encontré en Wikipedia es "un árbol maderable valioso, endémico de Sudamérica: Bolivia, Ecuador, Paraguay, Brasil, Argentina. La canción se llamó "Amame Petiribi", que arranca con una base sólida de guitarra y bajo , una letra corta donde repite reiteradamente "amame petiribi" y luego da lugar a la parte instrumental que ocupa mas de la mitad de la canción. A propósito Spinetta decía en el libro que acompañaba con dibujos y escritos el interior del disco " "Cuando hacemos Peteribí en vivo decimos que la letra es corta pero el contenido es largo (…) Los cuerpos son árboles. Las mentes son árboles insertos en la tierra, bebiendo el mar, respirando el cielo y heredando las flores". Hace muy poco, dos meses antes que empiece la peor crisis humanitaria debido al Covid 19, el famoso rapero Eminen lanzó un disco, que no tuvo anuncios o adelantos previos, donde había una canción dedicada a su padrasto, donde sonaba igual que "Amame Petiribi" . En verdad, lo que hizo el rapero fue tomar la base del tema y usarlo legalmente como sample con la autorización de los músicos y herederos de Pescado Rabioso quienes compusieron la canción hace cincuenta años. Al escuchar "Stepdad" de Eminen, uno reconoce al instante la canción de Pescado, la base de guitarra, bajo , piano , aunque la letra no tiene nada que ver con el significado que Spinetta y sus amigos habían escrito. Ellos hablaban del amor y Eminen del odio. Spinetta nunca se imaginó que su obra trascendería no solo generaciones sino también fronteras y estilos de música, seguramente estará muy orgulloso esté donde esté.
Una obra de arte, concebida hace cincuenta años como un álbum conceptual , grabada con el mejor sonido posible de su época, ha roto todos los records, y sigue tan vigente como en su debut.
La banda inglesa Pink Floyd se encontraba en una transición, uno de sus fundadores había salido de la banda en forma traumática y el grupo se refugiaba en componer nuevos discos. El bajista Roger Water tomó el rol de componer letras para lo que sería su nuevo disco. Definido como álbum conceptual, las letras hablaban de temas mundanos , cotidianos y hasta profundos como el paso del tiempo, la locura, y el dinero. Decididos a lograr un sonido único, eligieron Abbey Road, una consola enorme y un ingeniero de sonido que ya había trabajado con The Beatles. Con un telón de fondo donde los detalles sonoros, lentos, los susurros, la voz dulce de David Gilmour, los coros y efectos de sintetizadores crean un clima único. Un hilo conductor nos va llevando por distintas sensaciones, desde el latido inicial , y "Breathe" , que es el relato de un hombre mayor que le habla a un bebé recién nacido y le dice que respire, pasando por "Time" donde Waters habla del inevitable paso del tiempo y el escaso valor que se le da hasta que es muy tarde. Para este tema se usaron relojes verdaderos de un anticuario que se grabaron en forma separada y que luego fueron mezclados en estudio . Y en todo el disco se grabaron sonidos de la vida real que se usaron para crear efectos de sonidos y texturas. Otro de los detalles es que se armó un cuestionario con distintas preguntas que se le hacían a toda persona que aparecía en el estudio, cuyas respuestas eran grabadas. Músicos famosos, actores, y hasta el conserje del estudio opinaron y quedaron inmortalizados con palabras sobre la vida, la locura, la vejez, y otros temas mundanos. Esas grabaciones aparecen sutilmente en varias canciones del disco. "The Great Gig in the Sky" comienza con una suave melodía de piano, donde se incorpora la guitarra para dar lugar a una performance vocal de Clare Torry, considerado uno de los mejores de toda la historia del rock. Las últimas cuatro canciones están todas tan bien sincronizadas que dan espacio a distintas sensaciones , finalizando como si fuera un corolario de la vida, con "Eclipse" Un año antes de salir a la venta el disco que superaría todas las expectativas de la banda, Pink Floyd lo presentaba en vivo con una puesta de escena que incluía casi nueve toneladas de equipos, consola de veintiocho canales y sonido cuadrofónico, luego hizo la grabación definitiva en estudio. Cuenta el mismo Roger Water, que ya con el disco finalizado , lo llevó a su casa y lo compartió con su esposa , quien lloró luego de haber terminado de escucharlo. Ahí el se dio cuenta que el disco estaba transmitiendo algo especial Todos los miembros de la banda sabían que habían creado algo diferente y que era realmente bueno, pero nunca se imaginaron hasta donde llegaría su creación. El disco "Dark Side Of The Moon", hasta hace unos años llevaba vendido, mas de cuarenta millones de copias, ha permanecido en los rankings por dieciocho años, y cada tanto cuando aparece algún aniversario o campaña , vuelve a subir en los rankings. Su arte de tapa es el símbolo inconfundible que ya es un ícono y que fue realizado por un estudio que diseño otras portadas de discos de la época. Miles de músicos en el mundo, han sido influenciado por este disco único, y durante los años setenta e inicio de los ochenta era el disco preferido para ser usado en pruebas de equipos hi-fi. Muchos más son los que año tras año descubren o redescubren esta obra de arte que recién cumplió sólo cincuenta años y se mantiene tan vigente como entonces.
Luego de el reencuentro con su banda que conquistó latinoamérica, el músico se toma el tiempo suficiente para crear sin presiones y en libertad su último disco.
Una vez terminada la impresionante gira y reencuentro de Soda Stereo, "Me Verás Volver" , a diez años de su disolución, Gustavo Cerati había decidido tener un tiempo de tranquilidad y hacer algo que no tenga que ver con la música. Fueron muchos meses donde se conectó con el campo y la naturaleza. Si bien el tenía en mente hace run disco, quería recargar pilas, y encararlo de otra manera, sin presiones y con mucha libertad. Estuvo un tiempo en una casa en Uruguay muy cerca de la playa, viviendo la naturaleza a pleno y tormentas increíbles, alejado del ruido de la ciudad. Seguramente eso lo inspiró para el título de lo que sería , sin saberlo, su último disco, El comentaba "fui haciendo las canciones me di cuenta que todas estaban, de alguna manera representando una especie de trayecto en relación a las fuerzas de la naturaleza on las cuales tenía mucho contacto al momento de escribirlas". Una de ellas y es la que le abre el disco se llama "Deja Vu", y Gustavo comenta que "la canción es autoreferencial, la canción fue caminando sola hacia un lugar, como si yo hubiera pasado por ahí muchas veces". En el disco el folk , algo que el escuchaba mucho en los setenta, y lo acústico está presente en casi todas las canciones. En "Deja Vu" Gustavo dice "escribí sobre ella pensando en un hit. Un hit es como un deja vu, de alguna manera te toca en un lugar que ya parece que hubiera andado por ahí. " Tal vez tenía razón, la canción es la que mas estilo Soda Stereo tenía del disco, sin embargo según él "hay deja vues por todo el disco". Todas las canciones del disco salieron de un tirón, en casi un mes y poco, luego el disco estuvo excelentemente producido, con muy buenos músicos. Sin saberlo Gustavo pasaba por el presente, vuelve al pasado y viaja al futuro, con su última obra.
El sueño de ser un artista que parece desaparecer, finalmente ocurre con un inesperado éxito.
Una chica nacida en Ohio, que se mudó a Los Angeles, durante su paso por el colegio frecuentemente sufría burlas por su peculiar voz, algo ronca y ríspida. Tomó clases de piano, y se acercó al R&B, y luego al hip-hop. Mientras escribía canciones para un amigo, fue invitada a una sesión de grabación para colaborar con los coros, en esa sesión el cantante faltó y ella grabó sus voces, y una cinta únicamente con su voz comenzó a circular y llamó la atención de una discográfica. Esta jóven que tomó el alias de Macy Gray, firmó su primer contrato con Atlantic Records, grabó su primer disco. pero la compañía decidió que no lo iba a publicar. Era mediados de los noventa y Macy quedó totalmente desilucionada y deprimida, pensaba que su carrera había terminado. Comenzó a trabajar como secretaria , se casó con un corredor inmobiliario y tuvo tres hijos. Decidida a no rendirse, volvió al ruedo, luego de golpear puertas firmó con otra compañia y la separación de su esposo la llevó a escribir algo profundo, donde hablaba que, mismo que intentaba dejar el pasado atrás, no era para nada fácil. La canción "I Try" fue parte del disco "On How Life Is" donde había buenas canciones de funk, soul , R&B , y Macy tuvo que convencer a la discográfica que no lanzara la canción como un single, sino que fuera el disco entero, que fue un suceso. "I Try" tuvo amplia difusión, acompañada por un video filmado en el Central Park y otros lugares típicos de New York, difundido mucho en MTV en épocas donde YouTube no estaba ni en nuestros sueños. Macy logró el Grammy a Mejor Voz Femenina Pop al año siguiente del lanzamiento del disco. El intento y la persistencia de ella hizo posible que alcanzara su sueño de una artista exitosa, su disco "Big" unos siete años mas tarde fue muy elogiado y excelentemente producido. Escuchemos esta canción y una versión muy bien lograda y que me encanta de nuestra artista local Nina Portela.
Una canción pensada para el futbol , imaginada para se cantada en logros importantes, que se convirtió en un himno de toda celebración deportiva.
A fines de los setenta, Freddie Mercury junto con sus compañeros del grupo Queen estaban preparando su próximo disco, y mientras escribía pensaba en el fútbol, y quería hacer algo que sonara contagioso para los fans, que se identificaran con eso y la cantaran en los partidos. Cuando le mostró la canción a sus compañeros, ellos pensaban que la letra sonaba un poco arrogante, por que la canción decía que eran los campeones del mundo. Claro que eso duró poco porque, se dieron cuenta que no hablaban de ellos mismos sino en general, de todos. "We Are The Champions" fue lanzado en un disco simple junto con "We Will Rock You" , y rápidamente ambas canciones se hicieron muy conocidas. La prensa inglesa consideró la canción bastante arrogante y no le dio la transcendencia que tendría luego. Desde su lanzamiento, fue la canción con la que Queen cerró todos sus conciertos, alguno de ellos memorables como el Live Aid de Wembley . Hace unos diez años la canción ingresó al salón de la fama de los Grammys. Pero lo más importante, es que se convirtió en un himno de todas las celebraciones deportivas, su letra teatralizada, los coros y la invitación a cantarla han hecho de esta canción la más pegadiza de todos los tiempos según una investigación de la Universidad Goldsmiths de Londres. Que mejor manera de homenajear a nuestros campeones del mundo sino es con esta canción!.
Un dúo formado casi de casualidad en su tercer disco, una de sus canciones se vuelve un éxito mundial del synth-pop.
En los ochenta un músico británico fundaba un grupo y luego de su primer disco se iba, sin saber el éxito que este grupo tendría después. El grupo era Depeche Mode . A Vince Clarke le gustaba cambiar, y se embarcó en un proyecto con una cantante y publicaron dos discos con muy buena repercusión en Inglaterra, sin embargo quiso nuevamente emprender otra cosa. Se le ocurrió grabar un disco con distintos vocalistas, y si bien sacaron distintos singles, el proyecto quedó trunco. Mas tarde quiso retomar el proyecto y publicó un aviso en una revista Británica llamada Melody Maker, buscando a un vocalista. Dentro de los interesados, que fueron muchos, el participante número treinta y seis, sorprendió a Vince luego de cantar dos canciones donde se veía la habilidad del cantante en hacer tonos altos, bajos y falsetes. El proyecto de hacer un disco con distintos cantantes se transformó en el nacimiento de un dúo , que se llamó Erasure. Sus primeros singles no llamaron mucho la atención, pero el segundo disco mostraba a un grupo que combinaba pop, sintetizadores , soul y dance. Las canciones comenzaron a sonar mucho por Europa, y una extensa gira acompañó su segundo disco. El tercer álbum llamado "The Innocents" fue quien puso a Erasure en el plano mundial, conquistando también Estados Unidos . Uno de sus grandes éxitos fue "A Little Respect" , una canción que habla de un pedido de reconciliación de una persona que ha sido herida en una relación. compuesta por el vocalista Andy Bell. quien fue uno de los primeros artistas pop que se mostró abiertamente gay. Tal vez por eso la canción fue tomada como un himno dentro de la comunidad gay en el mundo. Erasure tuvo muchos otros discos y junto con Pet Shop Boys y Depeche Mode lideran el ranking de discos vendidos de tecno pop. Otros cantantes versionaron muy bien esta canción, como Kevin Johansen que hace algo acústico y Ataque 77 en español "Un Poco de Respeto".
Una dupla de compositores cumple su sueño con uno de sus ídolos de adolescencia, que canta una de sus canciones.
En el blog hemos hablado en otras oportunidades de Roy Orbison, aquel músico que tuvo su época de gloria en los sesenta y que fue rescatado muchos años después. Músico desde joven, comenzó a incursionar en la música Country,pero luego se volcó al rockabily y a principio de los '60 tuvo su primer éxito. En 1964 escribió "Oh Pretty Woman" , que se volvió un éxito en Estados Unidos ,como en Inglaterra y otros países Europeos, vendiendo mas de 7 millones de discos ese año. Durante esa década tuvo muchos temas en los primeros puestos y era uno de los pocos que podía hacerle sombra a la fiebre de la beatlemanía en USA. Cuando estaba en el pico de su carrera, en un accidente de motos muere su mujer y dos años mas tarde se incendia su casa y dos de sus tres hijos mueren En los ochenta, dos compositores, Tom Kelly and Billy Steinberg , eran muy conocidos en la industria de la música, habían escrito temas que se convirtieron en hits para Madonna, Cindy Lauper y otros artistas. Ambos gustaban mucho de la música de sus infancias y adolescencia, y uno de sus más admirados músicos era Roy Orbison. Inspirados en su música escribieron un tema con el estilo de las canciones de Roy, sin ninguna pretensión. Un año mas tarde fueron a un club en California donde Roy tocaba, estaba lleno de gente no tan jóven, gente que queria ver al cantante de antaño que había estado muchos años sin apariciones en público, de alguna manera algo olvidada para el común de la gente. Esa noche Roy cantó como en sus mejores años y Tom y Billy quedaron deslumbrados, al punto que al final del show fueron a encontrarse con él , hablaron con su manager , pero no tuvieron éxito. Unas semanas mas tarde fueron a un estudio de grabación donde Roy estaba grabando y se encontraron con él , le comentaron que querían hacer algo juntos y lo invitaron a su casa. Roy asistió a la cita, y le mostraron aquella canción que habían compuesto, que se llamaba "I Drove All Night" , a Roy le gustó e hicieron una grabación de dos tomas, con la idea que luego podían hacer un disco con otras canciones. Unos meses después Roy (que no tenía contrato con ninguna discográfica), fue contratado por un gran sello y con la producción de Jeff Lyne se lanzó el disco "Mistery Girl" que puso a Roy en los primeros planos nuevamente . Tom y Bill comenzaron a colaborar en el nuevo disco de Cindy Lauper y le hicieron escuchar esa grabación que habían hecho con Roy, y Cindy decidió tomarla e incluirla en el álbum " A Night To Remember" Mientras tanto Roy Orbison sería parte de la banda llamada "Traveling Wilburys". Y cuando Roy estaba gozando nuevamente de la fama y del reconocimiento del público y sus pares, luego de una gira por Europa, mientras manejaba tuvo un ataque cardíaco y falleció a los cincuenta y dos años. Los amigos Tom y Bill, lamentaron como tantas otras personas la partida de Roy, y un tiempo después en conversaciones con un productor, le comentaron que ellos tenían un demo de una grabación con Roy de una canción, se la hicieron escuchar y decidieron grabarla con un poco más de producción e incluirla en un disco póstumo de Roy Orbison. Tom y Bill nunca se hubieran imaginado que su ídolo de la juventud iba a cantar un tema compuesto por ellos. La canción "I Drove All Night", conserva la esencia de la voz de Roy, su estilo y un sonido renovado gracias al aporte de Jeff Lyne.
El reciente comercial de TV sobre nuestra selección de fútbol, hizo llegar una canción compuesta hace tiempo por una dupla genial, a muchísimos nuevos oyentes.
A fines de mediado de los ochenta, luego de que Charly García publicara su "Piano Bar", viajó a New York y se encontró con su compañero de andanzas de Serú Giran, Pedro Aznar. La New Wave estaba en su apogeo, Charly había trabajado con máquinas de ritmo en Clics Modernos y Pedro venía de dejar la banda de jazz del prestigioso Path Metheny, y vivía en la gran manzana. Pedro, músico prolífico y disciplinado, estaba entusiasmado con las máquinas de ritmo y las computadoras, le mostró a Charly algunas de sus creaciones y decidieron comenzar a crear algo juntos, algo improvisado. Charly comentó "Me gusta trabajar con Pedro, aunque cuando toco sus temas, tengo que leer doscientos mil acordes en un segundo", El minidisco, se formó con seis canciones, y sobre el título del proyecto, Charly dijo "Lo llamamos Tango porque pensamos que es un buen nombre para un grupo: es argentino, es moderno, es internacional, es antiguo”, El álbum fue grabado en los estudios Secret Society y Unique Recording Studios de New York , con Joe Blaney como ingeniero de sonido, quien ya había trabajado con Charly. La apertura del disco fue con "Angeles y Predicadores", que arranca con las voces de un predicador que aparecía en la TV en Estados Unidos, pero su gran tema fue "Hablando A Tu Corazón", que se convirtió con el paso del tiempo en un clásico, y que es el que fue redescubierto por muchísimos jóvenes en el reciente comercial de TV. El disco fue presentado en la discoteca Palladium a sala llena en varias funciones y lo siguió una mini gira. "Tango" fue la primera gran colaboración entre dos músicos inmensos, con Pedro Aznar volviendo al pop, destacándose su voz, la maestría de su bajo, las composiciones. Charly en los próximos años lanzaría otros discos memorables. La continuación de esta colaboración, recién ocurrió con "Tango 4", pero eso es otra historia.
Un artista que compone una canción para otro músico que termina convirtiendose en uno de sus más grandes temas.
Cuando lanzó su tercer disco, "el jefe" Bruce Springtsteen , ya era un suceso., en sus anteriores discos con la E-Street Band, se había movido con rock&roll, jazz y soul, Era reconocido por sus pares, y por la crítica. Con letras profundas que hablaban de los problemas del día a día de gente común, muchos trabajadores se identificaron con él El disco "Born tu Run" tuvo críticas excelentes y amplia difusión, y Bruce apareció en la portada de las revistas Time y Newsweek en la misma edición , destacando su figura. Sin embargo el disco no contaba con single que fuera un hit, aunque eso no impedía que vendiera discos o llenara conciertos. Un día Bruce estaba en New Jersey con Joey Ramone, y el le pidió que escribiera una canción para su banda , The Ramones, y Bruce comenzó a escribir algo que hablaba de una persona que tenía deseos de vivir viajando pero a la vez quería estar con su familia al mismo tiempo. La canción se llamó "Hungry Heart" , y el productor al escucharla le dijo que era demasiado buena para que otro la cantara. El tema salió como un single y fue un gran éxito, y parte del disco "The River" que también tuvo un tema con el mismo nombre. "Hungry Heart" fue votada como mejor single por la revista Rolling Stone, el año que salió, y se ha convertido en un himno en los conciertos de Bruce donde la primera parte es cantada por el público. El tiempo le dió la razón, haber cedido esta canción hubiera sido un gran error.
La partida del líder de una de las bandas más populares en toda Latinoamérica, nos lleva a repasar algunas de sus canciones memorables,
Todo nació con unos amigos que cantaban en un coro y que querían ser músicos y comenzaron a dar sus primeros pasos casi en el inicio de los ochenta. Originarios de Mendoza, la leyenda urbana cuenta que unos años antes hubo un hecho que tuvo cierta repercusión mediática donde una familia tomó una foto en el Puente del Inca, y al revelar la foto en papel, aparecieron unas criaturas verdes extrañas. Horacio Cantero, que tocaba el bajo y cantaba en ese proyecto de grupo tuvo un sueño con ese hecho y decidió llamar a su banda "Los Enanitos Verdes", y el pasó a ser conocido como Marciano. Luego de presentaciones en bares y clubes en su provincia , se presentaron en el festival de Rock de La Falda donde fueron nominados como grupo revelación. Ya en Buenos Aires, donde se trasladaron para crecer y vivir de la música, los primeros años fueron duros, viviendo en un depósito de luces del productor musical y con un primer disco que tuvo escaza repercusión, aunque contaba con un tema muy bueno con la participación de David Lebon. Confiados en su propuesta, talento y ganas, no se rindieron y firmaron con CBS su primer contrato, donde Andrés Calamaro fue su productor. El segundo disco llamado "Contrareloj", tuvo varias canciones exitosas, una gran difusión radial y múltiples giras. Luego vinieron los sucesivos grupos y presentaciones fuera del país, donde lograron ser tan populares como otras bandas de los ochenta que conquistaron Latinoamérica (Soda, Virus, Zas,etc).. Sus canciones describían situaciones personales, de la banda o de nuestra sociedad : "Aún Sigo Cantando" como dijo su guitarrista "en las buenas , en las malas , aún sigo cantando, es una declaración de principios" "Amigos", la compuso cuando nació su hijo e imaginándose cómo sería su relación con él cuando creciera - Esta canción se convirtió en un himno a la amistad. Y el mismo cuenta que una vez caminando por Bogotá y en el patio de la escuela un coro estaba cantando la canción y pensó en entrar y sumarse , pero finalmente desistió y siguió su camino "Tus Viejas Cartas" , el comentó a la revista Rolling Stone "Esas cartas tenían la urgencia del momento, y, de alguna manera, “Tus viejas cartas” es una forma de recordar a la persona a la que le escribí cuando estaba de gira. Los Enanitos Verdes, no sólo fue una banda de los ochenta, salvo un par de años de pausa, no detuvieron sus giras, ni presentaciones , ni lanzamientos de discos. Hoy es la banda Argentina con más reproducciones en Spotify. Marciano se estableció en Mexico durante muchos años logrando mucha popularidad y cariño del público, con presentaciones con la banda frecuentes en Estados Unidos . La sencillez , carisma , talento y honestidad de Marciano hizo de el una persona muy querida y reconocida en el ambiente de la música y en el público que disfrutamos sus canciones y que lamentamos su partida.
El primer disco solista de un gran músico, luego de la separación de una de las bandas más grandes de nuestro rock, es una bocanada de aire fresco y libertad .
No fue de inmediato, tampoco a las apuradas. Gustavo Cerati, luego del último concierto de Soda Stereo, no especuló ni tampoco sintió la necesidad de lanzar un disco. El pensaba que la separación se asemejaba al fin de una relación de pareja y había tiempos para hacer algo por su cuenta. Sin embargo tenía ganas de volver a trabajar, de componer, con toda la libertad, sin la presión de tener que satisfacer a un determinado público. En la etapa final de Soda, el ya tenía bosquejos de canciones que había compuesto con su guitarra y la computadora, pero comenzó a darle forma a nuevas canciones. Convocó a músicos, algunos ya habían trabajado con el anteriormente y como el mismo dijo "yo necesitaba concretar, hacer canciones, empecé a sentir eso y salieron como bocanada, fue como imparable el asunto. Justamente "Bocanada" fue el título del disco y de una de sus canciones de la que ya hablamos en otro post. Gustavo comentó "hay un tono general como melancolía eufórica, además reemplazo el rock con el funk". La tapa del disco lo muestra lanzando humo , como si fuera una bocanada de aire fresco y libertad. Una de los temas se llamó "Beautiful", donde se inspiró en el soul de Marvin Gaye, donde el comentó "la idea de componer está muy asociada al sufrimiento, acá hablo de lo feliz que se puede ser durante el proceso de composición". Su hijo Benito muy pequeño por entonces, vivia rodeado de instrumentos y música. Gustavo le hizo escuchar una canción y le preguntó que nombre le pondría, el dijo "Río", y así fue como nació "Río Babel", con una base rítmica tipo hip hop . La canción repite una y otra vez "fluir", tal vez representando lo que Gustavo quería expresar: que fluya, como la vida misma. Tomé fragmentos del libro "Cerati en Primera Persona" de Maitena Aboitiz.
Un viaje a Etiopía, estadías en el desierto y su ciudad natal en Irlanda inspiran a una de las mejores canciones de una gran banda.
A mediado de los ochenta U2 ya había conquistado Europa , y luego de sus discos "Under A Blood Red Sky" y "The Unforgettable Fire", también Estados Unidos y su nombre ya era conocido en todo el mundo, aunque aún faltaba lo mejor. Por esos años se realizó e concierto benéfico "Live Aid" en Africa, y la banda fue parte. Era su primer viaje a tierras africanas, donde aprovecharon a visitar aldeas, desiertos y pasar muchos momentos en un ambiente totalmente distinto de donde venían. Bono y el resto de la banda habían nacido y crecido en Irlanda, donde durante muchos años tuvo momentos políticos complicados con atentados terroristas, principalmente en el norte en Belfast, donde hay una marcada división social y religiosa en sus barrios: los ricos, los protestantes, los católicos, los asalariados mas bajos,etc. Practicamente sabiendo en que barrio la persona vive uno puede adivinar su religión, pensamientos y sus ingresos. De alguna manera es el lugar donde las calles no tienen nombre. Bono contrastó esta situación con la de Etiopía, donde por el contrario no hay división en las aldeas. Ya en los estudios de grabación, compuso una canción con una letra que invitaba a ir a otro lugar , a uno donde las calles no tienen nombre, Según el mismo " compuse un bosquejo de un lugar, tal vez un lugar espiritual, romántico, un lugar donde donde los valores de la ciudad y de la sociedad no te detiene" . La canción se llamó "Where The Streets Have No Name". Si bien la letra fue algo que fluyó bastante rápido a Bono, la grabación y sus arreglos fueron tan complejos, que el productor y su equipo tuvieron que repetir las tomas y escribir los arreglos en un pizarrón porque no conseguían lograr los arreglos deseados, en una canción con largos y pronunciados cambios de compases. El cuarenta por ciento del esfuerzo de grabación del disco se lo llevó solamente esta canción. "Where The Streets Have No Name" tiene introducción con un órgano y guitarra, se extiende casi por dos minutos y fue excelentemente elegida para abrir el álbum que se convirtió en un ícono: "The Joshua Tree", El video fue grabado en la terraza de un edificio en Los Angeles, emulando de alguna manera a The Beatles con su icónico concierto sorpresa. El disco que más rápidamente llegó al número uno en Estados Unidos y Europa. Le llevó sólo un día vender veintiocho millones de copias. Ese disco, por supuesto se merece un post separado. Escuchemos esta gran canción.
Un artista compone una canción adelantada en el tiempo sobre la dependencia de la tecnología en nuestras vidas, que hoy tiene plena vigencia.
Un joven nacido en Manchester, Inglaterra a fines de los sesenta, cuya madre era cantante de Jazz, desde pequeño tuvo su cercanía con la música. Sus primeros recuerdos lo llevan a largos viajes con su mamá en distintas presentaciones de sus shows. Rebelde adolescente, se fue de su casa e hizo todo tipo de cosas para sobrevivir por su cuenta, durmiendo muchas veces en plazas o parques. Un día tuvo una pelea fuerte y se dio cuenta que tenía que reencausar su vida y volvió a su casa. Convencido que la música era lo suyo Jay Kay, comenzó a componer y armó un proyecto que lo llamó Jamiroquai, convocando a distintos músicos, para tocar funk y acid jazz. Un demo que entregó a una discográfica llamó la atención, y el single "When You Gonna Learn" se convirtió en un éxito. Luego vendría su álbum debut, y otro disco mas, donde sus canciones bailables le dan mucha popularidad en Europa y también en Japon. A mediado de los noventa, Internet comenzaba a expandirse por el mundo llegando a los hogares, y Jay Kay compone una canción donde advierte sobre los peligros de los excesos en el uso de la tecnología, el uso engañoso y el control sobre la humanidad. La canción se llamó "Virtual Insanity", y al otro día que la canción comenzó a sonar , coincidentemente en todas las portadas del mundo apareció la noticia de oveja "Dolly" creada geneticamente. El video de "Virtual Insanity" que salió un mes después, llamó y llama mucho la atención por los efectos que se usaron (sin computadoras) donde el piso se mueve mientras los otros objetos quedan en el mismo lugar, mientras el cantante está bailando, es uno de los mejores videos jamás realizados. El tema fue el principal del disco "Traveling Without Moving", que fue un éxito en todo el mundo, vendiendo millones.. La canción fue galardonada con un Grammy, así también como su video. Exactamente veintisiete años atrás, Jay Kay fue un adelantado al describir como la tecnología podía manejar nuestras vidas, hoy tiene relevancia total, pensemos cuanto dependemos de nuestros celulares, redes sociales, y demás. Jamiroquai nos invitaba y nos invita a bailar con esta joyita.
El gran guitarrista que se parecía extraviado en su carrera musical, encuentra la inspiración y la creatividad en su mejor disco solista en mucho tiempo.
A fines de los setenta el músico británico Eric Clapton estaba en su gloria, había formado parte del grupo Creams, y Yardbirds, colaborado con grandes bandas , varios discos solistas con muy buena recepción , entre ellos "Slowhand" que vendía millones en el mundo. Por otro lado sus adicciones y excesos lo tenía muy mal a Eric, dejó una sustancia para meterse en otra y finalmente logró desintoxicarse, al punto de crear su propia clínica de rehabilitación. Sin embargo en los ochenta, Eric tal vez en un intento de expandir su público o modernizarse empezó a realizar discos sobreproducidos, usando sintetizadores, máquinas de ritmo y cosas que eran ajenas a su estilo. En vez de convertirse en un rock star masivo, al contrario su audiencia se redujo y sus discos no fueron bien recibidos. El disco retrospectivo , con una compilación de canciones de su carrera llamado "Crossroads" fue el que encendió la idea de que había que volver a las fuentes. Eric sin encasillarse comenzó a trabajar en un nuevo disco que llamó "Journeyman", con buenas letras en colaboración con un músico que ya lo había acompañado antes, en el virtuosismo de su guitarra y la potencia de su voz se notaba que el músico volvía a ser el de antes. Eric estaba en un momento complicado con su esposa, quien había sido inspiración de varios de sus éxitos, y ambos simulaban que no pasaba nada, que estaba todo bien. La canción con la que comienza el disco se llamó justamente "Pretending" y fue el éxito principal del álbum. Al poco tiempo Eric se divorció de su esposa. Este disco muy bien recibido por el público fue el que puso a Eric nuevamente en escena, luego vinieron sucesivos éxitos, su famoso álbum acústico en la MTV, giras por todo el mundo y varios premios. Eric es el único músico de la historia que fue inducido al Rock And Roll Hall Of Fame en tres oportunidades, como solista y como miembro de Creams y Yardbirds.
La respuesta al pedido de una compañía discográfica, y de otras personas allegadas a una gran cantante que se fue muy jóven, se convierte en una canción multipremiada.
Amy Winehouse tuvo una infancia y adolescencia compleja. Su padre fue uno de los que más influyó en su acercamiento y gusto por la música, pero también el abandono de hogar , y su ausencia en los momentos que más lo necesitaba, forjó esa personalidad y rebeldía de Amy. De chica en su casa sonaba jazz y canciones de los años cincuenta, y para ella era natural cantar todo el tiempo. Su admiración por el jazz clásico y Frank Sinatra entre otros influyeron mucho en la forma de cantar y su repertorio. Aún estando en el colegio formó una banda que tocaba en pubs de Londres, a los dieciséis años su novio le envió una grabación de una presentación en vivo cantando con una banda de jazz y firmó contrato con una importante compañía discográfica. Su primer álbum llamado justamente "Frank", fue muy elogiado y el nombre de Amy aparecía como una figura prometedora, su voz sonaba como la de las grandes divas del jazz pero con un toque moderno en sus canciones. Al mismo tiempo que la popularidad crecía, comienzan sus problemas al establecer una relación con un jóven adicto, quien la acompaña por un mal camino, luego de un tiempo la relación se rompe y Amy entra en un pozo depresivo, con consecuencias físicas, su entorno, familia y amigos tratan de ayudarla. Amy conoce a un productor musical, el talentoso Mark Ronson, y juntos van a trabajar en un nuevo disco. Un día iban caminando juntos por New York y Amy lanzó una frase haciendo alusión a cómo los gerentes de la discográfica la presionaban para ir a un centro de rehabilitación, y sonó como si fuera una canción: "They tried to make me go to rehab, I said no, no, no" . Mark le dijo de donde había sacado eso, y ella le dijo que fue algo que le vino a la mente, entonces él le pidió que escribiera sobre eso. En cinco minutos la canción estaba lista y Mark convocó a un grupo de R&B de Brooklyn, del que era fanático para grabar con ella. La canción se llamó "Rehab" y fue la principal y más difundida de su disco "Back To Black", dedicado casi entero a su ex novio y el despecho que había sentido . El disco fue nominado para los Grammys, y Amy no pudo asistir a la ceremonia (en USA) ya que le denegaron el ingreso por sus temas con las drogas. Entonces al mismo tiempo que se daban los Grammys, Amy hacía una performance en vivo en un lugar muy bien preparado en Londres, y asistió "remotamente" a la ceremonia cuando se entregaron los premios. Esa noche Amy fue la gran ganadora de los Grammys, se llevó seis premios incluyendo mejor artista, disco, canción, etc. Tiempo después Amy volvió con su ex, juntos fueron a una rehabilitación que no resultó efectiva. El resto es historia.
Un ex-beatle que con su nueva banda el se reencontró con entusiasmo y el reconocimiento, y una de sus canciones más admiradas.
Cuando Paul McCartney dejó los Beatles a comienzo de los setenta y el mundo se había sorprendido de la noticia, lo que vino inmediatamente no fue necesariamente el mejor momento del músico. Paul se instaló con su familia en el campo, y empezó a componer canciones para su primer disco solista. Sus ex compañeros estaban embarcados en proyectos que daban que hablar, John con Yoko Ono y su banda, y George había lanzado el inmenso álbum triple "All The Things Must Pass". Había mucha expectativa de lo que Paul iba a crear, sin embargo sus primeros dos discos en solitario no fueron bien recibidos, sonaban muy diferente a lo que el público estaba esperando, casi como discos indie, con algunas melodías interesantes. Paul en algún momento pensaba que había fracasado, que él sin la banda no era nada. Su mujer Linda, con quien componía junto, lo alentó a seguir y surgió la idea de convocar a otros músicos Un guitarrista de la banda Moody Blues , un baterista, Linda en teclados y así nació Wings. A partir del segundo disco, Wings no paró de crecer, muchas de sus canciones se volvieron hits, y la banda estuvo en permanente gira principalmente por Europa pero también por Estados Unidos, donde consiguieron que cuatro álbumes consecutivos estuvieran en el primer lugar de los rankings. El disco "Band On The Run" fue el más exitoso y conocido y del que hablaremos en otro post como se merece, hoy vamos a escuchar una canción del quinto disco de la banda, que tal vez no sea la más conocida pero una de las más admiradas por su composición, la simpleza de su letra que hace referencia a amigos y parientes de Paul, inclusive con algunos apodos que han desorientado a los que interpretan sus letras. La canción "Let 'Em In" salió en el disco "Wings At The Speed Of Sound" y ha sido versionada muchísimas veces, y hoy vamos a escuchar una versión de la cantante de jazz, Eve Cornelious. Paul volvió a ser feliz con la banda y Wings duró casi diez años, muchas de sus canciones siguen muy vigentes.
Un disco que cumplió hace una semana unos jóvenes treinta años de su lanzamiento, el más exitoso del artista que lo celebra con una extensa gira.
A principio de los noventa , y cuando no había cumplido los treinta años, el músico rosarino Fito Páez ya se había dado muchos gustos y alcanzado tal vez lo que nunca se había imaginado. Con sólo veinte años ya se diferenciaba del resto de los músicos de la llamada Trova Rosarina, en menos de cinco años de su aparición, había publicado cuatro discos, y cada uno superaba al anterior. Formó parte de la banda de Charly Garcia y sus "enfermeros" que grabó Piano Bar y un encuentro fortuito con Spinetta en una esquina porteña dio origen al álbum doble "La La La". Fito inició la nueva década con el disco "Tercer Mundo" que tuvo una muy buena recepción, pero lo que iba a venir iba a ser mucho mejor. La situación sentimental del músico, quien estaba en pareja con una conocida actriz, fue en gran parte la inspiración del disco que comenzaba a germinar, Convocó a músicos reconocidos como colaboradores del disco: Aznar, Celeste Carballo, Claudia Puyo, Spinetta , Charly Garcia , Ariel Rot y Mercedes Sosa entre otros. El álbum contenía catorce canciones, donde muchas de ellas se convirtieron en hits. Con una producción impecable el disco sale a la luz en Junio de mil novescientos noventa y dos. En dos días se vendieron treinta mil discos, pensemos que no había música por streaming , ni videos en línea , y la gente para escuchar tenía que ir a una disquería a comprar lo que quería escuchar. Una de sus canciones fue "La Rueda Mágica", compuesta junto a Charly García, contando las ansias de una persona que se va de la casa para ser una estrella de rock. Otra canción muy escuchada y símbolo del disco es "Brillante sobre el Mic" donde Fito la compuso pensando en su anterior pareja y cantante Fabiana Cantilo, donde el comentó "Es una canción para ella, inspirada en ella, en su rostro, en ella cantando(...)" El álbum fue acompañado por una extensa gira con mas de ciento veinte shows y es el de mayor venta en toda la historia del rock nacional. A treinta años de su lanzamiento, el músico ya anunció una gira que incluye otros países, y para aquellos que nunca lo escucharon (que no habían nacido para ese entonces) es una muy buena oportunidad para descubrirlo, por la composición, las melodías y su vigencia. |
Acerca del blog
Versiones es el blog de Juan Cabral, donde escribo sobre música ya que siempre sentí curiosidad por los distintos modos de cantar o tocar una misma canción. Clásicos del jazz, rock ,del pop e inclusive tangos, vuelven a versionarse y muchas veces superan el original. Claro... que todo tiene que ver con el gusto individual, donde la subjetividad, estado de ánimo, recuerdos y lugares son los que influencian para elegir una u otra. La idea es ir compartiendo lo que fui descubriendo y escuchando .... al menos una vez por semana Archivo
Abril 2024
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